En el Departamento de Aire, creemos que en la actualidad, el buen diseño debería estar al servicio de la utilidad y de la harmonía estética para responder mejor a las necesidades de las personas. Por lo tanto, nuestro enfoque de diseño se basa en la estricta aplicación de las cualidades fundamentales de un buen diseño: conceptos creativos, uso honesto de los materiales, técnicas de producción inteligentes y proporciones exactas se combinan para dar una integridad holística a cada producto.

Akasaki Vanhuyse es un estudio de arquitectura y diseño con sede en Londres, fundado en 2022 por el arquitecto japonés Kenta Akasaki y la diseñadora francesa Astrid Vanhuyse. Fusionando sus culturas, experiencias y perspectivas de la arquitectura y del diseño industrial, colaboran en una variedad de proyectos que incluyen espacio, mobiliario, productos, innovación e investigación. Su enfoque se basa en el diseño de soluciones creativas, reflexionadas y sostenibles. Kenta Akasaki (1989) estudió arquitectura en la Tokyo City University (BA) en la unidad de Takaharu Tezuka y en la Kingston University (MArch) de Londres. Trabajó para Matheson Whiteley (UK), donde colaboró en varios proyectos realizados en Londres, como un desarrollo residencial, una ampliación de viviendas, el estudio del diseñador Max Lamb y un centro artístico. Al mismo tiempo, desarrolló su trabajo personal. Ha sido finalista por Antepavilion (UK), un baño público (Japón) y varios concursos de diseño de mobiliario y productos. Astrid Vanhuyse (1991) obtuvo un máster en diseño industrial en la escuela Rubika de Francia. Primero trabajó como ayudante de Marc Berthier en Eliumstudio en París. Después se incorporó a Nendo en Tokio, donde participó en proyectos de diseño de productos, mobiliario y escenografía. En Londres, trabajó para varias agencias y, después, como diseñadora independiente, adquiriendo experiencia en diversos sectores, como la tecnología y la circularidad. Ha colaborado tanto con marcas consolidadas como con start-ups emergentes y ha diseñado productos galardonados.

Nacido en 1995 en Nueva York, de nacionalidad francesa. Angie Anakis vive y trabaja en París. Graduada del Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de París. Fundó el agencia an-ARCHI DESIGN en 1997. "El diseño es el espíritu de la materia. Esto para mí es el paso de una frontera, desde el diseño en papel (un sueño) a la realidad del objeto. Su función le da su forma. Esta intimidad levanta el espacio arquitectónico, de la relación entre el objeto, el mueble y la persona. Es una escalera. El diseño es mi forma de pensar y de vivir." DISEÑO DE OBJETOS / Creación de numerosos piezas hechas por encargo: Lauréate VIA, 'Dark Spirit' mesa, París. Galerie La Verrière, Hermès, Bruselas. Lauréate VIA, 'Alice' sillón, París. Designers' Days, Forum Diffusion, Dupont de Nemours, Corian, París. Forum Diffusion, 'Yunnan' bandeja, edición limitada, París ... DISEÑO ESPACIAL / Diseño y realización de todo tipo de trabajo: Escenografía de iluminación Sede del Banque Populaire Sud Ouest, Bordeos, arquitecto Jean-Michel Wilmotte. Galería Yves Gastou, Biennale des Antiquaires, París. Groupe Pastor, Vídeo 'AZUR', pieza única, Mónaco. Dalkia, Congrès HLM, soirée en el Musée des Beaux Arts de Nantes. Bain Company, vigésimo aniversario, París. Les Qu4tre Temps, iluminación de la fachada, La Défense, París... Arquitectura Casa de concepto 'Basses Energies', région des Baux de Provence. Apartamento de concepto, 'Reflets et Lumière', París. BATIMAT 2007, caseta Gerflor, La Matière Autrement, París. Cabaña de concepto, 'Béton Acier', Chamonix. Galería Marian Goodman, Arte Contemporáneo, París....

Brad Ascalon Studio NYC se fundó en 2006. Es un estudio de diseño multidisciplinar que se especializa en mobiliario, embalajes, productos de consumo, diseño de entornos y desarrollo, así como en la composición sonora de ubicaciones específicas y la instalación de proyectos artísticos. Con clientes que incluyen desde fabricantes a gran escala a pequeñas empresas pioneras, entre los colaboradores de Ascalon se encuentran Ligne Roset, Bernhardt Design, L'Oreal, Shu Uemera, la revista Esquire y muchas otras. El trabajo de Ascalon se ha expuesto a nivel global: desde el Salón Internacional del Mueble de Milán (la feria de diseño más grande del mundo) hasta el IMM de Colonia, Maison et Objet de París, y la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo (ICFF) de Nueva York. Su trabajo ha sido presentado en publicaciones como Wallpaper*, New York Times, London Telegraph, Architectural Digest, Interior Design y ArtReview. Natural de Filadelfia, Ascalon ha estado inmerso en el mundo del arte y el diseño desde muy pequeño. Su abuelo fue escultor y un notable diseñador industrial, y su padre es famoso por sus instalaciones artísticas a gran escala por toda Norteamérica. Ascalon obtuvo una maestría en diseño industrial en el Instituto Pratt en 2005, y ese mismo año la revista Wallpaper* lo consideró uno de los diez diseñadores emergentes más solicitados del mundo. En 2007, sus primeros trabajos se incluyeron en la ICFF Studio Bernhardt Design Exhibition de ICFF, un concurso que promueve a jóvenes diseñadores de todo el mundo. Ascalon continuó realizando trabajos de diseño para prestigiosas marcas americanas. En 2008, obtuvo la distinción de ser uno de los dos únicos diseñadores americanos en trabajar con la venerable compañía francesa, Ligne Roset. En 2011, la compañía lanzó una segunda colaboración con el diseñador. Ascalon vive y trabaja en la ciudad de Nueva York.

Los dos graduados de la Escuela de Bellas Artes de Saint-Étienne, Grégory Blain y Hervé Dixneuf fundaron l'Atelier BL119 en 2007. El mismo año, fueron finalistas para la beca Agora. En 2008, ganaron el concurso 'Revealing Talents', en la categoría de artículos decorativos con su proyecto " The Niche ". En 2009, ellos fueron seleccionados en el festival Design Parades en Villa Noailles. La Galería Tator sede en Lyon les concedió una exposición personal de iluminación y muebles en 2010. Ellos colaboraron durante varios años con la CIAV de Meisenthal en diferentes proyectos relacionados con los objetos de vidrio. Hoy día, ellos continúan su arte, desarrollando nuevos artículos para empresas y diseñadores. Sus proyectos nacen de un trabajo que se nutre de influencias, y de la búsqueda de la armonía entre el diseño y la función. Ellos no tienen ningunos protocolos predefinidos. Sus creaciones como resultado de satisfacer las necesidades; también resultado de experimentar con materiales y rediseño de sus creaciones. Sus creaciones se elevan por encima de lo mundano. Ellos encuentran soluciones en los detalles. Su objetivo es mantenerlo simple y estilísticamente correcto. Los dos examinan cada punto de vista y dan la bienvenida al cambio. Su campo de actividad incluye el diseño de productos, muebles y escenografía. Sus inspiraciones toman forma en una dimensión pragmática, lo que les permite crear objetos únicos, útiles y sorprendentes.

François Azambourg ha obtenido grandes reconocimientos a lo largo de su carrera: laureado por la Villa Médicis Hors les Murs (2003), Gran Premio de Diseño de Paris (2004), laureado en el concurso Top Plastique (3 veces) y en el concurso del Museo de Artes Decorativas. Su trabajo une las técnicas y las artes en el campo de las artes aplicadas. En 1994, después de ganar el concurso de la CTBA, empezó a crear nuevos materiales para Hermès. Su trabajo se ha expuesto en VIA entre 1999 y 2003: una silla para chimenea en madera y espuma, la silla 'Pack', una lámpara de fibra óptica entretejida, una luz con doble capa textil y la silla 'Very Nice', que se inspiró en las pequeñas sillas de madera balsa de su niñez. En 2002, Designers' Days le permitió seguir explorando el tema de las luces de fibra óptica; posteriormente, diseñó un 'micro-restaurant' en Lille 2004. Estos proyectos se encuentran en el centro de su filosofía: la idea de que un diseñador debe ser capaz de contradecirse a sí mismo y no auto limitarse a un curso originalmente trazado. A diferencia de quienes dan una gran importancia a la teoría, François da a los objetos la mayor consideración. Esta filosofía es la base de sus creaciones para Carte Blanche para VIA, Cappellini, Domeau & Peres y Ligne Roset. Actualmente, François Azambourg trabaja en un candelabro escultórico para Galerías Lafayette en Tolosa, y también con empresas japonesas en el reciclaje de plásticos.

Bambú Studio es un estudio de diseño y agencia creativa con sede en España, dirigido por el diseñador industrial Javier Moreno (Alcoy, 1984). Trabajando en una amplia gama de tipologías de productos, desde mobiliario hasta la electrónica, el trabajo de Bambú Studio está respaldado por una red internacional de editores y ha ganado numerosas distinciones: premios ADCV, Red Dot, Good design, etc.

René Barba nació en La Habana, Cuba, en 1965. Estudió en el Miami Dade Community College entre 1986 y 1988, y se graduó en Diseño de la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París (1991-1994). Durante años ha trabajado para producir líneas puras y limpias, combinando el minimalismo y comodidad. En sus diseños, Barba experimenta con una amplia gama de materiales. Algunas de sus piezas se exponen en el Museo de Artes Decorativas. Entre sus diseños más notables: Pirelli Bedding, Italia: nuevo concepto de colchón 'Mille feuilles'. Umbra, Canadá: Silla multifacética Penta Koizol, Alemania: Pantalla y estera Stixx de policarbonato. Cristal de Sèvres, Francia: Vasos de cristal Carat en tres tamaños. Markhbein Kibic, Francia: colección de pies de cristal coloreado, colecciones de copas y jarras de vino. Soca, Francia: colección que incluye sofá, silla, sillón y mesa. BBBemmebonacina, Italia: Sillón Spin, fabricado en PVC y tela. René Barba también ha trabajado como decorador de interiores para Jack Henry en París y para Calvin Klein.

Guillaume Bardet nació en Ruan en 1971, donde vivió hasta los 15 años antes de mudarse a París. En la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París, en la que se graduó en 1999, conoció a Jean-Marie Massaud, con quien ha trabajado desde junio de 2001. Desde entonces, de forma independiente, ha trabajado en sus propios diseños, colaborando con una serie de compañías francesas (Dix heures dix, Vivendi Environnement, Triode, Louis Vuitton), belgas (Aquamass) e italianas (de Vecchi, Livit). Seleccionado por VIA en 2003 en la sección 'Appels à projets', actualmente trabaja en sus luces Paranox, junto con un fabricante italiano. Al año siguiente, en enero de 2004, fue seleccionado de nuevo por VIA y presentó las luces Equilibre en el Salón del Mueble de París. Gracias a una beca de la Academia Francesa, trabajó en la Villa Medicis durante un año, desarrollando una colección de nueve piezas de mármol denominada 'Mobilier immobile'. Estas piezas se presentaron en la galería Yves Gastou en octubre de 2003. En septiembre de 2004 presentó una colección de tinas de baño diseñadas para Aquamass, en el Salón de Now. Al mismo tiempo, ha realizado actividades como arquitecto de interiores, trabajando con clientes privados (un apartamento en París, un granero en Normandía) y empresas como Renault, para quien ha diseñado dos casetas de exposición en la Feria Internacional del Motor, en septiembre de 2004. Desde febrero de 2005, ha dirigido un curso en los Talleres de la Escuela Nacional Superior de Creación Industrial. Vive y trabaja en París.

Anne-Charlotte Baudequin née à Grasse en 1995 et Mathieu Maldes né à Toulouse en 1992, se rencontrent durant leurs licences en art appliqué/design à l’Université Toulouse II— Jean Jaurès. Après des masters différents, leur collaboration devient un dialogue permanent, nourri de leurs singularités, et de leurs passions communes. Suite à sa licence à Toulouse, Anne-Charlotte Baudequin, se spécialise en design sensoriel avec la validation d’une maîtrise en Création Recherche et Innovation en Design Sensoriel et Alimentaire à l’ISCID (Institut supérieur d’arts appliqués, Couleur Image Design). Elle est actuellement en doctorat en design (École doctorale Allph@) avec comme projet de thèse « Le Design Sensoriel Olfactif pour une Anthropologie de l’espace ». Elle enseigne à l’ISCID, particulièrement le design olfactif en collaboration avec un parfumeur. Mathieu Maldes, après sa licence à Toulouse et une maîtrise en Design Transdisciplinaire Cultures et Territoires à l’Université Toulouse II — Jean Jaurès, se forme en photographie au sein de l’école ETPA, où il explore les relations possibles entre photographie et design. C’est après avoir travaillé pour des studios tels que Studio Daguerre et Studio Jaspar à Paris, qu’il décide de revenir à Toulouse avec la volonté d’explorer les savoir-faire du sud de la France. Leur travail, guidé par une quête de simplicité, interroge les usages contemporains pour faire émerger des mondes possibles ou imaginaires. Ils s’intéressent notamment aux matières, aux sons, aux odeurs ou aux gestes qui offrent de nouvelles interactions et de nouvelles expériences. Cette vision commune leur permet d’envisager la création comme un travail de recherche en mouvement sur les dimensions sensorielles et poétiques des objets du quotidien. En s’éloignant du principe de la forme pure comme finalité, leurs envies sont de faire émerger des intentions, des liens et des valeurs communes. En 2019, leur premier projet « Hestia » remporte le coup de cœur du jury pour le concours « Grand Sud : Revaloriser le Granit du Sidobre ». En 2021, ils sont lauréats de l’appel à manifestation d’intérêt « Mondes Nouveaux » lancé par le ministère de la Culture ou ils proposent l’exploration de leur méthodologie sensorielle in situ pour l’élaboration de leur projet « Petites inventions du paysage ».

Un estudiante de Bellas Artest, artista visual y escultor, François Bauchet hizo su primera incursión en el mundo del diseño de producto en 1981. Fascinado por la sociología de humanidad, él usa sus observaciones para sus diseños. Su contribución al mundo del diseño y el arte desde su primer proyecto en el año 1983, ha sido su prolífica. Su contribución al diseño y mundo de arte desde su primer proyecto en 1983 ha sido prolífica. Su experiencia se extiende de diseños de y para grandes almacenes exclusivos, museos y parques a exposiciones de arte personales. El también fue nombrado Diseñador del Año en París en el Salón du Meuble. Yang, una creación reciente para Ligne Roset, es tanto asombroso como innovador, permitiéndole formar su propio sofá usando hasta cuatro pedazos de asiento de esquina. Muy aclamado, Yang ha sido presentado en varias exposiciones de museo.

Guillaume Bloget nació el 21 de diciembre de 1991. En febrero de 2009, Guillaume Bloget trabajó en un proyecto para Intermarché, liderado por el diseñador François Azambourg. El proyecto se centraba en un sistema de embalaje económico, que fue aceptado por la marca. El mismo año, Guillaume Bloget entró en la ENSCI/les Ateliers para obtener su bachillerato. Guillaume Bloget trabajó en un proyecto de mobiliario urbano para la ciudad de París, bajo J.F. Dingjian, desarrollando soluciones de iluminación y piezas modulares para parques, fabricadas con polipropileno expandido. En septiembre de 2010, Guillaume Bloget empezó su formación en ebanistería con el artista Nicolas Cesbron. El mismo año, recibió el segundo premio en el concurso Cinna, en la categoría de iluminación, por la Simplex. En septiembre de 2011, Guillaume Bloget enriqueció su experiencia en eliumstudio, trabajando junto a Marc Berthier en una nueva gama de botellas de champagne y una colección de relojes Lexon. Edición del Premio Especial, concurso de lámpara de mesa Fly for the Méta.

Ambos nacidos en 1978. El taller de diseño Böttcher& Kayser fue fundado en Berlín en 2007. La agencia está especializada en el diseño de productos de gran consumo, mobiliario y lámparas, así como del acondicionamiento interior. Sus cofundadores Moritz Böttcher y Nikolaus Kayser se conocieron en la escuela de párvulos y siguieron su escolaridad juntos. Más tarde, sus trayectorias de formación se bifurcaron, adquiriendo ambos su experiencia profesional en diversos países, ciudades y agencias de diseño, antes de reunirse para realizar su sueño de trabajar juntos. Hoy día dirigen su propio estudio, trabajando para clientes tales como ANTA, Böwer, Freistil by Rolf Benz, Johanson, Gejst, Mater, NormannCopenhagen, Prostoria, RIG-TIG, Schönbuch, Stelton, Vertigo Bird, WON y Zero. Moritz Böttcher y Nikolaus Kayser han recibido numerosos premios de diseño, tales como el Interior Innovation Award y algunos iF y Red Dot Design Awards, incluido el prestigioso Red Dot‚ Best of the Best’. Sus proyectos han figurado en numerosos libros y revistas de todo el mundo.

Erwan Bouroullec es un diseñador francés, nacido en Quimper en 1976. En 1998, se graduó en la École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy. Su estudio se encuentra actualmente en París, y también tiene otro espacio en el campo en Borgoña, Francia. Después de haber trabajado lado a lado durante varias décadas, formando un dúo de diseñadores influyentes en el mundo del diseño, Ronan y Erwan Bouroullec desarrollan ahora proyectos de forma independiente. Juntos, han diseñado numerosas obras en diferentes campos combinando artesanía tradicional y producción industrial, incluyendo instalaciones permanentes en espacios públicos. Los principales fabricantes con los que han colaborado son Flos, Hay, Kvadrat, Samsung, Roset, Vitra, etc. Sus obras figuran con frecuencia en prestigiosas exposiciones y museos de todo el mundo, como el MOCA (Los Ángeles, 2004), el Victoria & Albert Museum (Londres, 2011), el Musée des Arts Décoratifs (París, 2013), etc. Sus creaciones también forman parte de muchas colecciones públicas y privadas de renombre, como el MoMA de Nueva York, el Centre Pompidou, the Art Institute of Chicago, etc., testimonio de su impacto duradero en el diseño contemporáneo. Ronan y Erwan Bouroullec recibieron numerosos premios, entre ellos la London Design Medal (2014) y el Compasso d'Oro (2022), etc... Erwan Bouroullec está representado por la galerie kréo para sus dibujos originales y por WrongShop para sus ediciones limitadas y no limitadas.

Rémi Bouhaniche es un graduado de la École Supérieur Art & Design de Saint Etienne (ESADSE). Él fue un alumno de Eric Jourdan and François Bauchet, Rémi Bouhaniche es un graduado de la Escuela Superior de Arte Diseño de Saint Etienne (ESADSE). Fue alumno de Eric Jourdan y François Bauchet, por quien él fue influenciado. Ha trabajado con el Instituto Bocuse. Pasó un año en la India, donde colaboró con MAGPIE en una gama de productos de acero inoxidable y en espacios comerciales; él también ha trabajado en el mobiliario de presentación para Seiko Francia. En 2010, él ganó el premio del 1r lugar en la Competición de D3 Contest en IMM Cologne por su luz Etirement: esto fue cuando el primero capturó la atención de Michel Roset. 2012 : Label VIA por una mesa. 2014 : prix national de la construction Bois. 2015 : lanzamiento de TOA, su primer sillon para Ligne Roset. Con la ayuda de sus profesores, adquirió técnicas e investigó 'l'excellence dans la recherche du Bel Obje't. Remi expresa la positividad de su personalidad. Él es un trabajador que también sueña con la vida en una cabina aislada en la armonía completa con la naturaleza.

Erwan y Ronan Bouroullec nacieron en 1976, y 1971, respectivamente, y comenzaron a trabajar juntos en 1997. Su compromiso de trabajar en proyectos solamente si los encuentran ambos interesantes e inspiradores ha producido tanto éxito comercial como crítico. Sus proyectos incluyen productos encargados por Vitra, Cappellini, Issey Miyake, Magis, Ligne Roset, Habitat y Kréo Gallery. Además, ellos trabajan en proyectos arquitectónicos, como la Casa Flotante (Floating House), encargada por Le centre d'Art de Chatou. Sus diseños han sido expuestos en numerosos exposiciones colectivo o individuales, como la exposición "Ronan & Erwan Bouroullec" en el Design Museum de Londres en 2002. En 2004, dos exposiciones individuales se llevaron a cabo en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y en el Museo de Arte Boijmans en Rotterdam. En el verano 2005, ellos participaron en una exposición colectiva en el Centro de Arte de Seúl, Museo de Diseño de Hangaram en Corea. El Facett, diseñado para Ligne Roset en 2005, ha confirmado su estatus como estrellas del mundo del diseño; el sillón fue nombrado como un icono de nuestro tiempo.

Nacido en Rennes, Francia en 1978, Florian Brillet Florian Brillet es un graduado del Ecole Nationale Supérieure d'Architecture de Bretagne. Después de varios años en oficinas internacionales como Dominique Perrault, Nox architekten, y Jakob+Macfarlane, él lanza su propia oficina basada en una visión multidisciplinaria de la arquitectura. Desde sus estudios, su interés ha sido la representación de formas complejas, desarrollando en particular la estructura de azotea de la Casa de Ópera de San Petersburgo para Dominique Perrault y el Auditorio de la Filarmónica de París por Ateliers Jean Nouvel. Desde 2007, ha estado trabajando en París como arquitecto independiente y diseñador. Él divide su tiempo entre el diseño de mobilario y diseño de interiores.

Claude Brisson nació el 6 de septiembre de 1947. Se graduó en la Escuela de Oficios Artísticos. Obtuvo su certificado de Arquitectura en la Escuela de Artes y Oficios Jean Prouvé. En 1973 empezó a trabajar en el departamento de I+D d L'Abaque de Marc Alessandri (muebles de hoteles). Especialista técnico, en 1975 comenzó su trabajo para la Compagnie d'Esthétique Industrielle R. Loewy, donde diseñó asientos para el TGV. Ya experto en diseño industrial, buscó nuevos retos y empezó a virar hacia un ángulo más creativo dentro del grupo Mazda, donde diseñó luces decorativas y arquitectónicas para casetas y salas de exposición. En 1984 tuvo la oportunidad de combinar su experiencia técnica y su tendencia creativa al empezar a trabajar para e grupo Roset, diseñando tapicerías para Ligne Roset y Cinna. Ha permanecido en la compañía desde entonces y ahora desempeña el puesto de Director de Desarrollo de Tapicerías para Ligne Roset, Cinna y Roset Hotels & Contracts. Multy, el galardonado sofá-cama de Ligne Roset, está entre sus diseños más conocidos.

Nacido en Haifa, Israel en 1974. Graduado de la Academia Bezalel de Artes y Diseño, Jerusalén - departamento de diseño industrial. Después de haberse graduado en 2002, colaboró en una amplia gama de proyectos con un gran número de empresas internacionales. En su estudio él crea todo desde productos para el hogar hechos de plástico inyectado, a electrodomésticos, muebles de gama alta e iluminación. Desde 2006, sus piezas han sido preseleccionados por el VIA en varias ocasiones. Sus obras han ganado la aprobación de las empresas como el VIA, Environment, Jofebar y Metalarte.

Manuela Busetti y Andrea Garuti se conocieron estudiando Diseño Industrial en el Istituto Europeo di Design en Milán, dónde ya formaban equipo para trabajar en cuestiones de diseño. En 2004, el año de la XX Compasso d'Oro ADI, se les concedió la selección del 'Progetto Giovane' por su proyecto de tesis 'Double', una innovadora bolsa refrigeradora de neopreno. Desde 2004, han colaborado con varios estudios milaneses especializados en producto y diseño avanzado, y han trabajado juntas de forma independiente, diseñando tanto para concursos internacionales como para fabricantes, en una amplia gama de sectores entre los cuales se encuentran vajillas, accesorios de baño, sanitarios y mobiliario. En 2007, su proyecto 'Culla Belly' ganó el primer premio en 'Playing Design', el concurso internacional organizado por la ciudad de Lissonne en colaboración con la Milán Triennale. En 2008, ambas fueron seleccionadas para formar parte del proyecto experimental 'Prime Cup 01' patrocinado por la Regione Lombardía y la Milán Triennale con el objetivo de elevar el nivel de innovación entre las Pymes seleccionadas en la región Lombarda. Estos proyectos fueron expuestos al público en el teatro Agora durante la Milan Triennale. Matteo Redaelli se graduó en diseño industrial en el Istituto Europeo di Design en Milán en 2007. En el mismo año, la vida laboral de estos tres jóvenes diseñadores convergió durante una colaboración en un estudio de diseño de Milán. En 2008 comenzaron a trabajar juntos en nuevos proyectos, haciendo pleno uso de sus diferentes competencias y sensibilidades. Nuevas colaboraciones siguieron con empresas manufactureras de varios sectores: grifos de cocina y baño, vajillas, utensilios de cocina, hornos y placas, mobiliario de exterior y de interior, etc. En 2010 ganaron el concurso de diseño Cristalplant, patrocinado por Zanotta y Cristalplant, con un proyecto innovador de mesa de centro a la que bautizaron “Naica”. En 2012, ganaron de nuevo con su versátil proyecto de mesa ‘Verve’ para Poliform. In 2014, el jurado de Young & Design 2014 seleccionó su silla tapizada “Log”, diseñada para Pedrali. Nuestro enfoque del diseño: Somos tres diseñadores industriales que trabajamos juntos desde el 2008, desarrollando nuevos productos para varias áreas del hogar y del mercado de contratos. Los proyectos que desarrollamos surgen de la síntesis de nuestras sensibilidades y visiones personales. Nuestro objetivo es desarrollar objetos capaces de satisfacer tanto las nuevas demandas derivadas de los estilos de vida cambiantes como las necesidades más consolidadas de la vida cotidiana. En el desarrollo de todos nuestros proyectos, deseamos encontrar soluciones sencillas, tanto técnicas como formales, que favorezcan el uso y la legibilidad del objeto. En ese proceso, reinterpretamos materiales ya sean tradicionales o innovadores, permitiendo que los objetos resultantes, una vez colocados en su propio contexto, se conviertan en compañeros de vida discretos y amables. Por lo general, nuestros proyectos son el resultado de la reflexión estimulada por un breve informe presentado por una empresa; también pueden definirse de manera autónoma cuando surge una oportunidad, o incluso una intuición inesperada que emerge impredeciblemente. Una vez definido el concepto, lo desarrollamos en varias direcciones divergentes hasta hacer una selección, entonces se procesan y redefinen con más detalle. Siempre nos gusta trabajar con diferentes tipos de productos a través de la colaboración con empresas de diferentes sectores industriales, como mobiliario, vajillas y utensilios de cocina, grifería y cerámica, etc. Podríamos definir nuestro enfoque de diseño como enraizado en Italia, pero con un sabor Europeo. Además de los maestros del diseño italiano, también le debemos mucho al diseño de Europa continental y de Escandinavia.

Nacido en 1962. Un artista de plástico entrenado, Pierre Charpin ha dedicado la mayor parte de su tiempo al diseño de mobiliario y objetos desde el principio de los años 1990. Como resultado, su trabajo ha sido probable que se incline hacia proyectos experimentales en en los cuales él trabaja con, entre otros, C I R V A (1998/2001) y C R A F T (2003/2005); él también diseña productos para fabricantes internacionales prominentes como Alessi, Venini, Post Design, Montina, Zanotta, Ligne Roset, la Manufacture Nationale de Sèvres y muchos más. Su trabajo de investigación continua ha sido posible por su colaboración con la Galerie Kréo, París, con quien ha trabajado bajo un contrato de exclusividad mundial desde 2005, produciendo artículos de edición limitados. En 2004, ganó un premio por su jarra 'Eau de Paris' de cristal moldeado, del cual 60,000 fueron producidas. Fue elegido como 'diseñador del año 2005' por el salon du meuble de París. Varias de sus obras forman parte de las colecciones de la Fond National d'Art Contemporain, el Centre Georges Pompidou y el Musée des Arts Décoratifs de París.

Chape&Mache es la asociación creativa de Aurélie Chapelle (nacida en 1986) y David Machado (nacido en 1984). Graduados con honores de la Escuela de bellas Artes de Angers en 2011, no fue hasta 2013, cuando su colaboración bajo el nombre de Chape&Mache, realmente comenzó. Su trabajo es simbólico y está plagado de imágenes extraídas de observaciones de la vida diaria, de interacciones perpetuas y de la mezcla de sus dos mundos. Abordan numerosos campos a través de piezas singulares que cuestionan las prácticas colectivas o individuales. Cada nueva obra Chape&Mache es una pieza de alquimia creativa.

CP — RV est un projet collaboratif de design mené entre Londres et Marseille. Formé par des designers de différents horizons, le studio conçoit des produits, du mobilier, des espaces intérieurs et des objets du quotidien. L’atelier, co-fondé par les designers Camille Paillard et Romain Voulet, travaille à partir d'une compréhension intuitive de la vie contemporaine, aboutissant à une production patiente qui se veut pertinente au contexte de notre quotidien et aspire à créer du plaisir par simple utilité de ses créations. Camille Paillard (1988), a exercé en tant que designer au studio JLK DS et Tom Dixon, où elle a créé du mobilier sur mesure ainsi que travaillé sur des hôtels, des restaurants et des intérieurs privés; pour des clients tels que Tom Dixon, Philippe Malouin, a:tifakt, Hennessy et Pierre Marcolini. Auparavant, son expérience en tant que designer comprend des postes chez Front Design, Philippe Starck et Blackbody Oled. Elle a étudié le design pour le luxe et l'artisanat à l'ECAL en Suisse, où elle a obtenu son diplôme en 2012. Romain Voulet (1989), ancien designer chez Industrial Facility, sous la direction de Sam Hecht et Kim Colin, où il a dessiné du mobilier domestique, des systèmes de bureaux et des objets à vivre; pour des pionniers de l'industrie tels que Herman Miller, Muji et Mattiazzi. Il a précédemment exercé chez Youmeus Design où il a conçu des objets du quotidien pour des clients tels que Panasonic, Joseph Joseph, Nokia et Kenwood. Il a étudié le design industriel à l'EID dans le sud de la France, où il a obtenu son diplôme en 2011.

Forts de leurs expériences à New York, Londres et Milan, Maryna Dague (1992) et Nathan Baraness (1994) sont deux designers Français qui ont fondé leurs studios respectifs à Paris. En collaboration ou indépendamment, les formes de leurs projets se nourrissent d’influences hétéroclites et cosmopolites glanées lors de leurs voyages ou dans les films qu’ils affectionnent. Tous deux passionnés d’antiquités, ils aiment tirer leur inspiration des objets anciens ou oubliés et de leurs trouvailles chinées. Leurs dessins aux lignes archétypales laissent une place manifeste aux matériaux et se veulent témoins de savoirs faire.

El estudio de diseño "Marc y Damaris" fue fundado en 2007 por Damaris Bilbao de París y Marc Navarro de Barcelona. Al principio el estudio trabajó en una base autogenerativa, manejando tanto el proceso creativo como la producción de sus creaciones. En 2008, fueron seleccionados para exponer en la Feria de París Maison Objet. Ese mismo año comenzaron a colaborar con la empresa EIG, el representante de Cradle2Cradle en España, en una gama de mobiliario ecológico que fue presentado en la Semana de Diseño de Barcelona. Una variedad de exposiciones siguió tanto en España como en Francia (Côté Sud, Decoración de Casa, Fundation Palo Alto ...). En 2011, el estudio ganó un Aide à Projet VIA por su estante Wabi-Sabi, que fue presentado en Milán en el mismo año.

Nacido en 1956. Philippe Daney es un certificado arquitecto D.P.L.G (diplômé par le gouvernement). Daney es el cofundador de la compañía Tebong con Pascal Bauer (1986-1995). Esta agencia de diseño se especializó en la creación, fabricación y distribución de mobiliario, iluminación y productos contemporáneos. Tebong expuso en ciudades principales como París (Centre Pompidou), Nueva York y Tokio. Él ha diseñado escenografía para la VIA (1997), La Villette (2000) y el T.N.B (Théâtre National de Bretagne), además de numerosos proyectos de 'escenografía luminosa'. En cuanto a su trabajo de diseño ha colaborado con Ligne Roset desde 1997, así como con muchos otros fabricantes franceses e italianos.

Daniel Debiasi (1981), diplomado en diseño industrial por el Politécnico di Milano, y Federico Sandri (1977), diplomado en diseño industrial en la Universidad IUAV di Venice, se conocieron en Milán cuando ambos lideraban proyectos para diversas compañías internacionales de diseño. Después, ambos continuaron sus trayectorias profesionales, en Italia y en el extranjero, y en 2010, decidieron unir fuerzas y fundar la sociedad de diseño Something, ubicada en Londres (UK) y en Verona (Italia). Interesados en la conexión de los productos con su entorno, diseñan objetos en relación a influencias espaciales, culturales, conductuales y emocionales, con la ambición de superar los límites del diseño trabajando en todas sus disciplinas. Daniel Debiasi y Federico Sandri trabajan con clientes internacionales de gran renombre como Antoniolupi (IT), Ligne Roset (FR) y Schoenbuch (DE) entre otros. Su trabajo ha aparecido en muchas revistas internacionales de arquitectura y diseño.

Nacido en 1991, Mathieu Delacroix es un joven diseñador titulado de la École Supérieure d'Art y Design de Saint-Etienne. En 2013, ganó el concurso Orange Jeunes Designers con el proyecto Aeon. Proyecto que de nuevo fue destacado en el “Global Grade Show” de Dubai Design Week 2017. En 2015, participó por primera vez en la exposición “Mirage” organizada por el centro cultural F93 con la obra de arte Kuro que explora las propiedades de los polímeros. Ese mismo año, viajó a Japón para estudiar en la Nagoya City University of Design. Todavía en la actualidad, mantiene una fuerte relación con este país y su estética. Además, participó en “Fukushima Mon Amour”, una exposición realizada por la ciudad de Saint-Etienne con motivo de la Trienal de Milán 2016. Más recientemente, recibió el Primer Premio Cinna 2018 por su colección de jarrones de madera Tasso. En la actualidad, Mathieu Delacroix vive y trabaja en París. Asiste en sus trabajos a diseñadores como Mathilde Bretillot, Frédéric Forest & Clementine Giaconia o Guillaume Delvigne. Al mismo tiempo, continúa sus propios proyectos con el único objetivo de crear una sinergia entre los dibujos y sensibilidades personales para diseñar productos relacionados emocionalmente con nuestras vidas.

Después de una formación inicial en la ebanistería y carpintería, Jan Christian Delfs estudió diseño industrial en la Muthesius Kunsthochschule Kiel. Fundó su propio estudio en 2006 para diseñar productos para empresas internacionales. Su trabajo se extiende desde equipos domésticos a electrónica de consumo, así como del mobiliario al diseño de interiores. También da clases en las escuelas de diseño en Kiel y Bremen. Ha sido galardonado con numerosos premios de prestigio por su trabajo de diseño, como el IF, Red Dot y el Good Design Award. Además de sus numerosos premios, Jan Christian Delfs ha ganado varios concursos de diseño, como el "Toshiba Contest", el "WMF Design Contest" y el "Braun Award" y su soporte de olla Mister X ya está en producción por Auerhahn.

Né en 1979, Guillaume Delvigne fait ses études à l’Ecole de Design Nantes Atlantique et au Politecnico di Milano. Diplômé en 2002, il débute auprès de grands designers comme George J. Sowden ou Marc Newson, entre Milan et Paris, avant de se lancer en solo. En 2011, il inaugure sa première exposition personnelle à la ToolsGalerie et remporte le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris. Il travaille avec des industriels, des éditeurs et des artisans, principalement dans les domaines du mobilier, de l'objet et du luminaire. Ses clients sont de grandes maisons françaises comme Hermès, Habitat ou Tefal, des compagnies étrangères comme Fabbian, Hanoia ou Frandsen, ainsi que de jeunes éditeurs tels La Chance, Hartô, ou ENOstudio.

Avril de Pastre nació el 20 de abril de 1987. Después de tres años dedicado a estudiar en la École des Beaux-Arts de Rennes, fue galardonada con su DNAP (Diplôme National d'Arts Plastiques) 'avec les félicitations du jury' (con honores). En 2009, ingresó a la ESAD, Reims para estudiar por su DNSEP (Diplôme National Supérieur d'Expression Plastique), mirando objetos que mejoran la comodidad acústica de espacios domésticos. Este proyecto fue presentado en junio de 2011. Durante sus estudios sus obras han sido expuestas en: Exposition des écoles en la VIA, Designhuis, Eindhoven, y en el Lieu du design, París.En 2009, ella ganó el concurso, 'Lumière sur l'Art' organizado por el BHV. Su primera colaboración con Ligne Roset fue la lámpara Solveig.

Ebanista y compañero del Tour de Francia, Thibault Desombre, fascinado por el mobiliario y el diseño, se matriculó en la Escuela Nacional de Artes Decorativas à Paris en 1981. Después de salir de ENSAD, lanzó sus primeras creaciones con P. Parent (1983) y luego con Grange (1986), para quien diseñó la colección de Shaker, su primer gran éxito en el mercado. Su estrella siguió elevando con creaciones cada vez más contemporáneas en categorías tan diversas como mobiliario de oficina (Macé, Addform), contratos (Soca Line), y mobiliario de hogar (Ligne Roset y Atlantis) y ha ganado varios premios por su trabajo. Profesor y consultor de diseño, durante 2 años en La Redoute, Thibault Desombre es un diseñador con una dirección clara, sin la influencia de modas pasajeras. Sus creaciones se caracterizan por sus líneas puras, limpias. Su colaboración con Ligne Roset ha tenido gran éxito.

Minimum design est un studio d’impression 3D créé en 2016 par Philippe et Mélisande, nés respectivement en 1988 et 1990. Loin d’être une simple technique de production, l’impression 3D repense l’esprit même de la création. Elle impose de nouvelles contraintes au coeur desquelles nait une liberté singulière et inédite. Passant avec une rapidité inégalée de l’idée à l’objet, nous travaillons le détail et la texture avec une minutie qui se refuse à la main humaine. Le matériau utilisé, mélange de bois recyclé et de bio-plastique, noir ou naturel, propose une élégance simple qui respecte l’environnement. Cette conscience écologique est constitutive de l’impression 3D qui, au lieu de procéder par retrait de matière, en ajoute, limitant la production de déchets. Formes fluides et ciselées, géométries minimalistes déclinées, notre studio veut revenir aux essentiels du design: un objet accessible qui donne au quotidien, sans le dégrader, ses lettres nécessaires de beauté.

El Studio Désormeaux/Carrette es un estudio de diseño creado por Nathanaël Désormeaux y Damien Carrette en enero de 2014. Es un estudio de diseño industrial que tiene como vocación crear objetos reproducibles en serie. Actualmente, el estudio acompaña a clientes desde las startup hasta las grandes marcas de los sectores del mobiliario y de los objetos de gran consumo. La pasión por los materiales y una sensibilidad para la narración del objeto son las bases de nuestro procedimiento creativo. La deconstrucción está en el centro de nuestra metodología de diseño. Es al descomponer y repensar de manera holística el objeto como liberamos el corazón técnico. Entonces, nuestro trabajo consiste en sublimar la tecnicidad para no sólo integrarla sino trascenderla con objeto de que se convierta en el corazón estético del objeto. A través de este prisma, nuestro estudio trata de cuestionar los modos actuales de producción y destilar una poesía del objeto industrial. CV: Nathanaël Désormeaux: 30 años (1988) 2013 (Actualmente) París Désormeaux / Carrette studio: fundador del estudio Diseño Industrial, Mobiliario, Arquitectura de Interiores Creación del estudio. Desarrollo de productos, investigaciones conceptos, bocetos, 3D, realizaciones de maquetas y prototipos. L'Oréal Paris, Cinna, Roche Bobois, Lancôme, YPLFAL, Brandt, De Dietrich, Technicolor, Canal + 2015 (Actualmente) París Ecole de Condé: Profesor de Diseño Industrial. Metodología del Diseño, Cultura Visual, Estudio de casos, Asociaciones. Nike, Coca-Cola, Ayuntamiento de París, Théatre de l’europe, ecole 42 2012-2013 (2 años) Londres Benjamin Hubert LTD: Designer, Studio manager. Mobiliario, Espacios, Escenografia Desarrollo de productos, bocetos, 3D de investigación y maquetas. Investigación de materiales, colores y texturas. Realizaciones en 3D industrializables. Desarrollo de diseño (seguimiento de fabricación: Reino Unido, Italia, Francia, Portugal), Gestión de equipo (5 personas) 2010 (10 meses) Hong Kong Michael Young LTD: Junior Designer. Mobiliario, Diseño Industrial, Escenografía. Auriculares (Itech, Eops), Equipaje y accesorios (XigXag), mobiliario (Emeco, Trussardi), Stand (Chivas) CV: Damien Carrette: 30 años (1988) 2013 (Actualmente) París Désormeaux / Carrette studio: fundador del estudio Diseño Industrial, Mobiliario, Arquitectura de Interiores. Creación del estudio. Desarrollo de productos, conceptos investigación, bocetos, 3D, realizaciones maquetas y prototipos. L'Oréal Paris, Cinna, Roche Bobois, Lancôme, YPLFAL, Brandt, De Dietrich, Technicolor, Canal + De mayo de 2012 a diciembre de 2013 Assistant Designer en Doshi Levien / Londres Mobiliario, Espacios, Escenografia Desarrollo de productos, bocetos, 3D de investigación y maquetas. Investigación de materiales, colores y texturas. Realizaciones 3D industrializables y resultados finales. 2010 (10 meses) Diseñadora en prácticas en Plastique Omnium environnement / Sainte Julie Contenedores y mobiliario comunitario. Trabajo en colaboración con ingenieros de I+D. Investigación de materiales, colores y texturas. Investigaciones formales y desarrollo 3D de productos.

DESJEUX DELAYE es una agencia de diseño y arquitectura de interiores fundada por Dorothée Delaye y Daphné Desjeux. Este dúo sueña con esquemas decorativos casi masculinos, con líneas nítidas y claras. Les encanta mezclar géneros y épocas para evitar que los espacios se queden ‘fijos’. El legado de cada lugar las inspira para construir un ambiente único sin ponerse límites: Detalles infinitos, un objeto monumental, prudencia y exceso. Sus antiguas vidas en los medios les enseñaron a pensar en los espacios como escenarios en los que pueden narrarse historias. Diseñadores, artesanos, diseñadores gráficos y arquitectos se unen y trabajan con el mismo objetivo: jamás sacrificar sus ideas en aras de las tendencias. Desjeux Delaye nunca pierde de vista su ambición de dar a todas sus formas un toque chic informal. Su agencia está especializada en la industria hotelera y trabaja en una serie de proyectos desde 2018: un hotel en Formentera y dos hoteles en Paris, dos apartamentos de lujo también en Paris y múltiples proyectos como una colección de iluminación epónima, en venta en Bon Marché y producida por MR Agency, así como una gama de mobiliario para Versant.

Nathalie Dewez vive y trabaja en Bruselas. Después de graduarse de la École des Arts Visuels de La Cambre en 2001, el foco principal de su trabajo es el diseño de iluminación. Una mezcla de poesía y rigor, sus lámparas, lámparas de pared y lámparas de pie son amplias y luminosas, aprovechando el potencial del material elegido a el máximo. Creación de obras como el Sol-air (una luz del halógeno en un tubo de fibra de carbono), Lamp06 (un estudio sobre la estructura de una sombra clásica) o la lámpara Prism con su estructura tridimensional, su sello distintivo son líneas coherentes que muestran el carácter esencial. Su presencia en varias exposiciones y ferias de muestras en Francia, Bélgica, Italia, el Reino Unido y en en otros lugares le ha permitido entrar en una amplia gama de colaboraciones, con no sólo las oficinas arquitectónicas, sino también fabricantes de mobiliario y proyectos privados.

Emmanuel Dietrich nació en Besançon en 1969, y tan pronto como él puede recordar, él siempre ha querido hacer lo que está haciendo hoy. Después de graduarse de arquitectura interior de la École Boulle,rápidamente encontró su propia dirección en la vida. Soñaba con trabajar en el sector de lujo saboreando la idea de la sofisticación y exigentes estándares están implicados. Comenzó a realizar este sueño cuando había obras encargadas por Facom y Ardi. Su reloj `Harnais' para Hermès se ha convertido en un clásico y fue mostrado en la fachada de la Faubourg Saint-Honoré. Desde entonces Emmanuel Dietrich ha aventurado en una variedad de diferentes áreas de arte: Häagen Dazs, Dinh Van, Artelano, Mobilier International, Haworth, sin dejar de mencionar Daum, Baccarat, Ruinart, Calvin Klein y Louis Vuitton. Sus creaciones para Ligne Roset ya han logrado gran éxito de público y parecen listas para convertirse en clásicos del diseño.

La sede de © Dögg & Arnved Design Studio está en Copenhaguen, Dinamarca. La agencia trabaja en campos tan variados como el diseño de instalaciones, mobiliario, diseño de interiores y diseño gráfico. El método creativo de Dögg & Arnved Design se basa en las tradiciones de diseño escandinavas combinadas con tecnologías de vanguardia y la pasión por los materiales y las texturas. A través de ese sustrato cultural de diseño, la interpretación personal y la expresividad, buscan un diseño contemporáneo y atemporal para todos. Trabajan para crear productos funcionales de alta calidad, con respeto a la naturaleza y a las generaciones futuras, y la creencia de que esto agrega valor al producto. Rikke Rützou Arnved Se graduó en la Escuela de Arquitectura de la Real Academia Danesa de Bellas Artes en 2011. Después de su graduación, creó su propia oficina de diseño, Ark Type, que se ha dedicado principalmente al diseño de muebles e interiores. Al mismo tiempo, ha impartido clases en la DTU (Universidad Técnica Danesa, Instituto de Diseño e Innovación). Ha trabajado para estudios de arquitectura daneses en los campos del diseño industrial, la iluminación y el diseño de interiores, demostrando sus habilidades en campos muy diferentes. Desde 2006 ha trabajado en una amplia gama de proyectos, desde planificación urbana hasta concursos de diseño de edificios y mobiliario. Su inspiración está en la interdependencia entre la arquitectura y el diseño. Para ella, la esencia del diseño a cualquier nivel es trabajar de tal manera que el proyecto global y los detalles individuales se vean como un todo unificado. Dögg Gudmundsdottir Estudió diseño industrial en el Instituto Europeo del Diseño Industrial, Milán, graduándose en 1996. Entre 1996 y 1998 fue estudiante visitante en los departamentos de vidrio, mobiliario y diseño gráfico de la Escuela Danesa de Diseño. En la primavera de 2011, Dögg obtuvo su maestría en diseño de la Escuela de Arquitectura de la Real Academia Danesa de Bellas Artes, teniendo como tema de estudio principal 'Nuevas estrategias: Gestión del diseño con innovación aplicada sostenible'. En el año 2000, Gudmundsdottir fundó su propio estudio de diseño, Dögg Design, que se dedicó a campos como el diseño industrial, las artes gráficas y el diseño de instalaciones. La marca de diseño Dögg Gudmundsdottir mantiene vínculo muy estrechos con el mundo del arte, y encuentra inspiración en los materiales naturales, las formas orgánicas y la artesanía tradicional. Cree que el diseño y el arte existen en una asociación significativa, mutua y contagiosa. Su trabajo se ha expuesto y publicado en todo el mundo.

Claudio Dondoli y Marco Pocci se reunieron en la Facultad de Arquitectura de Florencia. En 1983, después de haber compartido no sólo sus estudios, sino también una intensa experiencia artística teatral, fundaron el Studio Archirivolto en Colle Val D'Elsa. Con el trasfondo de un romántico paisaje de la Toscana de Siena, el estudio se ha dedicado exclusivamente al diseño industrial desde 1989. Sostienen que las innovaciones de hoy tienen sus raíces en el uso de la tecnología y materiales. La tecnología no tiene como objetivo crear una imagen, sino para prestar un servicio al cliente. Un producto bien diseñado, para ser considerado de la alta calidad, debe ser atractivo, eficiente, y cómodo. Aparte de Ligne Roset, Archirivolto trabaja con Bonaldo, Desalto, Fasem y muchos otros.

París, Tokio, Londres: la carrera de Marie-Christine Dorner empezó con sus periodos de residencia en otros países. Diseñadora, arquitecta de interiores y graduada por la Escuela Camondo de París, Marie-Christine pasó un año en Tokio trabajando en el diseño de su primera colección de muebles para Idée, antes de abrir su primera oficina París. La diversidad de sus proyectos es asombrosa: entre los más conocidos está La Villa en St Germain des Prés, el restaurante de la Comédie Française, la tribuna presidencial del 14 de julio al inicio de los Campos Elíseos, mobiliario urbano para la ciudad de Nîmes, diseños para Mobilier National. Londinense durante más de diez años, Marie-Christine diseñó y adaptó las residencias diplomáticas para el Ministerio Francés de Asuntos Exteriores, lleva a cabo proyectos especiales para clientes privados, y diseña para fabricantes tan distintos como Ligne Roset, Montis, Bernardaud y Baccarat. Su colección 'Une Forme, One Shape', expuesta en 2004 en París, Tokio y Kioto, es solo una demostración de su amor por la perfección. Sus joyas, objetos y muebles han sido fabricados por los mejores artesanos de Francia y Japón en madera, oro, porcelana, bambú, cerámica y materiales compuestos. Marie-Christine Dorner ha dictado clases en Londres y Francia, y se le otorgó el Gran Premio del Diseño de la ciudad de París en 1995.

En 1997, Julia Dozsa et Jan van Dalfsen fondent Dozsa & van Dalfsen, un studio de design et d'architecture, basé à Amsterdam. Julia Dozsa a étudié l'architecture pendant 2 ans avant de fréquenter l'Académie Gerrit Rietveld et d'obtenir un diplôme en design industriel. Après avoir obtenu son diplôme à l'Université d'Amsterdam en mathématiques, spécialisation topologie, Jan van Dalfsen a commencé à étudier l'architecture et les techniques de construction à l'École Polytechnique d'Amsterdam tout en travaillant pour un entrepreneur en bâtiment. Ils travaillent ensemble mais aussi séparément pour des entreprises et des particuliers sur des projets de mobilier, produit, architecture et design d’intérieur. Parmi leurs clients figurent Calligaris, Colé Italia, Deknudt Mirrors, Driade, Estinée, Fiam Italia, Glas Italia, Ikea, TAFT Shoes, Tonelli Design. La variété de leurs parcours et la synergie qu'elle peut générer déterminent leurs créations. Aussi la coopération avec d'autres, en particulier avec des artisans qualifiés, est une importante source d'inspiration. Ils créent leurs designs, influencés par des images d'art, de nature, d'architecture et de design, souvent absorbés inconsciemment, respectant le contexte d'un projet et en laissant libre cours à l'intuition tout en essayant de surprendre.

Martin Drechsel. Né en 1980. A grandi en RDA (République Démocratique Allemande) socialiste, ensuite réunifiée formant l’Allemagne. A vécu et travaillé à Londres, Berlin, Milan, Florence, Dresden & Amsterdam. Aujourd’hui à Zurich. Citoyen allemande et Suisse. Il est connu pour ses travaux dans le domaine du branding et de la conception d'identité, de nombreuses marques, organisations et entreprises faisant appel à lui pour ses idées créatives et son langage visuel unique. Il est actif dans la communauté de design depuis 2006 et a travaillé sur des projets pour des clients tels qu'Apple, Amazon, BMW, Google et Microsoft. Il a également collaboré avec certains des plus renommés de l'industrie créative, y compris Peter Saville, Shepard Fairey et Olly Moss. Sa philosophie en tant que designer est de créer des solutions attrayantes et authentiques qui inspirent les gens à s'engager dans l'histoire et la mission d'une marque. Sa passion pour l'art et la technologie lui permet de créer des projets marquants et intemporels.

Après un BTS Design de produits, Léo Dubreil et Baptiste Pilato se sont connus lors de leurs études supérieurs à l’Ecole Supérieur des Arts Décoratifs – DNSEP, de Strasbourg. Ils ont présenté ensemble leur projet "SHELL" (rebaptisé "Clam") qui a remporté les deux premiers prix du 11ème Concours Cinna révélateur de talents : celui du Jury et celui du Public. Ils ont également participé à l’exposition D’Days de Paris en 2016.

Diseñador de ambientes y objetos, Noé Duchaufour-Lawrance nació en Mende, Francia, en 1974. Criado en un ambiente creativo, define su propio lenguaje con la ayuda de formas que son, a la vez, naturales, flexibles, orgánicas, fluidas y estructuradas. Formado como escultor de metal (ENSAAMA), estudia luego diseño de mobiliario en la escuela Les Arts Décoratifs. El interés de Noé se involucra en proyectos inusuales, como el restaurante Sketch en Londres, que ha impulsado su carrera desde 2002 y le da su primer premio, el Best Design de Time Out. Diseña a continuación importantes obras de arquitectura de interior como el chalet “La Transhumance”, el Business Lounge Air France, así como el restaurante “Ciel de Paris”. Desarrolla también el nuevo concepto de arquitectura de las boutiques Montblanc, para la reestructuración de sus boutiques en el mundo entero y participa en la rehabilitación del edificio #cloud.paris diseñando el Lounge. Noé Duchaufour-Lawrance trabaja en proyectos de muy diverso tamaño, desde la escala más pequeña a la más grande. Diseña su primera colección de muebles para Ceccotti, y continúa su colaboración con otros editores italianos como Zanotta o Tacchini. Luego se une al editor norteamericano Bernhard Design para el que diseña una colección muy diversa de mobiliario. Las casas de lujo lo cortejan. Hermès enriquece su catálogo con el sofá Sellier. Saint Louis ofrece una colección de muebles, lámparas y vajilla, la prestigiosa colección Folia. Su nombre está asociado al éxito del perfume One Million para el que diseña el frasco. Su enfoque único lo lleva naturalmente hacia el diseño de objetos excepcionales presentados y expuestos en galerías o eventos de prestigio. Con la galería Made in Situ, inaugurada en 2020 en Lisboa, donde vive, concreta este apetito por la materia y el trabajo manual. Esta es la forma en que describe su trabajo: "Un objeto está obligado, por naturaleza, a responder a una necesidad, sin crear otras. A partir de esta necesidad absoluta, debe ser vehículo para significados y emociones. Es desde este punto de vista que enfoco el diseño de un objeto; más que un estilo, uso un lenguaje que desarrollo como resultado de mi experiencia. Un lenguaje en permanente estado de evolución, expresado por formas y materiales e inspirado por mi entorno - ya sea natural, real o idealizado-, y mis emociones, ya las haya experimentado o soñado. Porque creo sinceramente que hay vínculos emocionales entretejidos entre las personas, los espacios y los objetos. Hay una simbiosis entre los objetos y espacios que creo: tienden hacia la misma dirección, ayudados a veces por un toque de provocación, pero siempre tratando de no caer en la trampa de la gratuidad y la seducción".

Michel Ducaroy nació en 1925, dentro de una familia de diseñadores y fabricantes de muebles cuyas actividades se dividían entre casas privadas y contratos a gran escala (barcos, exposiciones, edificios oficiales). Con este trasfondo familiar, estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Lyon e hizo prácticas en el negocio familiar, antes de empezar a trabajar como diseñador independiente en 1952. Desde su primer contacto con la compañía Roset en 1954, Michel Ducaroy se ha convertido rápidamente en uno de los diseñadores esenciales. En los primeros días de Ligne Roset, Michel fue una de las piezas clave en la compañía, alguien que buscó siempre ir más allá de los límites tecnológicos. En 1968 diseñó una de las primeras sillas modulares hechas completamente de espuma, la silla baja Adria, y después Kashima y Safi, que integraban grandes cojines sobre una estructura de altuglass. En 1973 diseñó el ahora icónico Togo, una gama de asientos fabricados con cubiertas generosamente acolchadas con poliéster: esta colección, con su diseño exclusivo, se adapta cómodamente a casi cualquier interior y sigue siendo uno de los productos más vendidos de Ligne Roset hasta el presente. Para celebrar el 33 aniversario del modelo, el Togo ahora está disponible con brazos.

Nacido en Versalles en 1946. Tras una educación clásica, los extensos viajes alrededor del mundo rápidamente abrieron mi mente. Un pequeño resumen, primero tuve varios trabajos y luego pasé 10 años o así trabajando como comprador para una empresa especializada en 'artesanías de todo el mundo'. En 1989, fundé mi propia empresa, Wood&Cane Company, cuyo concepto de - 'creación / importación' – perduró hasta 2011. En 2016 estaba en ‘jubilación activa’ trabajando para una serie de ‘clientes habituales’ y seguía más que activo en el ámbito del diseño y desarrollo de producto.

Tim Brauns y sus dos socios fundaron e27 en Berlín hace 25 años. Desde entonces ha diseñado objetos, ha enseñado a estudiantes por todo el mundo y realizado proyectos en todas las categorías de diseño. La idea de 'softruck' vino después del cumpleaños de su hijo. "Compré un Nuevo sofá y necesitaba mesitas auxiliares. A mi hijo le gusta todo lo que tenga cuatro ruedas, así que combiné esos elementos. ‘softruck’ fue la solución. Es muy práctico para el salón, no parece un juguete pero mi hijo adora jugar con él."

Colombe Faber, née en 1998 est une architecte d’intérieur et designer française diplômée en 2022. Colombe commence son parcours à l’Académie Charpentier où elle découvrira le dessin et poursuivra son parcours au sein de l’école Camondo à Paris. En 2019, elle part vivre à Buenos Aires dans le cadre d’un échange universitaire. Elle découvre alors, depuis l’Argentine, une partie de l’Amérique du Sud, continent qui l’inspirera beaucoup et qui lui offrira une première liberté créative loin des codes européens. Au cours de son Master, en 2021, elle est invitée à l’exposition universelle de Dubaï, dans le cadre de l’exposition "Art de Vivre à la Française" au sein du Pavillon français. Elle y crée une vitrine dans laquelle trois marques sont mises en lumière : Bernardaud, Christofle et Baccarat. Décidément épanouie quand elle voyage et désireuse de poursuivre ses explorations à la croisée des géographies et des savoir-faire, elle part, tout juste diplômée, pour l’Indonésie. Elle y vit huit mois de nouvelles découvertes, de mixités culturelles et de pratiques plus artisanales, au cœur des biodiversités de l’archipel. Au même moment, la marque Flos lui offre une carte blanche pour la réalisation d’un luminaire : inspiré par la nature de l’île éponyme, "Lombok" est présentée à l’occasion de la Design Week dans les espaces Intramuros. Colombe, rentrée à Paris, conjugue sa pratique de designer free-lance en agence d'architecture et la suite de ses projets de collaboration privilégiant des valeurs de responsabilité éco-responsable, elle signe la lampe "360" réalisée à partir de matériaux de récupération avec Ligne Roset.

Después de haber obtenido su diploma de diseño industrial en el seno del Politecnico di Milano, Mario Ferrarini comenzó a asesorar a reconocidas agencias de arquitectura y de diseño (mobiliario y productos). En 2007 abre su propio estudio, primeramente en Côme (Italia) y posteriormente en Lugano (Suiza), colaborando con empresas internacionales en diversos proyectos, tales como productos industriales y diseño interior, pasando por la concepción de stands de exposición. La agencia trabaja para marcas como Antoniolupi, Bitossi, Castelli, Crassevig, Desalto, de Sede, Franke, Jacuzzi, Living Divani y Poltrona Frau. "Trabajamos en la concepción de productos intemporales que trascienden las tendencias". El equilibrio es uno de nuestros objetivos principales de nuestro concepto global. Nuestros productos son fruto de soluciones tecnológicas, estéticas y funcionales. Tenemos puestas las miras en la perfección, con la sutileza que caracteriza nuestra gestión, la actitud y orientación, que son nuestros rasgos distintivos.

Ramy Fischler est un designer contemporain belge, qui vit et travaille à Paris. Il est diplômé de l’École nationale supérieure de création industrielle en 2004. De 2001 à 2010, il collabore avec Patrick Jouin. Lauréat de l’Académie de France à Rome en 2010-2011, il est pensionnaire de la Villa Médicis, où il mène une recherche in situ sur l'accueil des visiteurs et des artistes au sein du lieu, s’intéressant particulièrement à l’histoire du mobilier du pouvoir. Ramy Fischler crée ensuite RF Studio à Paris. En son sein, il conçoit objets et mobilier et crée des espaces de travail, culturels, commerciaux ou résidentiels. Il est rejoint par une dizaine de collaborateurs au fil des années. Depuis 2013, des collaborations avec des personnalités aussi variées que le chef Thierry Marx, le restaurateur Oliver Peyton, le metteur en scène Cyril Teste ou encore le compositeur Jesper Nordin marquent les créations de l’agence. Depuis février 2017, il dirige également la création architecturale de la maison Chanel, fragrance & beauty, watches & fine jewelry. Il est élu créateur 2018 par le salon Maison & Objet.

Jonas Forsman nació en 1979 y Lars Wettre nació en 1978. En el 2006, después de graduarse en ingeniería de diseño industrial por la Chalmers University of Technology, empezaron a trabajar juntos en varios proyectos de diseño. Desde entonces han recibido varios premios nacionales e internacionales de diseño, tanto ambos en equipo como individualmente, y actualmente dirigen estudios de diseño independientes/separados en Gotemburgo y Estocolmo pero aún comparten una misma visión del diseño.

Nacida en 1991, Constance Frappolli se graduó en arquitectura de interiores en la Escuela Camondo en 2016. Actualmente vive en Paris, dónde trabaja en varios proyectos en un estudio de diseño. En sus propios proyectos, trata de utilizar el objeto para contar una historia en la que las formas, los materiales y la función, se ponen al servicio de la naturaleza. Constance centra su trabajo en la búsqueda de equilibrio entre funcionalidad y emoción, y confiere a sus piezas una naturaleza práctica casi poética en la que formas y materiales cuentan una historia. Su pasión por jugar con destellos, ironías, metáforas e imágenes, lleva a Constance a construir su diseño en torno a universos reconocibles. Su alfombra, evoca su primera colaboración con Ligne Roset.

En 2006, la arquitecta danesa Stine Gam y el arquitecto italiano Enrico Fratesi fundaron la agencia GamFratesi en Copenhague. Stine Gam nació en Copenhague en 1975 y estudió arquitectura en Aarhus, Dinamarca, hasta 2006. Durante sus estudios, trabajó como arquitecta en Italia y Tokio. Enrico Fratesi nació en Pesaro en 1978 y estudió arquitectura en la Universidad de Florencia y Ferrara, graduándose en 2007. Durante sus estudios, pudo trabajar como arquitecto en Estocolmo y Dinamarca. El trabajo de GamFratesi se basa en un constante y curioso diálogo entre sus respectivas culturas. Se decantan por el enfoque escandinavo en cuanto a la artesanía y la simplicidad, con un sólido y apreciable acento en la investigación conceptual como base de sus diseños. GamFratesi ha recibido numerosos premios, por ejemplo, el premio Vico Magistretti de DePadova, el premio "Mejor Diseñador Danés 2009" y el premio "Walk the Plank 2009". Sus creaciones se han expuesto recientemente en el Kunstindustrimuseet (Museo de Arte y Diseño), de Copenhague y en el Artmuseum Trapholt Kolding, así como en muestras colectivas en el Mindcraft de Milán, la Embajada Real Danesa, Tokio y el Dansk Design Center de Copenhague.

Somos Gaia Giotti nacida en 1983, Giona Scarselli nacido en 1974, Cristina Razzanelli nacida en 1978 y Erica De Candido nacida en 1979. Desde 2013 somos diseñadores con un enfoque transversal que va desde el diseño de productos al interiorismo y la arquitectura. Como arquitectos y diseñadores, adquirimos nuestra experiencia profesional en diferentes campos antes de comenzar nuestra colaboración. Desde 2018, enseñamos diseño de productos en el IED de Florencia. Estos son algunos de los premios seleccionados Fauteuil Feuille Ton a.s. Premio alemán de diseño / premiado 2020 Botera | Miniforms s.r.l. Archiproducts Design Award / premiado 2019 Feuille | Ton a.s. Red Dot Award / premiado de diseño de mobiliario 2017 Premio de diseño de papel pintado / ganador 2017 Premio alemán de diseño / premiado 2017 IF Product Design Award / premiado 2017 Premio de la Innovación Interior / selección 2017 Archiproduct Design Award / mejor de la categoría 2016|

Alban-Sébastien nació el 20 de noviembre de 1969. Sus intereses no se limitaban al diseño sino al arte en su conjunto. Después de obtener su titulación en Arte y Literatura, continuó su educación bajo la tutela de Jean-Claude Maugirard en la facultad de la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas de París, donde ahora vive y trabaja. En 1998, después de su graduación en ENSAD, conoció a Didier Gomez, con quien trabaja como director freelance en proyectos de alto nivel y con fabricantes de primera fila. Actualmente, desarrolla modelos para fabricantes como Ligne Roset y Design Affairs, cuyo sillón Fifty-Fifty fue galardonado con una placa VIA (Valorisation de l'Innovation dans l'Ameublement) en su presentación en el Salón del Mueble 1997. Una muestra que destaca entre las numerosas exposiciones en las que ha participado, tanto en París como en Milán. En 2001, en colaboración con el arquitecto Axel Schoenert, diseñó una gama de muebles para el restaurante CDF 105; y ha trabajado codo a codo con Frédéric Ruyant en proyectos de arquitectura de interiores. En 2002 diseñó el sillón Neo para Ligne Roset, que se convirtió en un éxito instantáneo y en el favorito tanto del público como de la prensa. En 2006 se incorporaron sus creaciones más recientes a la colección de Ligne Roset, con Jul & Jil como un extraordinario atisbo de todo lo que puede ofrecer la yuxtaposición de lo masculino y femenino en el diseño.

Diseño como segunda vida. Tras estudiar Ciencias Políticas y Marketing, Alain Gilles comenzó a trabajar en el mundo de las finanzas. Pero uno tiene que vivir su propia vida, así que gracias al apoyo moral de su mujer, volvió a Francia a estudiar diseño industrial. Abrió su propio estudio en el año 2007 para perseguir sus sueños y desarrollar su enfoque personal de diseño de producto, de diseño de mobiliario, de dirección artística y de arquitectura de interiores. Desde entonces colabora con varios editores internacionales como Qui est Paul? (FR), Galerie Gosserez (FR), O'Sun (BE-HK), Buzzispace (BE), Design is Wolf (BE), Vincent Sheppard (BE), Varaschin (IT), Verreum (CZ), Casamania (IT), La Chance (FR) and Bonaldo (IT). Nombrado “Diseñador del año” en 2012 por el Interieur Kortrijk fair and Knack/Le Vif Weekend y el Museo de Diseño de Gent. Fecha de nacimiento: 1970 en Bruselas (BÉLGICA)

Didier Gomez empezó su carrera como cantante de ópera antes de diversificar sus intereses y entrar en el mundo del diseño de interiores y productos en 1985, al asociarse con el arquitecto JJ Ory. Sus conocimientos y experiencia han sido ampliamente reconocidos. Ganador de numerosos premios de diseño, ha diseñado boutiques, grandes tiendas, restaurantes, apartamentos, casas y sedes empresariales en todo el mundo. La calidad de su trabajo habla por sí misma, con clientes como Yves Saint-Laurent, Pierre Bergé, Carrousel du Louvre, LVMH, Bernard Arnault, Céline, Louis Vuitton, Galerías Lafayette, Vivendi Universal, Kenzo, Christian Dior, Pomelato, De Beers y L'Oréal. Didier Gomez empezó a trabajar con Ligne Roset hace unos quince años. Desde entonces, Michel Roset y Didier han establecido una colaboración duradera basada en la sinergia creativa. El número de creaciones de Ligne Roset parece ilimitado, pero entre las de mayor éxito están sus colecciones de tapizados. Feng, Opium y Fugue se han convertido en símbolos de un estilo urbano clásico, elegante y contemporáneo. Rue de Seine sigue estos pasos. Didier Gomez y Ligne Roset fueron galardonados con el premio Nombre d'Or en el Salón del Mueble de París, en reconocimiento de su ejemplar colaboración.

Bernard Govin est un designer et architecte d'intérieur français né en 1940. Au cours de sa vie, il a créé diverses pièces dont l’esthétique fluide, tout en courbes audacieuses et futuristes, séduit toujours. Il rejoint le célèbre éditeur Ligne Roset dès la fin des années 60. Après avoir étudié à l'école des arts appliqués Duperré et à l'institut d'esthétique industrielle, il ouvre son agence en 1963. Ses recherches portent sur des nouvelles matières. En 1966 il expose une œuvre emblématique au Salon des Artistes Décorateurs (SAD) : le siège sol Asmara édité par Ligne Roset dès 1967. Il présentera au SAD 1972, toujours chez Ligne Roset le siège Dunes. Ses pièces novatrices surprennent par leur inventivité et leur grande modernité. Bernard Govin verra d'autres modèles édités au travers de collaborations avec plusieurs éditeurs et il s’installera ensuite dans le sud de la France pour y concevoir des aménagements intérieurs.

Diplômée avec félicitations du jury de l'Ecole Camondo en 2013, Lara Grand, architecte d'intérieur et designer, a travaillé pour diverses agences à Paris et à l'étranger. C'est dans ce cadre qu'elle a participé à des chantiers d'appartements privés, à la conception de présentoirs à bijoux, à différents travaux graphiques, à l'aménagement d'un salon de coiffure ou à la mise au point de projets mobilier pour Ligne Roset aux côtés de Marie Christine Dorner, ou encore pour les marques Zeus et Montis. Son projet de fin d'études à Camondo a été la création de la lampe conique Peak up, une lampe de chevet associant éclairage diffus et éclairage directionnel, le passage de l'un à l'autre se faisant par simple basculement de sa partie supérieure. En 2016, Ligne Roset édite son lampadaire Headlight.

Nacido el 10 de agosto de 1980, Benjamin Graindorge es un joven talento del diseño francés. Se graduó en la E.N.S.C.I. - les Ateliers el 15 de marzo de 2006, con mención especial para su proyecto de diploma 'Paysage domestique / Environnement naturant'. Benjamin fue seleccionado dos años consecutivos en el festival Design Parade y, a continuación, ganó el concurso Cinna y Audi Talents Awards en la categoría de Diseño. Después de un periodo de residencia en la Villa Kujoyama en Kioto, volvió a Francia para colaborar con François Bauchet en la escenografía de la Bienal Internacional del Diseño de Saint-Etienne 2010. En 2011 expuso por primera vez en la galería YMER & MALTA, donde presentó cinco objetos diseñados en torno al tema del sueño. 4 objetos contemplativos, bajo la tutela de Erwan Bouroullec. Tesis: Sentinel - ARIZONA Un estudio sobre el paisaje y la contemplación a través del western, con la orientación de Marie-Haude Caraës. Marzo 2003 - Marzo 2004: Pasantía con Ronan y Erwan Bouroullec Experiencia de trabajo: Abril 2006 - Mayo 2006 - Asistente de Mathieu Lehanneur - Desarrollo de una cadena de restaurantes - Diseño de una botella de perfume para Issey Miyake - Desarrollo de escenografía para la Ciudad de París Julio 2006 - Exposición colectiva, DESIGN Parade de la Villa de Noaïlles - Presentación de 3 acuarios y 3 piscinas Octubre 2006 - Exposición colectiva, Bienal de Diseño de Saint-Etienne - Presentación del proyecto de diploma, Paysage domestique - Presentación de dos tatuajes Septiembre 2006 - Asistente de RADI DESIGNERS. - Desarrollo de aparatos eléctricos para Moulinex, - Desarrollo de pequeños aparatos eléctricos para Violet - Diseño de una botella de perfume para Prada - Creación de un área de lounge para Nuit Blanche 2007 Enero 2007 - Febrero 2007 - Colaboración con Valérie Mréjen - Proyecto, '1% artistique' para una escuela Enero 2007 - Exposición colectiva, presentación de una luz con VIA en las ferias de Paris y Milán Febrero 2008 - Inicio de la colaboración con Domeau & Pérès.

Pierre Guariche est un designer né en 1926. Il étudie à l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs et obtient son diplôme en 1949. Il travaille ensuite au sein de l’atelier de Marcel Gascoin et présente ses premiers modèles au Salon des Artistes Décorateurs et au Salon des Arts Ménagers. En 1953, il conçoit pour Steiner la mythique chaise « Tonneau » en plastique (1953) puis en contreplaqué plié (1954). Il fonde avec Joseph-André Motte et Michel Mortier l’Atelier de Recherche Plastique en 1954. En 1957, il est nommé Directeur Artistique de l’entreprise de fabrication de meuble Meurop. Par la suite, il partagera ses connaissances auprès des étudiants de l’Ecole Supérieure d’Architecture de Tournai et l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Il a su apporter une touche personnelle et innovante au design en alliant esthétisme et production en série. Il a eu à cœur de répondre aux besoins de son époque en faisant appel à des procédés de fabrication en série. Ses créations sont devenues des pièces mythiques comme la chaise Tonneau (1953 et 1954), la chaise Tulipe (1956) ou encore le bureau Président (1961).

A guggenbichlerdesign... le encanta crear y diseñar muebles y productos de clara elegancia, sencillez intemporal y carácter independiente para entornos maravillosos. Harald, nacido en Klagenfurt (Austria), y Heike, nacida en Viena, fundaron el estudio de diseño industrial con sede en Viena en 2004. Desde entonces, diseñan conjuntamente muebles para viviendas, contratos y oficinas, para uso interior y exterior, y colaboran con empresas internacionales de renombre como Tonon, Fermob, Crassevig, Neudörfler, Rossin, ... y Ligne Roset. Ambos empezaron con una formación muy diferente: Harald es diseñador diplomado y maestro carpintero. Heike estudió administración de empresas con especialización en publicidad e investigación de mercados. Ahora unen los conocimientos de marketing con la experiencia, los conocimientos técnicos y un sentimiento orgánico-emocional por los materiales, la función y la estética. El proceso de diseño es complejo, como la creación de una sinfonía. Requiere sensibilidad, intuición y experiencia: un poco de esto y de aquello, mezclado hasta conseguir un conjunto perfecto: algo significativo, encantador y duradero. Para guggenbichlerdesign... la cooperación con Ligne Roset, una extraordinaria empresa familiar con una larga tradición, una intensa experiencia artesanal y una gran variedad de clásicos del diseño, representa algo muy especial.

Denis Guidone est un studio de design et d’architecture basé à Milan et Tokyo. Fasciné par les contrastes entre l’Orient et l’Occident, il rassemble l’esthétique de ces deux extrêmes avec une précision non conventionnelle et stricte en une apparence élégante. Il a remporté des prix internationaux, dont le IDA Design Award à Los Angeles. Il a également reçu le prix Bruno Munari de Gillo Dorfles en 2009 à la Triennale de Milan et a été sélectionné pour l’indice ADI 2010. En 2018 il a été élu par la Triennale de Milan et le ministère des Affaires étrangères comme ambassadeur du design italien dans le monde.

BIOGRAPHIE After product design studies and working for Benjamin Hubert Meike Harde started her business in 2013 with the participation at several design-talent shows. She is inceasingly active for international brands like Freistil Rolf Benz, Bolia, Puplo and many more. The 1987 born Meike Harde works and lives in Cologne. DESIGN APPROACH / INSPIRATION "lamp name" is a result of experimenting with paper models and the variation of cones. Attached to an elegant stand the shade starts linear on the top but ends in a circle. This transition causes soft waves in the outline and generates an overall smooth and friendy feeling.

Sebastian Herkner est né en 1981 à Bad Mergentheim (Allemagne). Il étudie le design à l’université des arts et du design d’Offenbach où il se spécialise dans le design d’objets et d’ameublement. Dans ses créations il alliera influence culturelle, nouvelles technologies et artisanat traditionnel. Son objectif est de mettre en valeur la beauté des matières et d’attirer l’attention sur des détails subtils. En 2006, il crée son propre studio à Offenbach-sur-le-Main. C’est chez la créatrice de mode londonienne Stella McCartney qu’il fait ses armes en 2003-2004. Il y développe son goût pour marier les matières, les couleurs et les textures « pour moi le design c’est comme la cuisine que j’aime faire quand j’en ai le temps : pour un bon repas il faut de bons ingrédients mais aussi des épices, des couleurs, une composition… ». Il est élu « Designer de l’année » pour l’édition 2019 du salon Maison et Objet. Sebastian Herkner a pour Ligne Roset un lien affectif tissé depuis son enfance. La marque incarne à ses yeux le « design à la française », l’artisanat et l’excellence de fabrication. Il apprécie tout particulièrement que la Maison soit restée familiale et de ce fait la collaboration rapprochée qu’il peut avoir avec Michel Roset et son équipe. Sa démarche ne s’inscrit pas dans un effet d’opportunité mais bien dans une optique de collaboration à long terme. Ils ont en particulier en commun cette vision du design qui ne peut s’exprimer qu’en harmonie avec les attentes profondes de la société. "Les savoir-faire artisanaux sont notre héritage culturel et ils recèlent de potentiels inexplorés ». Comme pour les grands crus où il faut que la vigne ait ses racines profondément ancrées dans la terre pour que son raisin puisse s’exprimer, il faut au designer un ancrage artisanal profond pour pouvoir en révéler toutes les subtilités. Sebastian Herkner a trouvé en Ligne Roset avec Taru son terreau d’expression…"

Moisés es un diseñador mejicano nacido en 1983 y establecido en Ciudad de Méjico. Su ciudad natal, caótica y superpoblada, así como los objetos mejicanos, las tradiciones, las texturas, los contrastes sociales y la diversidad cromática son elementos de gran influencia en el trabajo de Moisés. Moisés se graduó en Diseño industrial con honores por el ITESM en 2007. Moisés siempre se sintió atraído por la simplicidad y las ideas frescas y por esa razón, decidió estudiar en Ecal, en Lausana en Suiza, dónde en verano de 2013 finalizó su Master en Diseño de Producto con una mención especial. Moisés ha expuesto su trabajo en Estados Unidos, Italia, Francia, Países Bajos, Suiza, Turquía, Hong Kong, España y Méjico. Su trabajo ha sido premiado por la Bienal Mejicana de Diseño INBA, y el Good Design Award por el Chicago Atheneaum, entre otros reconocimientos. In 2013 Moisés creó Diario, una marca que rediseña objetos cotidianos mejicanos. Diario es un proyecto de diseño social, cultural y de conservación. Moisés cree en la transmisión de los conocimientos sobre el diseño y entre 2014 y 2017 lo que le lleva a unirse como profesor al Centro, una de las universidades de diseño más importantes de Ciudad de Méjico, dónde fue premiado como el mejor profesor de diseño industrial. En agosto de 2017, fue nombrado Director Regional de diseño en el ITESM, la Universidad privada más importante de todo Méjico.

Peter Christian Hertel nació en 1968 y Sebastian Klarhoefer, en 1966. Ambos se conocen desde la infancia. Estudiaron arquitectura en Berlín y Venecia, y finalizaron sus estudios en 1994, y luego en Berlín, en 1996. Sus primeros proyectos conjuntos de mobiliario surgieron durante sus estudios en el Instituto Universitario de Arquitectura de Venecia, influenciados por el estilo de Aldo Rossi. En 1999 fundaron la agencia Hertel & Klarhoefer. Desde 2001 han trabajado como arquitectos y diseñadores desde su agencia de Berlín. Forman parte de su equipo arquitectos de interiores, constructores de maquetas y carpinteros. Han diseñado muebles y accesorios para marcas de renombre como Authentics, ClassiCon, Elmarflötotto, Ligne Roset, Nils Holger Moormann y Zeitraum. Se ven a sí mismos como una agencia creativa de 'servicios integrales', con interés en el espectro del proceso creativo, desde la concepción inicial del diseño a la producción técnica. Desde el principio, Berlín, una ciudad llena de potencial creativo, ha sido para ellos una fuente de inspiración. Ha tenido una clara influencia en su trabajo hasta la actualidad.

Née à Paris. Formation artistique : Ecole des Métiers d'Arts et des Arts Appliqués. Diplômée en BTS. Rejoint en 1976 le Bureau d'Etudes de Roset. Ses dernières créations pour Ligne Roset sont : Opus, Petit Matin, Confidences. Depuis 1997, travaille en indépendant : pour Ligne Roset, elle a dessiné les vases Sassi et pour Leolux le canapé Zilia. S'oriente également vers une production purement artistique et organise chaque année une exposition.

Martin Hirth nació en 1987 en Horb en la Selva negra (Alemania) y se graduó en diseño de producto en 2014 por la Universidad de Arte y Diseño Offenbach. Mientra seguía estudiando, fundó su propio estudio y desde 2011 hasta 2013, trabajó también como asistente del diseñador Sebastian Herkner. Los numerosos diseños premiados de Martin Hirth's – ampliamente reseñados en la prensa de comercio internacional – han sido expuestos en Paris, Milán y Berlín, entre otros.

Maria Jeglinska nació en Francia 1983. En 2007, se graduó del programa de Diseño Industrial de la ÉCAL. Durante los últimos dos años trabajó para la Galería kreo de Parísy en la oficina de Konstantin Grcic en Munich. A finales de 2009, ella estableció su propia Oficina para Diseño e Investigación en medio Londres y Varsovia. El trabajo es enfocado en proyectos de diseño industriales (en los límites del mobiliario, iluminación a los productos), diseño de exposiciones, espacios, escritura así como proyectos de investigación. Convencido que en la cultura de hoy, la investigación puede cuestionar y generar nuevas formas de respuestas y servicios. En 2010, fue co-fundadora del EESTT: Grupo de Expertos de Estudio de la Europa del Este. Un grupo de expertos enfocado en los países del este de Europa.

Nacido en 1961, Jourdan vive y trabaja en París. Proveniente de una familia de arquitectos, Eric Jourdan tiene una inclinación marcada hacia mobiliario modernista clásico. Estudió en ambos la Ecole des Beaux Arts de Saint Etienne; École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs, París y ha estado trabajando en el diseño desde 1998 cuando Neotu comenzó a producir sus diseños. Algunos de sus últimos proyectos incluyen equipamiento y mobiliario para Cartier Nueva York, 1991, el proyecto de Thomson con Philippe Starck, 1993 993 y exposición en Galerie Gilles Peyroulet, 2000. Durante muchos años los sellos de su diseño han sido la serenidad y la claridad, así que también tiene su trabajo para Ligne Roset.Snowdonia creada en 2006, ofrece una mezcla de curvas sensuales y pureza de línea. Su última creación, Shaman es a la vez contemporáneo y atemporal.

El estudio de diseño kaschkasch fue creado en 2011 por Florian Kallus (1983) y Sebastian Schneider (1985). Kaschkasch trabaja en el campo del mobiliario, la iluminación, la dirección artística y la educación para varios clientes internacionales e instituciones. El dúo de diseñadores intenta llevar a cabo lo máximo posible con lo mínimo posible reduciendo cada idea hasta sus elementos más esenciales. Cada pieza tiene un pequeño elemento a descubrir que refleja el amor de estos diseñadores por los detalles. Kaschkasch apuesta por el equilibrio entre función y elegancia. Premios_ - Premio Alemán de Diseño Nominée 2015 - Premio de innovación de interiores - Premio Alemán de Diseño Nominée 2013 - Premio Alemán de Diseño Nominée - Ganador premio Interieur.

Hiroshi Kawano nació en Kanagawa, Japón en 1971. Estudió arquitectura de interiores en la Universidad de Arte Tama, de Tokio. En 2004, él comenzó a trabajar como un diseñador independiente. Desde el año 2006, sus obras han sido expuestas en Estocolmo, Londres, Colonia, Bonn, Munich, París y Tokio. En 2007, Hiroshi Kawano comenzó a diseñar mobiliario, iluminación y accesorios decorativos, en colaboración con marcas de mobiliario internacionales incluyendo Ligne Roset, ex. T e IDEE. Hoy día Hiroshi vive en la ciudad de Sagamihara, Japón.

Michael nació en Aachen en 1971, de madre holandesa y padre alemán. Creció en la zona fronteriza de Alemania, cerca de Holanda y Bélgica. Los abuelos de Michael eran artesanos muy hábiles, por lo que desde temprana edad se familiarizó con todo tipo de materiales y desarrolló una pasión por fabricar y crear toda clase de objetos. Después de la escuela, Michael se adiestró para convertirse en ebanista. Estudió diseño en Aachen, donde se graduó con honores. Un año después, a los 27 años, empezó a trabajar como lector en la Universidad de Aachen, enseñando Desarrollo del producto. Durante esa época, Michael comenzó a trabajar en sus propios proyectos con pequeñas marcas de diseño alemanas como Details y Freiraum. Después de su primer folleto para mailing en 1999, Michael llamó la atención de Habitat y Ligne Roset. Estas eran las primeras compañías internacionales para las que trabajó y siguen siendo sus clientes en la actualidad. Michael abrió su propio estudio en Hamburgo, donde se mudó para empezar una familia. Michael, su esposa turca y sus dos hijos, viven en la zona norte de Hamburgo. Su estudio es responsable de una amplia gama de proyectos de diseño en mobiliario, accesorios, iluminación y diseño de interiores, utilizando muchos materiales diferentes y todo tipo de tecnologías. ¿Cuál es el secreto de Michael? La respuesta es sencilla: tomar un objeto cotidiano y darle un giro con respecto al uso, la función y el material y, en muchos casos, añadir un toque de humor. Desde 2008, Michael ha sido el responsable de la dirección artística de la compañía Flora en Halver, Alemania. Sus clientes incluyen a Artepuro, Details, el consulado danés en Alemania, Flora, Freiheit, Freiraum, Cinna, Clic, Habitat, Jasmim, Kaether & Weise, Ligne Roset, Louise Poulsen, Magazin, Morfoso y Rapsel.

Andreas Kowalewski nació en Berlín en 1976. Desde su infancia ha estado interesado en el diseño de los objetos. Empezó a dibujar a una edad muy temprana; luego descubrió la escultura y finalmente su pasión por el diseño. Después de un aprendizaje como ebanista, estudió diseño de productos en la escuela Carl-Severing-Berufskolleg, antes de continuar sus estudios en la Folkwang Universität der Künste (Essen, Alemania), con una maestría en diseño industrial. Durante y después de sus estudios ganó experiencia trabajando para diversas agencias de diseño en Essen, Berlín y Múnich. También trabajó para el Whirlpool Design Centre (Varese, Italia), Audi Design (Ingolstadt, Alemania) y, más recientemente, como director artístico para Philips Design (Amsterdam, Holanda). Dado que su método es extremadamente intuitivo, sus creaciones son, en gran parte, producto de sus experimentos con los materiales y las tecnologías de fabricación, y también el resultado de un proceso que integra el conocimiento de diversos campos de la industria. Los dibujos son un componente central de su proceso creativo: la semilla de donde parte la expresión de sus ideas. Su objetivo es crear nuevas posibilidades a través de una forma crítica del diseño, reinterpretando y mejorando, pero no cayendo nunca en la repetición. Para Andreas, sus creaciones deben provocar emociones y transmitir calidad. Su trabajo, por el que ha recibido varios premios de diseño, se ha expuesto en Tokio, Nueva York, Berlín y Milán. Su agencia tiene sede en Amsterdam; se fundó en 2011 y se especializa en diseño industrial y de mobiliario.

El día que me fui para Vietnam, no tenía ni idea de que yo estaba a punto de comenzar una nueva carrera. Dejé los Estados Unidos a la edad de 24 años, esperando descubrir nuevos horizontes - y, impresionado por el país, decidí permanecer en Vietnam. En 1999, conocí a Michel Kuehne, un joven empresario suizo basado en Saigon y el fundador de Wetter Indochine, una empresa especializada en productos lacados. Fuimos atraídos por el amor mutuo de Vietnam y de diseño. Pronto encontramos un modo interesante y cautivador de mostrar al mundo el talento de artesanos vietnamitas que combina el color, el diseño Occidental, y la calidad.

Neeru Kumar, diseñadora textil hindú que trabaja desde Nueva Delhi, se graduó en el Instituto Nacional de Diseño de Ahmedabad en 1980. Con un talento e inspiración excepcionales, a lo largo de las dos últimas décadas ha sido una pionera y revolucionado, en cierto modo, los textiles indios. Con el uso de técnicas y materiales artesanales indígenas y a través de sus investigaciones y reflexiones, ha creado todo un nuevo vocabulario para el diseño textil. Esta innovación ha sido posible por la combinación de una sensibilidad única, sobre todo en colores y texturas, un profundo conocimiento de los tejidos y de otras técnicas textiles, y su determinación para apoyar al sector de la artesanía". Con una enorme capacidad productiva, ha creado una paleta original, cautivadora y contemporánea, superando las fronteras de lo artesano hasta llegar a algo que, a menudo, se ha descrito como "clásico contemporáneo". El trabajo de Neeru Kumar se ha expuesto en Japón, Estados Unidos, Europa y Australia, en tiendas, boutiques de prestigio y museos internacionales. Tiene como clientes, entre otros, al Museo Victoria & Albert de Londres y al Museo de Arte Moderno de San Francisco.

Né en 1997 à Rennes et architecte d'intérieur de formation. Il fonde son studio de création en 2021, dans lequel il développe et réalise du mobilier et des objets dédiés à l'espace habité. Attentif à l'impact de ses créations, il accorde une attention toute particulière à la matière, avec laquelle il tente de développer un échange ésotérique, au cours de la conception. De l'écoute de la matière à la réalisation de l'objet, la maquette et le dessin, intègrent son processus de création et jouent un rôle important dans le développement de ses projets. Créant des objets à mi-chemin entre l'usuel et le sculptural, son approche singulière du design lui permet de proposer une vision brutaliste, mais sensible de chaque objet. Produit industriel, petite série ou pièces uniques la simplicité formelle de ses pièces offre une fonctionnalité élémentaire à ses créations.

Galardonado con numerosos premios de diseño, Julian Langevin interviene en los ámbitos del diseño de productos, mobiliario e interiores. Paralelamente a sus colaboraciones con arquitectos, startups o editores, desarrolla sus propias investigaciones centradas en el desequilibrio, el uso original de materiales o las interacciones que evocan el juego. Más allá de la función, su trabajo tiende a renovar el encanto de lo cotidiano.

Nacido en 1982, Pierre Lapeyronnie creció entre París y el Sudeste francés, donde su abuelo - herrero e ingeniero autodidacta - tenía una fábrica de herramientas y equipos para vinaterías. En 2006, se graduó de la Beaux-Arts en Burdeos, donde investigó las posibles interacciones entre los paisajes sonoros y sus usos individuales. Al volver a París, empezó a trabajar como jefe de proyectos freelance en diversos proyectos de agencias como la de Nathalie Crinière (diseño de expositores) y Jean Nouvel (diseño de productos). Durante este periodo, colaboró con artesanos de toda Francia, visitándolos en sus talleres para aprender las nociones básicas sobre el soplado de cristal, forja, cerámica, elaboración de cubertería y ebanistería. En marzo de 2010, Pierre Lapeyronnie fundó PLII, su agencia de diseño industrial. Esta agencia trabaja en diferentes proyectos, por iniciativa propia o por encargo, y se centra en el diseño de productos de alta calidad, de diseño racional e impregnados con varios niveles de lectura para los usuarios. Su método estético es sencillo, preciso y sin concesiones. Pierre Lapeyronnie imparte clases de diseño de productos en la Escuela de Diseño del Strate Collège de Sèvres. Su cátedra muestra a los estudiantes las realidades industriales y les orienta a través de todo el ciclo de vida económico de un producto, desde el boceto inicial hasta la fase de producción.

Thomas Larbain es un diseñador nacido en 1995. Se graduó en 2018 en la École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne con su proyecto: “le graal”. Desde 2019, trabaja en París en el estudio de Constance Guisset. Al mismo tiempo, continúa su práctica personal creando objetos e ilustraciones que desvían códigos tomados de objetos míticos, la arquitectura medieval e Indiana Jones. En abril de 2019, expuso su proyecto “le graal” en el Instituto Françés de Milán durante la semana del diseño. En 2020/2021, fue finalista en el concurso Design Parade organizado por Villa Noailles con el proyecto Pr Tournesol. En 2021, ganó el 2º premio del concurso Cinna con su proyecto Aubier.

Nacido en Lyon (1979) y graduado en mecánica por el institut universitaire de technologie de Lyon, pasó después a estudiar diseño en la escuela cantonal de arte, de Lausana. Tras su graduación en 2004, se trasladó a Paris, dónde comenzó a trabajar como asistente de Pascal Mourgue. En 2005, trabajó en la oficina de Andrée Putman y comenzó a con sus propios proyectos, diseñando Cage, una colección de iluminación, para Mat&Jewski. Desde 2006 ha trabajado como asistente de Ronan & Erwan Bouroullec, y ha continuado con sus propios proyectos para Ligne Roset y Oliban. En 2008, su lámpara Ariane para Ligne Roset fue galardonada con el Red Dot Design Award.

Philippine Lemaire nació en Saint-Etienne en 1984. Después de pasar tiempo en la ESADSE en Saint-Etienne, se graduó de la ESAD, Reims en 2008. Desde entonces, ha estado trabajando de forma independiente, ya sea sola o con un compañero. Ella divide su tiempo entre el diseño de objetos y mobiliario, escenografía y arreglo de interiores. Escudriñando nuestros estilos de vida contemporáneos, ella trata de adoptar un enfoque sensible a cada uno de sus proyectos. Un material, una función o un método de producción son algunos de los puntos de partida en términos de desarrollo del proyecto. Hoy en día ella trabaja con una variedad de fabricantes como Faïencerie de Gien o las Cristalleries de Saint-Louis.

Este producto fue diseñado y desarrollado con toda nuestra experiencia por nuestra oficina de ingeniería ubicada en Briord – Ain Francia.

La intensa actividad de Lipparini en el campo del diseño industrial abarca el diseño de muebles y también de casas y oficinas, textiles y otros productos creados por numerosas compañías en Europa y Japón. En lo que respecta a la arquitectura y el diseño de interiores, se centra en edificios residenciales y comerciales como sedes empresariales, tiendas, restaurantes y espacios de exposición. Además, diseña y produce sistemas de identidad corporativa e imágenes avanzadas que incluyen desde material gráfico a servicios y producción editorial. El estilo de Lipparini, basado en formas reducidas y claras, de líneas vigorosas, características del minimalismo natural, está fuertemente influenciado por la alegría de espíritu y por un contagioso sentido del placer estético y la creatividad. A través del uso libre de los colores, estructuras orgánicas e ideas visuales originales, Lipparini amplía la paleta del minimalismo mediante la convergencia de lo inmediato con la potencia de la calidad estética, en una nueva era de madurez y sentido del bienestar. Para Mauro Lipparini, el diseño surge de la inevitable tensión entre estética y función, arte y aplicación. Su trabajo hace posible que un producto se convierta en algo simpático e interesante, un objeto funcional o superfluo en otro cargado de sentido estético y semántica, enriqueciendo el paisaje doméstico. Logra que un espacio y su ergonomía cobren vida con un significado en continua renovación. El diseño genera deseos que mejoran la calidad de vida, nos permite ver el progreso con una mayor implicación, interpreta el concepto de función y, por lo tanto, la percepción del propio hábitat como algo apasionado y placentero. El diseño no es la aplicación de una forma al modo de un maquillaje; es el propio objeto, es la tradición, la cultura que permite que las personas tengan una contacto más o menos indirecto con la vanguardia intelectual a través de la democratización del arte. Puede ser más o menos poético, constructivo y considerado, pero siempre debe forzar los límites del riesgo, echando al olvido hábitos y costumbres. Estas consideraciones forman la base de mi trabajo y, a través de líneas simples y dinámicas, abstracciones gráficas, composiciones y descomposiciones puramente geométricas, estoy siempre tras la pista de la belleza y el placer, con un ojo en la fusión de forma y función. Un minimalismo natural de formas reducidas, con atención particular a los materiales, los colores, las superficies, a lo fino y lo grueso, a la luz y la sombra.

Oriol Llahona est née à Barcelone en 1977. Il a étudié le design industriel à Elisava Universitat Pompeu Fabra Barcelona, Universität Essen, University Southampton et a obtenu son diplôme en 1999 et son diplôme de troisième cycle en 2004. En stage chez Franc Fernandez Arquitecte, il apprend à extraire l'essence et l'âme des choses. Après avoir travaillé sous la marque Positiu pendant quelques années, il s'est établi à son compte en 2011. En 2012, il a été appelé à rejoindre PHILPS à ShenZhen, en Chine, pendant 3 ans en concevant des luminaires pour la maison et en assumant sa direction créative. Actuellement, il dirige son studio de design et travaille pour des entreprises du monde entier fournissant des solutions de conception. Ses Oeuvres ont été exposées à Milan, Francfort et Tokyo.

David Corraux vous invite à pénétrer dans une forêt urbaine et onirique où l’imaginaire s’emballe. A travers un univers singulier et rétro-futuriste, la Maison Le LOUP présente une céramique alternative et artistique, porteuse d’une esthétique renouvelée dans cet art merveilleux à la fois intemporel et en constante évolution. David Corraux s’inscrit dans la vague de créateurs, designers céramistes qui ont une envie contemporaine commune: Rendre les objets de tous les jours, plus singuliers, plus poétiques, en osmose avec notre temps. Revisiter les tendances et s’y inscrire. Proposer une approche, un regard nouveau sur la céramique pour toucher et rencontrer nos contemporains.

Paolo Lucidi (1974) Luca Pevere (1977). Ambos diseñadores se graduaron en el Politécnico de Milán y ganaron experiencia profesional trabajando con Marc Sadler y Marco Ferreri (2002 - 2006) para diferentes compañías internacionales. Empezaron a desarrollar sus primeros proyectos juntos desde 2003, y en 2006 fundaron su estudio LucidiPevere. En LucidiPevere se trabaja constantemente en nuevos tipos de producto, usando técnicas poco comunes y medios estéticos para modificar el producto y conseguir la solución formal adecuada. Colaboran con compañías de muchos países y diferentes culturas. Algunas de las marcas con las que han trabajado son Casamania, DeCastelli, Fiam, Glass Idromassaggio, Foscarini, Normann Copenhagen, Comforty, Kristalia, Colombo Design, Dimensione Disegno y Teracrea. Sus productos se exponen en Europa y Estados Unidos y han ganado premios como Designpreis Deutschland, el premio Red Dot Design, el premio Good Design y muchos otros. Han participado en diversas exposiciones en Italia, Suiza, Polonia, Austria, Alemania, Francia y Estados Unidos, y han aparecido en numerosas publicaciones, libros y revistas. Recientemente fueron invitados a la Vienna Design Week como uno de los 10 actores europeos del Passionswege 2011 Event. Han dado clases en universidades de diseño italianas.

Anne Lutz est diplômée de l ECAL (école cantonale d'art de Lausanne) en design industriel. A la sortie de l'école en 2010, elle a travaillé à Paris pour Ionna Vautrin. Anne a étudié l'art de la céramique pendant 10 ans (d'où le travail sur le « produit »), et également le design graphique, d'où son attirance pour la 2D. Elle crée d'abord sur surface plane (2D) puis travaille sur le volume afin de combiner 2D et 3D. Elle fait beaucoup de photographie et est influencée par le graphisme suisse. Elle aime et se sent particulièrement proche de l'architecture des années 20 et le Bauhaus. Elle a été lauréate du Concours Cinna révélateur de talents en 2013 avec un projet de lampe à LED, en recherchant l'éclairage indirect, afin de modeler et faire pivoter l'applique.

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Peter Maly empezó su carrera estudiando arquitectura de interiores en la Escuela Superior Especializada de Detmold, graduándose en 1960. Sin embargo, no debutó como diseñador hasta diez años después. Durante esa década, se dedicó al periodismo de diseño de interiores para revistas alemanas especializadas en el sector. Abrió su propia agencia de diseño y arquitectura de interiores en 1970 y desde entonces ha trabajado con compañías como Anta, Behr, Cor, Interlübke, JAB Anstoetz, Ligne Roset, Mauser, Thonet y Tonon. Tiene una amplia experiencia que abarca desde el diseño de productos y textiles hasta la conceptualización de expositores en ferias comerciales, incluyendo Ligne Roset. Ha diseñado las tiendas de Ligne Roset en Moscú, Nueva York, Hamburgo y Berlín, así como una gama impresionante de productos de Ligne Roset, desde vajillas a camas. Ha recibido reconocimientos internacionales en el campo del diseño y ha ganado diversos premios.

Valentine MAUPETIT, née le 01/09/1995 à Paris Formation 2018 - 2020 ESADSE – Ecole Supérieure d’Art et Design de Saint-Etienne DNSEP – Diplôme National Supérieur d’Expression Plastique option design mention objet, félicitations du jury. 2014 - 2017 EESI – Ecole Européenne Supérieure de l’Image, Poitiers DNAP – Diplôme National d’Arts Plastiques beaux-arts, sculpture et installation. 2013 Lycée Fénelon, Paris VI Baccalauréat littéraire, mention assez bien. Expériences professionnelles 2020 - 2021 ENSCI – Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle ENS Paris-Saclay, CRD – Centre de Recherche en Design Chaire S’entendre, partenariat Clen R&D – Les environnements acoustiques des espaces de travail tertiaires 2020 CAFA – Académie Centrale des Beaux-Arts de Chine, Pékin Workshop – La mobilité des travailleurs dans une mégalopole chinoise. 2019 EU Policy Lab – Commission Européenne, Bruxelles Commande – Projet prospectif sur l’agriculture européenne en 2050 nov.-déc. 2019 Flavien Delbergue, Paris Assistante stagiaire, design objet sept.-nov. 2019 Wendy Andreu, Paris Assistante stagiaire, design objet et mobilier 2016 Balancing on chin – Sylvain Bourget, Poitiers Commissariat et montage d’exposition, médiation culturelle 2015 Séminaire Réseau Canopé et Rurart, Poitiers Edition sur l’éducation artistique en milieu rural Distinctions 2020 Prix Dess(e)ins 2020, Les Traces Habiles Prix dans la catégorie "Itinérance" Concours Cinna, Révélateur de Talents, 13e édition Prix "Coup de coeur du jury" avec la console Aube 2019 Concours Desjoyaux Prix du jury avec le projet Fuga Concours Cinna, Révélateur de Talents, 12e édition Finaliste avec la lampe Kamakura

Fattorini + Rizzini + Asociados diseñan el mobiliario contemporáneo para varios italianos y otros fabricantes internacionales. La agencia fue creada en 2009, y está compuesto por Bruno Fattorini, presidente y fundador de la marca MDF, Robin Rizzini, Director de Diseño, y Lucio Quinzio Leonelli, socio, especialista en la gestión de varias empresas fabricantes de mobiliario. "El PRODUCTO es más importante que la suma de sus componentes". Esta visión holística es la filosofía de la agencia. El estudio tiene su base en Milano y diseña para compañías en Europa y los Estados Unidos.

Teddy Moissant est un designer d'objets, de mobilier et de luminaires basé à Strasbourg. Il est très sensible à l’exploitation des circuits courts et la pérennisation de la scène artisanale locale. Il croit au partage des connaissances, des compétences et au développement d'un réseau. Il recherche en permanence de nouvelle techniques ou technologies afin de réaliser également les objets en autoproduction (utilisation des FabLabs). Issu des Beaux-Arts de Rennes, il a aussi développé ses compétences à l’Ecole des Arts Décoratifs.

Philippe Moine es una persona que rebosa sinceridad y humanidad, con una convicción profunda sobre el ser humano como la fuente y la finalidad de su creatividad. Amante del arte pictórico y la escultura, se ha alimentado del arte de lo inefable, ilustrado a través de líneas reducidas y emociones que surgen de un movimiento esbozado. Philippe Moine nació en los años setenta en Saint Etienne, ciudad reconocida por la Unesco, desde el 22 de noviembre de 2010, como una red de 'ciudades creadoras de diseño'. ¿Sera esto un augurio? Aficionado de los Legos, los mecanos y los juegos de carpintería, mostró desde muy temprano una inclinación a los oficios de la construcción y la ebanistería, que satisfacían su apetito por la creación. Sus primeros cursos de ebanistería confirmaron esta atracción profesional, ya que la madera le permitía dar forma a sus ideas con gran facilidad. Tenía la cabeza llena de ideas. Para ponerlas en acción, se matriculó en la escuela Boulle de París, donde aprendió a dominar los movimientos y habilidades que le permitiesen trabajar la madera, el metal y los tejidos con calidad y genio. Con una licenciatura en arquitectura de interiores, continuó con una especialización en diseño industrial en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París: un curso cuya misión educativa era formar artística, científica y técnicamente en todas las esferas de las artes decorativas. Al mismo tiempo, Philippe Moine se unió al equipo de diseño de Renault: esta inmersión en un centro de creatividad actuó como un catalizador en su desarrollo personal. Los diseñadores provenían de las mejores escuelas del mundo; como él, eran jóvenes; el equipo tenía una naturaleza multicultural y los medios a su disposición les permitían producir diseños de creatividad casi ilimitada. Esta experiencia, además de su talento, le abrió las puertas de varias agencias de diseño donde se hizo conocido gracias a la originalidad de sus creaciones. Philippe Moine abrió su propio estudio en 1996 y ahora divide su tiempo entre el diseño industrial, que ha desarrollado más ampliamente a lo largo de los años, y 'le Mobilier de Création'. > El diseño industrial es un campo que conoce y que sabe cómo usar del mejor modo para sus objetivos, manteniendo la adhesión a especificaciones escrupulosamente definidas y que están relacionadas con la problemática del negocio, el mercado, el proceso de producción, el usuario... Su experiencia en este campo ha logrado el reconocimiento, con creaciones que deslumbran... > Le Mobilier de Création es el jardín secreto donde diseña piezas excepcionales. Obras únicas de mobiliario en un solo material o usando una gama de materiales: una combinación armoniosa de madera, metal y vidrio. > El diseño gráfico y espacial son áreas donde puede ir al núcleo del negocio; donde puede ofrecer viajes sensoriales usando formas, imágenes, materiales y colores, sin perder de vista la simplicidad y la claridad. A medida que la ciudad de Saint Etienne convertía el diseño en uno de sus ejes económicos, Philippe Moine se estableció ahí junto a dos diseñadores locales para fundar el colectivo DESIGNERS+ en 2007. Actualmente, esta colectivo sirve como plataforma para el diseño y el desarrollo, y ayuda a diversos sectores de la región a hacer del diseño un factor de impulso económico en toda el área. A día de hoy, Philippe trabaja en el comité de dirección y en la Comisión de Diseño e Industrias.

Né à Nantes en 1991, vit et travaille à Londres. Diplômé en 2015 d'un Master en design Industriel et en Mutation du cadre bâti à L'École de design Nantes Atlantique. Lors de ces années, il a l'opportunité de travailler à l'international; en Suède aux côtés de Monica Förster, au Brésil avec Brunno Jahara, et en France au sein de l'agence de Christophe Pillet. Ces expériences multiculturelles lui ont permit de travailler pour d'importantes sociétés d'éditions à renommée mondiale. Lors de son processus de création, Grégoire articule son design autour de l'usage. L'évolution de nos modes de vie est l'un des points clés de ses questionnements. Il aime travailler avec des formes épurées qui imbriquées ensembles conduisent à de nouveaux usages, créant des objets singuliers.

Su fecha de nacimiento es el 1 de Febrero de 1985 Simon Morasi Piperčić es un estudio de diseño establecido en el 2013, cuya sede es Zagreb, que trabaja en varios proyectos que van desde mobiliario y diseño espacial hasta diseño de instalaciones específicas, dirección artística y consultoría de diseño. La identidad distintiva del estudio radica en el espacio intercultural entre elitismo e igualitarismo, exclusividad e inclusión, experimentos de vanguardia y productos altamente comercializables, lo que ha ayudado al equipo a construir con éxito una posición específica fácilmente reconocible en el contexto profesional global. El estudio ha sido galardonado con algunos de los premios más notorios: German Design Award en 2017, Red Dot en 2013 y 2015 e Interior Innovation award en 2015. En 2014, formaron parte del equipo que diseñó el pabellón croata en la bienal de arquitectura de Venecia. Su trabajo fue publicado en varias revistas de renombre (Dezeen, Domus, Frame, Designboom, etc.) y fue expuesto en todo el mundo.

Pascal Mourgue es sobre todo un artista. Él es un graduado de las escuelas Boulle (escultura) y la ENSAD (École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs). Él comenzó a diseñar el mobiliario en 1962, sin dejar de ser un artista prolífico. Nunca públicamente buscando publicidad, Pascal Mourgue siempre ha apreciado integridad artística sobre éxito comerciales. Este amor del arte lo ha conducido a trabajar en campos tan diversos como el diseño de barcos de vela para Cartier, objetos de cristal para Baccarat, arquitectura, pintura y escultura. No fue hasta la década de 1980 que se centró en el mobiliario para la casa. En 1994, nació una larga y fructífera colaboración entre Pascal Mourgue y Ligne Roset. Calin fue su primera obra, basado en el concepto inusual de ofrecer el mismo nivel de confort en un sofá como en una almohada. Sus creaciones han logrado numerosos reconocimientos. El Lover ganó el "Red Dot Best of the Best" premio para Ligne Roset, y más recientemente el Downtown ha seguido el ejemplo.

Nació en Belgrado en 1973 y se tituló en 2000 en la Ecole d’architecture Paris la Villette. Ana Moussinet trabaja en su estudio ANA MOUSSINET INTERIOR DESIGN desde 2012. Libre e inspirada, Ana Moussinet debe su experiencia a su título en arquitectura en Beaux-Arts de París y a su recorrido profesional. La creación como un arte, la técnica como base, el volumen es para ella un material para esculpir, para preparar antes de habitarlo. Sus orígenes eslavos la inspiran diariamente y dan a su enfoque un toque sensible y animado. Arquitecta, esculpe espacios de todas las dimensiones. Desde un hotel de cinco estrellas con 180 habitaciones en el otro extremo del mundo, hasta la identidad de una boutique situada a dos pasos de su estudio en el Marais, pasando por el diseño de una luminaria similar a una joya, Ana se dedica a cada proyecto con el mismo entusiasmo, el mismo saber hacer. Un vocabulario estilístico que combina elegancia francesa, diseño contemporáneo y alegría de vivir eslava donde Ana se inspira para dibujar la línea de cada interior como una pieza única al servicio de patrocinadores y usuarios.

Thomas Müller nació en 1959. Estudió en la Akademie der bildenden Künste, Stuttgart y el Royal College de Arte, Londres. Ha compartido una agencia de diseño con Jörg Wulff desde 2001. Jörg Wulff nació en 1968. Estudió en el Hdk Berlin, la Hochschule für Gestaltung, Berlin y en el Bournemouth y Poole College Estudió en la Hdk Berlín, la Hochschule für Gestaltung, Berlín y la Universidad de Bournemouth y Poole de Arte y Diseño. El foco de nuestra inspiración, nuestras vidas y nuestro trabajo es Berlín. La arquitectura, la arquitectura de interiores y el diseño son nuestras prioridades de trabajo. La calidad estética de nuestras creaciones se define a través de la búsqueda de equilibrio entre contención creativa y la comunicación del concepto principal. El punto de partida de todas nuestras creaciones es una historia importante como el leit motiv de la creación. La oportunidad para cambiar, para una experiencia, para una memoria, entre muchos otros, muestran el lado emocional de un producto. Este es como el mobiliario se comunica a nosotros además de su función pura.

Nacida en el sur de Francia en 1984, Eléonore Nalet estudió diseño industrial en la Escuela Superior Nacional de Artes decorativas y en la Academia de Diseño Eindhoven. Pasó 4 años trabajando para el diseñador Inga Sempé en Paris mientras trabajaba en sus propios proyectos. En 2010 su sillón Serpentine la hizo finalista en la quinta edición del concurso Villa Noailles’ Design Parade 05; También ganó el premio de diseño del grupo SEB el mismo año. Al año siguiente, su trabajo fue expuesto en Colonia en el D3 design talents show, donde conoció a Michel Roset, quién decidió llevar Serpentine a producción. En 2013, inspirada por la perspectiva de nuevas experiencias, se trasladó a Santiago de Chile, donde trabajó principalmente para Roda, desarrollando juegos y mobiliario para niños; también impartió clases de diseño en la Pontificia Universidad Católica de Chile. Siempre buscando nuevas culturas, y especialmente inspirada por la artesanía, se trasladó a Méjico y abrió su propio estudio en 2015. Ese mismo año, su estantería Columpio fue expuesta en el Abierto Mexicano de Diseño, la primera pieza de una colección auto-producida fabricada localmente. Su trabajo abarca desde objetos hasta espacios, con un enfoque industrial o más artesanal dependiendo del proyecto.

Estudió Artes Aplicadas (bachillerato F12, BTS Diseño Industrial en La Martinière - Lyon, DSAA Diseño de productos y mobiliario - École Boulle). Durante esa época diseñó el jardín 'Ailleurs' en Chaumont-sur-Loire y la lámpara Flac (ganadora del certamen de Habitat) junto con C. Gardet. Desde 1999 ha trabajado como diseñador freelance y también con el estudio De Lucchi en Milán, donde ha participado en numerosos proyectos de desarrollo de productos, muebles, iluminación, arquitectura de interiores, eventos y escenografía para Olivetti, Poltrona Frau, Artemide, Alias, Caimi, Interni, Feg, Listone Giordano... Al mismo tiempo, ha trabajado en proyectos para Nube Italia, Felicerossi y NavaDesign. En 2008 obtuvo el segundo premio en el concurso para el restaurante 'Autogrill', con M. Biffi. Desde 2005 ha llevado a cabo proyectos a largo plazo con el apoyo de VIA, gracias a lo cual ha podido diseñar la estantería Spiral, la cómoda Storage-Unit y el diván Intersection. En enero de 2009 presentó el diseño de las sillas Twin-Chairs y la base de mesa universal Tréteau. Algunos de sus proyectos han entrado en producción, como Cross-Unit (Sintesi) o Intersection, y de allí han pasado a la colección de tapicería Confluences, producida por Ligne Roset.

Jean-François Dingjian y Eloi Chafaï, alias Normal Studio, fundaron su agencia de diseño industrial en 2006. Jean-François Dingjian, graduado en la Escuela de Bellas Artes de Saint-Etienne, fue nominado para el premio de la Bourse Agora en 1996, y obtuvo el Premio a la Creación de la ciudad de París en 1999. Eloï Chafaï, quie estudió en la ENSCI de París, obtuvo el Gran Premio de la Design Parade 01, por la Villa Noailles, Hyères, en 2006. Observadores de los procesos y técnicas para la transferencia tecnológica, su trabajo diario es replantearse las formas formas a través de un diseño preciso y sencillo que intensifique la calidad para el usuario. Su interés se extiende al diseño de productos, la escenografía y, más recientemente, los equipamientos comerciales. Entre sus últimos proyectos: - La colección 'Paysages de Table', producido por Ligne Roset en 2008: un proyecto que se originó en colaboración con Craft (Centre de Recherche sur les Arts du Feu et de la Terre), Limoges. - 'Atrium', una gama de contenedores de basura urbanos, para Plastic Omnium, 2008. - La iluminación 'Diamond Boxes', diseñada para la Villa Noailles y producida por Tools Galerie, 2007. - La colección 'Contaners et Bloc', producida por Tools Galerie, 2007. - Creación de espacios comerciales para la estilista de calzado Karine Arabian, París, 2008. - Escenografía de 'RIPPP!!! paper fashion', museo Benaki, Atenas, 2007. Se presentó en el Mudam, Luxemburgo en 2008, y pasó después a Anvers en 2009. - Escenografía de 'L'homme paré', Museo de la Moda y Textil - Artes Decorativas, París, 2005. - Plan de escenografía para 'Drogland, plaisir, risques dépendances', una exposición itinerante organizada por CIDEM (Citoyenneté et Démocratie), 2005-2008.

Jean-Philippe Nuel procede de una familia de arquitectos cuya pasión ha sido el diseño y la creación contemporánea. Obtuvo una diploma en arquitectura en la escuela de Bellas Artes de París y muy pronto logró el reconocimiento, después de ganar un concurso internacional presidido por Kenzo Tange. Poco tiempo después, llevó a cabo un proyecto global de arquitectura y decoración para un hotel parisino. Después de este encargo, siguieron muchas otras tiendas y proyectos, tanto en París como en toda Francia: Le Victoire Opéra, la Villa St Germain, L'Hotel Thérèse, Le Général, Le Duo, el Regent Petite France en Estrasburgo o el Jiva Hill Park Hotel, cerca de Ginebra, y muy pronto, Le Grand Balcon en Tolosa. Desde entonces, muchas grandes cadenas de hoteles han solicitado sus servicios, entre otras, Sofitel (Budapest y París La Défense), Hilton (Evian y Malta), y CLUB MEDITERRANEE (Peisey Vallandry). Tiene otros proyectos en desarrollo, como Le Meridien (París Etoile, Bruselas y Dubái), Radisson (Nantes), Westin (Aqaba en Jordania) y también el Taj Hotel (India), Marriott (Marrakech), y dos barcos de crucero para la Compagnie des Iles du Ponant. El estudio está trabajando actualmente en Japón, Oriente Medio y, por supuesto, Europa, en proyectos de hoteles, casas privadas, spas, tiendas y restaurantes.

Numéro111 se compone de tres personalidades, Sophie Françon, Julian Jennifer y Grégory Peyrache. Amigos de la infancia, el trío de St. Etienne fueron educados por separado a saber, la Escuela Superior de Arte y Diseño de Saint-Etienne; y Escuela Nacional Superior de Arquitectura de Saint-Etienne. Tomaron pasantías separados antes de que se reunieron en 2010 y fundaron Numero 111. Ellos defienden un enfoque global basado en el diálogo, y que no se limitan a un solo nivel o una disciplina. El equipo colabora en diversos proyectos, en el dominio de los objetos, mobiliario, diseño de interiores, arquitectura y escenografía. El tema constante con su trabajo es la búsqueda de 'el Objeto Hermoso'.