Née à New York, de nationalité française. Vit et travaille à Paris. Diplômée de l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris. Création de l'agence an-ARCHI DESIGN en 1997. " Le design est l'esprit de la matière. C'est pour moi le passage d'une frontière, du dessin sur papier (un rêve) à la réalité de l'objet. Sa fonction lui donne sa forme. Cette intimité relève de l'espace architectural, de la relation entre l'objet, le meuble et la personne. C'est une échelle. Le design est ma matière à penser et à vivre ". DESIGN OBJET / Réalisation de nombreux meubles sur commande Lauréate VIA, table 'Dark Spirit', Paris Galerie La Verrière, Hermès, Bruxelles Lauréate VIA, fauteuil 'Alice', Paris Designers' Days, Forum Diffusion, Dupont de Nemours, Corian, Paris Forum Diffusion, plat 'Yunnan', édition limitée, Paris ... DESIGN ESPACE / Conception et réalisation tous corps d'état Scénographie lumière Siège de la Banque Populaire Sud Ouest, Bordeaux, architecte Jean-Michel Wilmotte Galerie Yves Gastou, Biennale des Antiquaires, Paris Groupe Pastor, Vidéo 'AZUR', pièce unique, Monaco Dalkia, Congrès HLM, soirée au Musée des Beaux Arts de Nantes Bain Company, anniversaire 20 ans, Paris Les Qu4tre Temps, mise en lumière de la façade, La Défense, Paris ... Architecture Maison, Concept 'Basses Energies', région des Beaux de Provence Appartement, Concept 'Reflets et Lumière', Paris BATIMAT 2007, Stand Gerflor, La Matière Autrement, Paris Chalet, Concept 'Béton Acier', Chamonix Galerie Marian Goodman, Art Contemporain, Paris ...

Le studio de Brad Ascalon a été fondé en 2006. Le designer multidisciplinaire est spécialisé dans les meubles pour les marchés hôteliers et résidentiels, ainsi que dans l'éclairage, l'emballage et d'autres produits de consommation. Avec une approche minimale de son métier, Ascalon croit en un design simple, rationnel et parvient à trouver l'équilibre parfait entre la forme, la fonction et le concept. Brad Ascalon est ainsi considéré comme l'une des principales voix du design américain de sa génération. Travaillant avec des clients allant des marques mondiales aux start-ups, des agences de branding à la clientèle privée, la liste des collaborateurs d'Ascalon s'étend dans le monde entier, des États-Unis à l'Asie, au Danemark, en Suède, en France, en Italie, en Turquie et au-delà. Cette liste comprend des sociétés telles que Carl Hansen & Son, Hightower, Ligne Roset, Bernhardt Design, Gunlocke, Stylex, Restoration Hardware, Design Within Reach, Skandiform, Gaia & Gino, Nude Glass, Mitab, L'Oreal, Redken, Maybelline, Umbra et beaucoup d'autres. Son travail a été exposé dans le monde entier comme les centres mondiaux du design que sont Milan, Paris, Londres, Cologne, Stockholm et New York ; à Chicago, Los Angeles, Guangzhou et Moscou, où en 2013, il a été invité pour représenter le design américain avec une installation à la Moscow Design Week. Le travail d'Ascalon a été présenté dans les meilleures publications, notamment Interior Design, Wallpaper*, New York Times, Architectural Digest, Intramuros, Whitewall, Esquire, Surface, Dwell, Objekt, Interni, Ottagono, Elle Décor, Metropolis et bien d'autres. En plus de sa pratique du design, Ascalon enseigne le design dans la célèbre université de Pennsylvanie, enseignant à la fois aux étudiants en architecture et aux étudiants IPD (Integrated Product Design), un programme qui relie les écoles d'architecture, d'ingénierie et la Wharton School of Business de l'université. Né en périphérie de Philadelphie, Brad Ascalon a été immergé dans le monde de l'art et du design dès son plus jeune âge. Son grand-père était un sculpteur et un designer industriel renommé, et son père est réputé pour ses installations artistiques à grande échelle que l'on retrouve dans les espaces publics et privés de toute l'Amérique du Nord. Ascalon attribue sa passion pour le design aux deux générations qui l'ont précédé et qui lui ont inculqué les valeurs de l'artisanat, de la matérialité et de la rigueur. Ascalon a obtenu une maîtrise en design industriel du Pratt Institute de New York en 2005, et la même année a été reconnu par le magazine Wallpaper comme l'un des "dix designers émergents les plus recherchés" au monde. Ascalon et sa femme vivent et travaillent à New York ainsi qu'à North Fork - Long Island.

L’atelier BL119 est l’association de deux designers Grégory Blain et Hervé Dixneuf. Issus de l’école des Beaux-Arts de Saint Etienne, ils travaillent sur une approche commune du design. La volonté de leur collaboration est de construire leurs projets à travers le dialogue et l’échange. Il fondent leur studio en 2007.
Une part importante de leur démarche reste la recherche de formes par le dessin et l’expérimentation. Le duo oeuvre surtout dans les domaines de l'objet, du mobilier et du luminaire. Ces objets vont vers un essentiel, une ligne sobre et épuré. Ils s'inscrivent dans un travail dont les aboutissements tendent vers une économie et une simplicité de l’objet.
Leur démarche est d’explorer et de s’approprier des processus de fabrication ainsi que des éléments formels et techniques. Ils orientent leur réflexion dans une dimension pragmatique et sculpturale pour créer des objets singuliers, utiles et surprenants. Récompensés à plusieurs reprises, ils sont finalistes de la bourse Agora en 2007. Ils remportent le concours Cinna, Révélateur de talents dans la catégorie objet de décoration pour le projet La niche en 2008. Ils sont sélectionnés au festival Design Parade à la Villa Noailles en 2009. La lampe à poser «Lanterne» est entrée dans les collections du MUDAC à Lausanne en 2018. En 2022, ils sont Lauréats du prix le FD100. Aujourd'hui, ils développent des projets pour des entreprises et des éditeurs français et étrangers, tels que Muuto, Ligne Roset, Cinna, la Cristallerie Saint-Louis, Bernard Chauveau éditeur, le CIAV de Meisenthal, Manganèse Edition... Certains de leurs projets ont été présentés au sein d’expositions et dans différentes galeries.

Lauréat de la villa Médicis hors les murs en 2003, du Grand Prix du Design de Paris en 2004, trois fois lauréat du concours Top Plastique, du concours du Musée des Arts Décoratifs. François Azambourg consacre son travail à l'alliance des techniques et de l'art propre aux arts appliqués. Il obtient son DSAA en 1987 pour une étude sur le saxophone qu'il développera dix ans durant, avec Selmer et l'IRCAM, boursier de la Fondation de France, la Fondation de la Vocation et la Direction de la Musique et de la Danse. En 1994, lauréat du concours CTBA, il invente de nouveaux matériaux et dépose un brevet sur les sandwiches souples. De 1999 à 2003, ses travaux sont exposés au VIA. En 2002, il développe des luminaires en fibre optique pour les Designer's days. Pour Lille 2004 il conçoit un micro-restaurant, traité comme un objet hors d'échelle. Edité par Hermès, Cappellini, Domeau&Peres, Ligne Roset, Domestic et Poltrona Frau, François Azambourg signe un lustre monumental pour les Galeries Lafayette de Toulouse en 2005 et travaille au Japon avec des industriels du recyclage du plastique.

Bambú Studio est un studio de design et de conseil créatif basé en Espagne, loué par le designer industriel Javier Moreno (Alcoy, 1984). Travaillant sur une large gamme de typologies de produits, du mobilier à l'électronique, le travail de Bambú Studio est soutenu par un réseau international d'éditeurs et a obtenu de nombreuses récompenses : prix ADCV, Red Dot, Good design, ...

Né en 1965 à La Havane (Cuba), René Barba est américain. Il a étudié au Miami Dade Community College de 1986 à 1988, et est diplômé de design de l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris (de 1991 à 1994). Travaillant depuis plusieurs années pour élaborer des formes épurées alliant à la fois minimalisme et confort, il a notamment réalisé : Pirelli Bedding, Italie : nouveau concept de matelas Mille feuilles. Umbra, Canada : chaise Penta, à facettes. Koizol, Allemagne : paravent et set de table Stixx en polycarbonate. Cristal de Sèvres, France : vases en cristal en trois tailles Carat. Markhbein Kibic, France : collection de soliflores en verre coloré, collections de verres et de carafes à vin. Soca, France : ligne de fauteuil, canapé, chaise, table. BBBemmebonacina, Italie : fauteuil Spin, fabriqué en PVC et tissu.

Designer de meuble, d'objets et arts de la table, scénographe et architecte d'intérieur. Il est élu créateur de l'année 2002 au Salon du Meuble de Paris. En 2000, le Musée des Arts décoratifs organise une exposition personnelle autour de son travail. Depuis 1999, il collabore avec l'agence et la galerie Kreo pour lesquelles il réalise régulièrement de nouvelles collections. De 1984 à 1998, il collabore avec la galerie Neotu où il présente régulièrement de nouvelles collections. En 1985, il réalise un projet pour le petit café de la fondation Cartier à Jouy-en-Josas dont il aménage les bureaux en 1987. Cette même année, il est invité à participer à la Documenta de Kassel. Suivent divers aménagements : vitrines et mobilier d'accueil du Centre d'Art de Vassivière en Limousin, accueil du Musée d'Art et d'Industrie de Saint-Etienne, étude de liaisons inter-quartiers " Du jeu de mail à la basse ville " pour la ville de Dunkerque, mobilier d'exposition et café de la galerie du jeu de Paume, mobilier, passerelle et folie pour le parc du château d'Azay-le-Rideau' Ses meubles et objets sont actuellement édités par les sociétés : Kreo, Cinna, Ligne Roset, Ercuis et Haviland.

Né en 1991. Guillaume Bloget est un designer indépendant basé à Paris. Il a travaillé pour les architectes Jacques Ferrier et Dominique Perrault. En 2018 il fonde son propre studio de design industriel. Son travail vise à établir des relations économes entre la matière, la technique et les usages. Il cherche une fluidité dans la convergence des gestes pour aboutir à la forme. Depuis 2016, il explore l’histoire et la fabrication des objets usuels avec le collectif Typologie. En 2019, ils exposent leurs recherches au Vitra Design Museum : "Typologie : An Ongoing Study of Everyday Items".

Tous les deux nés en 1978. L’atelier de design Böttcher & Kayser est fondé à Berlin en 2007. L’agence est spécialiste de la conception de produits de grande consommation, mobilier et luminaires, et de l’aménagement intérieur. Ses co-fondateurs Moritz Böttcher et Nikolaus Kayser se sont rencontrés à l’école maternelle et ont suivi leur scolarité ensemble. Leurs trajectoires de formation ont ensuite divergé, tous les deux ayant acquis leur expérience professionnelle dans divers pays, villes et agences de design, avant de se réunir pour réaliser leur rêve de travailler ensemble. Aujourd’hui ils gèrent leur propre studio, travaillant pour des clients tels qu’ANTA, Böwer, freistil by Rolf Benz, Johanson, Gejst, Mater, Normann Copenhagen, Prostoria, RIG-TIG, Schönbuch, Stelton, Vertigo Bird, WON et Zero. Moritz Böttcher et Nikolaus Kayser ont reçus de nombreux prix de design tels que l’Interior Innovation Award et quelques iF et Red Dot Design Awards, y compris le prestigieux Red Dot‚ Best of the Best’. Leurs projets ont figuré dans de nombreux livres et magazines à travers le monde.

Rémi Bouhaniche est diplômé à l'Ecole Supérieur Art & Design de Saint Etienne (ESADSE). C'est un élève d'Eric Jourdan et de François Bauchet, qui l'ont beaucoup influencé. Il travaille avec l'Institut Bocuse. Il est parti en Inde pendant un an pour collaborer avec MAGPIE sur des produits en Inox et des espaces magasins et a travaillé sur des meubles de présentation pour Seiko France. En 2010, il reçoit le 1er prix du D3 Contest de l'IMM Cologne avec sa lampe « Etirement », c'est à cette occasion qu'il est repéré par Michel Roset. 2012 : Label VIA pour une table. 2014 : prix national de la construction Bois. 2015 : il lance avec Cinna son premier fauteuil, le TOA. Avec l'aide de ses professeurs, il acquiert des techniques et recherche l'excellence dans la recherche du Bel Objet. Remi exprime une personnalité positive. C'est un travailleur qui rêve aussi de vivre dans une cabane isolée en complète harmonie avec la nature.

Erwan Bouroullec est un designer français, né à Quimper en 1976. En 1998, il est diplômé de l'École nationale supérieure d'arts de Paris-Cergy. Son studio est actuellement situé à Paris, et il dispose aussi d’un autre espace à la campagne en Bourgogne, en France. Après avoir travaillé plusieurs décennies côte à côte, formant un duo de créateurs influents dans le monde du design, Ronan et Erwan Bouroullec développent des projets de manière indépendante aujourd’hui. Ensemble, ils ont conçu de nombreuses créations dans différents domaines alliant artisanat traditionnel et production industrielle, incluant des installations pérennes dans l’espace public. Les principaux éditeurs avec lesquels ils ont collaboré sont Flos, Hay, Kvadrat, Samsung, Roset, Vitra, etc. Leurs œuvres sont fréquemment présentées dans des expositions et des musées prestigieux à travers le monde, notamment au MOCA (Los Angeles, 2004), au Victoria & Albert Museum (Londres, 2011), au Musée des Arts décoratifs (Paris, 2013), etc. Leurs créations font également partie de nombreuses collections publiques et privées de renom, témoignant de leur impact durable sur le design contemporain, dont the MoMA à New York, le Centre Pompidou, the Art Institute of Chicago, etc. Ronan et Erwan Bouroullec ont reçu de nombreuses récompenses telles que the London Design Medal (2014), le Compasso d’Oro (2022), etc. Erwan Bouroullec est représenté par la galerie kréo pour ses dessins originaux et par the WrongShop pour ses éditions limitées et non-limités.

Ronan et Erwan Bouroullec sont nés à Quimper, respectivement en 1971 et 1976. À la sortie de l'Ecole Nationale des Arts Décoratifs, Ronan a commencé par travailler seul, progressivement assisté par Erwan alors étudiant à l'Ecole des Beaux-Arts de Cergy. Ils signent leurs projets à deux depuis 1999. Leur collaboration est un dialogue permanent, nourri de leurs singularités, et mû par une exigence commune. Giulio Cappellini les remarque en 1997, à l'occasion de la présentation de la " cuisine désintégrée " au Salon du Meuble de Paris. De cette rencontre naît une collaboration ininterrompue, concrétisée par de nombreux projets dès 1999. En 2000, Issey Miyake fait appel à eux pour dessiner un espace destiné à sa nouvelle collection de vêtements A-Poc à Paris. La même année, la rencontre avec Rolf Fehlbaum, Président de Vitra, mène à la production, en 2002, d'un nouveau système de bureaux appelé " Joyn ", qui marque le début de leur collaboration. Ronan et Erwan Bouroullec travaillent aujourd'hui régulièrement pour de nombreuses maisons d'édition comme Vitra, Cappellini, Issey Miyake, Magis, Ligne Roset, Habitat et Kréo. Parallèlement, ils réalisent des projets d'architecture comme " la Maison flottante ", atelier d'artiste destiné au Centre d'Art de Chatou. Élus créateurs de l'année au Salon du Meuble en 2002, ils ont reçu, entre autres, le New Designer Award de l'International Contemporary Furniture Fair de New York en 1999, le Grand Prix du Design de la Ville de Paris en 1998 et le premier prix de la Biennale du Design de Saint-Etienne en 1998. Ils ont été élus designers de l'année par Elle Décoration Japon en 2003. Leurs objets ont été présentés à l'occasion de plusieurs expositions collectives ou personnelles comme " Ronan and Erwan Bouroullec " au Design Museum of London en 2002. En juin 2004, une exposition personnelle leur a été consacrée au Museum of Contemporary Art de Los Angeles. Ronan et Erwan Bouroullec ont par ailleurs fait l'objet de deux publications monographiques : " Ronan et Erwan Bouroullec - Catalogue de raison " Editions Images Modernes/ Kréo, 2002 et " Ronan et Erwan Bouroullec ", Edition Phaidon, 2003. Ils interviennent ponctuellement dans plusieurs écoles d'art ou de design. Ronan Bouroullec enseigne à l'Ecole Cantonale d'Art de Lausanne en Suisse.

Né en 1974 à Haifa, Israël. Diplômé de la Bezalel Academy of Arts & Design, Jérusalem - département de design industriel. Ayant terminé ses études en 2002, il a ensuite collaboré avec un grand nombre de sociétés internationales pour un large éventail de projets. Dans son studio, il crée aussi bien des produits ménagers réalisés par injection plastique que des appareils électriques, en passant par le mobilier haut de gamme et les luminaires. Depuis 2006, ses modèles ont été plusieurs fois sélectionnés par le VIA. Ses modèles ont gagné l'approbation de sociétés telles que VIA, Environment, Jofebar & Metalarte.

Manuela Busetti et Andrea Garuti se sont connus pendant leurs études en design industriel à l'Istituto Europeo di Design à Milan. Faisant déjà face aux problèmes de conception pendant leurs études, ils ont été proposés en 2004 - l'année même du XX Compasso d'Oro ADI - pour le « Progetto Giovane » pour leur projet de maîtrise « Double », un sac réfrigérant novateur en néoprène. Ils collaborent depuis 2004 avec diverses agences de design de produits et de conception avancée à Milan et, en même temps, travaillent ensemble en tant que créateurs indépendants pour des compétitions internationales et des fabricants d'arts de la table, d'appareils et équipements sanitaires, de mobilier… En 2007 ils ont reçu le 1er prix du concours international « Playing Design » de la ville de Lissone, en partenariat avec la Triennale de Milan, pour leur projet « Culla Belly ». En 2008, ils ont été tous les deux sélectionnés pour le projet expérimental « Prime Cup 01 », un projet promu par la région de Lombardie et la Triennale de Milan afin d'améliorer le niveau d'innovation de certaines PME de la région de Lombardie. Leurs projets sont exposés dans le cadre d'une exposition ouverte au grand public dans le Théâtre de l'Agora à la Triennale de Milan. Matteo Redaelli est diplômé en design industriel de l'Istituto Europeo di Design à Milan depuis 2007. Durant cette même année les parcours des trois jeunes designers - Busetti, Garuti, Redaelli - se sont croisés dans le cadre d'une collaboration commune avec une agence de design à Milan. En 2008, ils commencent à travailler ensemble sur de nouveaux projets, chacun appliquant ses propres compétences et sensibilités. De nouvelles collaborations ont suivi avec des fabricants agissant dans différents domaines : robinets de cuisine et de salle de bains, arts de la table, ustensiles de cuisine, fours et plans de cuisson, mobilier indoor et outdoor… En 2010, ils ont reçu le 1er prix du concours de design Cristalplant promu par Zanotta et Cristalplant pour leur projet d'une table basse dotée d'un design novateur, « Naica ». En 2012, ils l'ont gagné à nouveau avec « Verve », un projet de table polyvalente pour Poliform. En 2014, le jury du concours « Young & Design 2014 » a sélectionné leur chaise tapissée « Log », conçue pour Pedrali.

Né en 1986. Gonçalo Campos est un designer produit portugais. Il a obtenu son diplôme à Lisbonne en 2008. Juste après ses études il a été sélectionné pour une résidence à la Fabrica, le centre de recherche et de communication du groupe Benetton situé à Trévise, Italie. Après cette première expérience internationale,Gonçalo à travaillé à Paris, Londres et Berlin. En voyageant il a pu absorber des cultures, méthodes et démarches créatives en collaborant avec des marques telles que Kvadrat, Ligne Roset ou bien Wewood. Gonçalo a signé des produits et des pièces uniques et a agit en tant que consultant pour ces marques,entre autres.

Né en 1962. Plasticien de formation, Pierre Charpin consacre l'essentiel de son activité au design de mobilier et d'objet depuis le début des années 1990. Depuis, son travail s'articule aussi bien autour de projets expérimentaux qu'il développe, entre autres, avec le C I R V A (1998/2001) et le C R A F T (2003/2005), et des projets d'éditions pour divers producteurs de renommée internationale tels que: Alessi, Venini, Post Design, Montina, Zanotta, Ligne Roset, la Manufacture Nationale de Sèvres... Son travail de recherche qu'il mène de façon continue se concrétise au travers de sa collaboration avec la Galerie Kréo à Paris, avec laquelle il travaille en exclusivité mondiale depuis 2005, pour l'édition de pièces en série limitée. En 2004 il est lauréat du concours pour la carafe " Eau de Paris ", produite en verre moulé a 60 000 exemplaires. Il est élu créateur de l'année 2005 par le salon du meuble de Paris. Plusieurs de ses pièces font partie des collections du Fond National d'Art Contemporain, du Centre Georges Pompidou et du Musée des Arts Décoratifs de Paris.

CP — RV est un projet collaboratif de design mené entre Londres et Marseille. Formé par des designers de différents horizons, le studio conçoit des produits, du mobilier, des espaces intérieurs et des objets du quotidien. L’atelier, co-fondé par les designers Camille Paillard et Romain Voulet, travaille à partir d'une compréhension intuitive de la vie contemporaine, aboutissant à une production patiente qui se veut pertinente au contexte de notre quotidien et aspire à créer du plaisir par simple utilité de ses créations. Camille Paillard (1988), a exercé en tant que designer au studio JLK DS et Tom Dixon, où elle a créé du mobilier sur mesure ainsi que travaillé sur des hôtels, des restaurants et des intérieurs privés; pour des clients tels que Tom Dixon, Philippe Malouin, a:tifakt, Hennessy et Pierre Marcolini. Auparavant, son expérience en tant que designer comprend des postes chez Front Design, Philippe Starck et Blackbody Oled. Elle a étudié le design pour le luxe et l'artisanat à l'ECAL en Suisse, où elle a obtenu son diplôme en 2012. Romain Voulet (1989), ancien designer chez Industrial Facility, sous la direction de Sam Hecht et Kim Colin, où il a dessiné du mobilier domestique, des systèmes de bureaux et des objets à vivre; pour des pionniers de l'industrie tels que Herman Miller, Muji et Mattiazzi. Il a précédemment exercé chez Youmeus Design où il a conçu des objets du quotidien pour des clients tels que Panasonic, Joseph Joseph, Nokia et Kenwood. Il a étudié le design industriel à l'EID dans le sud de la France, où il a obtenu son diplôme en 2011.

Forts de leurs expériences à New York, Londres et Milan, Maryna Dague (1992) et Nathan Baraness (1994) sont deux designers Français qui ont fondé leurs studios respectifs à Paris. En collaboration ou indépendamment, les formes de leurs projets se nourrissent d’influences hétéroclites et cosmopolites glanées lors de leurs voyages ou dans les films qu’ils affectionnent. Tous deux passionnés d’antiquités, ils aiment tirer leur inspiration des objets anciens ou oubliés et de leurs trouvailles chinées. Leurs dessins aux lignes archétypales laissent une place manifeste aux matériaux et se veulent témoins de savoirs faire.

Né en 1956. Architecte D.P.L.G. Il fonde la société Tebong avec P. Bauer (1986-1995). Il est l'auteur de scénographies pour le VIA (1997), La Villette (2000), le T.N.B (Théâtre National de Bretagne) et de nombreuses scénographies lumineuses. Il collabore comme designer avec Ligne Roset et Cinna depuis 1997, ainsi qu'avec plusieurs fabricants français et italiens.

Daniel Debiasi (1981), diplômé en Design industriel de Polytechnique Milan et Federico Sandri (1977), diplômé en Design industriel de l'Université IUAV de Venise, se sont rencontré à Milan, où ils ont tous deux dirigé des projets pour plusieurs sociétés internationales de design. En 2010, après avoir continué leurs propres parcours professionnels, tant en Italie qu'à l'étranger, ils ont décidé de fonder le collectif « Something » basé à Londres (Royaume-Uni) et Vérone (Italie). Intéressés par l'intégration des produits dans leur environnement, ils conçoivent des objets à influences spatiales, culturelles, comportementales et émotionnelles, qui visent à repousser les limites du design en travaillant dans ces disciplines. Daniel Debiasi et Federico Sandri collaborent avec des entreprises internationales renommées telles que Antoniolupi (IT), Cinna (FR) ou Schoenbuch (DE). Leur travail a été présenté dans de nombreux magazines de design et d'architecture.

Après une formation initiale en menuiserie-charpenterie, Jan Christian Delfs a étudié le design industriel au Muthesius Kunsthochschule Kiel. Depuis 2005, il signe des produits pour des sociétés internationales. En outre, il enseigne dans les écoles de design à Kiel et Bremen. Son travail a été récompensé par de nombreux prix prestigieux de design tels que l'IF, le Red Dot et le Good Design Award.

Né en 1979, Guillaume Delvigne fait ses études à l’Ecole de Design Nantes Atlantique et au Politecnico di Milano. Diplômé en 2002, il débute auprès de grands designers comme George J. Sowden ou Marc Newson, entre Milan et Paris, avant de se lancer en solo. En 2011, il inaugure sa première exposition personnelle à la ToolsGalerie et remporte le Grand Prix de la Création de la Ville de Paris. Il travaille avec des industriels, des éditeurs et des artisans, principalement dans les domaines du mobilier, de l'objet et du luminaire. Ses clients sont de grandes maisons françaises comme Hermès, Habitat ou Tefal, des compagnies étrangères comme Fabbian, Hanoia ou Frandsen, ainsi que de jeunes éditeurs tels La Chance, Hartô, ou ENOstudio.

Ebéniste et Compagnon du Tour de France, Thibault Desombre, passionné par le meuble et la création, s'inscrit à l'Ecole Nationale des Arts Décoratifs à Paris en 1981. Dès sa sortie de l'ENSAD, il signe ses premières éditions chez P. Parent (1983), puis chez Grange (1986) pour qui il conçoit la collection Shaker's, son premier grand succès sur le marché. Il poursuit son ascension avec des créations de plus en plus contemporaines dans des secteurs aussi diversifiés que le mobilier de bureau (Macé, Addform), de collectivité (Soca Line), d'habitat (Ligne Roset, Cinna, Atlantis), 'pour lesquels il recevra de nombreux prix. Enseignant, designer conseil pendant 2 ans à La Redoute, Thibault Desombre est un designer au parcours limpide, loin des modes. Il crée du mobilier aux lignes épurées qu'il souhaite charger d'émotion et d'affectif. Sa collaboration avec Ligne Roset et Cinna lui vaut de nombreux succès tels que la chaise Finn, les canapés Mondo et Soho.

Le Studio Désormeaux/Carrette est un studio de design créé par Nathanaël Désormeaux et Damien Carrette en janvier 2014. Studio de design industriel, sa vocation est de créer des objets reproductibles en série. Le studio accompagne aujourd’hui des clients allant de la startup aux grandes marques des secteurs de l’ameublement et de l’objet de grande consommation. La passion des matériaux et une sensibilité pour la narration de l’objet sont les fondements de notre démarche créative. La déconstruction est au centre de notre méthodologie de conception. C’est en décomposant et en repensant de manière holistique l’objet que nous en dégageons le cœur technique. Notre travail consiste alors à sublimer la technicité pour ne pas seulement l’intégrer mais la transcender afin qu’elle devienne cœur esthétique de l’objet. A travers ce prisme, notre studio cherche à questionner les modes de production actuels et à distiller une poésie de l’objet industriel. CV : Nathanaël Désormeaux : 30 ans (1988) 2013 (Actuellement) Paris Désormeaux/Carrette studio: Fondateur du studio Design industriel, Mobilier, Architecture d’interieur Création du studio. Développement de produits, recherches concepts, sketchs, 3D, réalisations maquettes et prototypes. L’Oréal Paris, Cinna, Roche Bobois, Lancôme, YPLFAL, Brandt, De Dietrich, Technicolor, Canal+ 2015 (Actuellement) Paris Ecole de Condé: Professeur en design industriel Méthodologie du design, Culture visuelle, Etudes de cas, Partenariats Nike, Coca-Cola, Mairie de Paris, Théatre de l’europe, ecole 42 2012-2013 (2 ans) Londres Benjamin Hubert LTD: Designer, Studio manager. Mobilier, Espaces, Scénographie Développement des produits, sketchs, 3D de recherches et maquettes. Recherches matériaux, couleurs, textures. Réalisations 3D industrialisables. Design developpement (suivi de fabrication: RU, Italie, France, Portugal), Gestion d’équipe (5 personnes,) 2010 (10 mois) Hong-Kong Michael Young LTD: Junior Designer. Mobilier, Design industriel, Scénographie Casque audio ( Itech, Eops), Bagagerie & accessoires (XigXag), mobilier (Emeco, Trussardi), Stand (Chivas) CV : Damien Carrette : 30 ans (1988) 2013 (Actuellement) Paris Désormeaux/Carrette studio: Fondateur du studio Design industriel, Mobilier, Architecture d’interieur Création du studio. Développement de produits, recherches concepts, sketchs, 3D, réalisations maquettes et prototypes. L’Oréal Paris, Cinna, Roche Bobois, Lancôme, YPLFAL, Brandt, De Dietrich, Technicolor, Canal+ Mai 2012 à décembre 2013 Assistant Designer chez Doshi Levien/ Londres Mobilier, Espaces, Scénographie Développement des produits, sketchs, 3D de recherches et maquettes. Recherches matériaux, couleurs, textures. Réalisations 3D industrialisables et rendus finaux. 2010 (10 mois) Stagiaire designer chez Plastique Omnium environnement/ Sainte Julie Conteneurs et mobilier de collectivité Travail en collaboration avec les ingénieurs de la R&D. Recherche matériaux, couleurs et textures. Recherches formelles et développement 3D de produits.

L’agence DESJEUX DELAYE est une agence d’architecture d’intérieur et de design créée par le duo Dorothée Delaye et Daphné Desjeux. Ce duo invente des décors presque masculins, aux lignes franches. Elles aiment le mélange des genres et des époques pour ne pas figer les espaces. L’héritage des lieux les inspire pour façonner une atmosphère avec une même idée : créer un décor unique et fuir la facilité, ne pas se limiter … Revendiquer un infini détail, un objet monumental, la mesure et la démesure. Leur première vie dans les médias leur a appris à penser les espaces comme des scènes. Créatifs, artisans, graphistes et architectes cohabitent et travaillent avec une même exigence : ne pas sacrifier ses idées au profit des tendances. Desjeux Delaye ne perd jamais de vue son ambition, revisiter l’esprit chic et décontracté, sous toutes ses formes. Leur agence est spécialisée dans l’hôtellerie et travaille début 2018 sur différents projets : un hôtel à Formentera ainsi que deux hôtels à Paris, 2 appartements d’exception à Paris et multiplie les projets d’édition : collection de luminaires sous leur nom Desjeux Delaye lighting vendus au Bon Marché et édités par MR Agency, ainsi que du mobilier pour l’éditeur Versant.

Nathalie Dewez vit et travaille à Bruxelles. Sortie en 2001 de l'école des Arts Visuels de La Cambre, son travail se concentre principalement sur la création de luminaires. Mélangeant poésie et rigueur, ses modèles de lustres, appliques et lampadaires sont légers et aériens utilisant au maximum le potentiel de la matière. Créant des lampes telles que la Sol-air (une lampe halogène perchée sur un tube en fibre de carbone et se balançant comme une haute herbe), la Lamp06 (un travail sur la structure d'un abat-jour classique) ou encore la suspension Prism (un cadre tridimensionnel pour la lumière), elle signe une ligne cohérente portant un caractère essentiel. Sa présence à de nombreux salons ou expositions en France, Belgique, Italie, Royaume-Uni ou ailleurs lui a permis d'installer diverses collaborations aussi bien avec des bureaux d'architecture que pour des firmes de meubles ou des projets privés.

Emmanuel Dietrich est né en 1969 à Besançon. Diplômé de l'Ecole Boulle en architecture d'intérieur, il crée rapidement sa propre structure. Après avoir travaillé pour Facom et pour Ardi, il réalise la fameuse montre "Harnais" pour Hermès. Depuis, Emmanuel Dietrich voyage vers d'autres univers : Häagen Dazs, Dinh Van, Artelano, Mobilier International, Haworth, etc , et prochainement pour Daum, Baccarat, Ruinart, Calvin Klein, Louis Vuitton...

Claudio Dondoli et Marco Pocci se sont connus à la Faculté d'Architecture de Florence. En 1983, après avoir partagé leurs études mais également une intense expérience artistique théâtrale, ils fondent à Colle Val D'Elsa, sur fond d'un romantique paysage toscan aux environs de Sienne, le Studio baptisé Archirivolto, qui depuis 1989 s'occupe exclusivement de design industriel. Ils retiennent que la vraie innovation d'aujourd'hui est fondée sur l'utilisation de la technologie et des matériaux. La technologie ne sert pas à créer une image, mais à donner un service au client : un bon produit de design, pour être d'une réelle qualité, doit être beau, efficace et confortable. Outre Ligne Roset et Cinna, ils collaborent aussi avec Bonaldo, Desalto, Fasem.

Exigence, élégance, pérennité sont les mots clés qui expriment le parcours de Marie Christine Dorner. Une carrière placée sous le signe des rencontres à Paris, Londres et Tokyo. Des capitales à vivre dont elle a extrait l'essence de son trait, appliqué à des réalisations en design de mobilier et objets, en architecture intérieure, en scénographie et espaces publics. Le design aujourd'hui se pense, pour Marie Christine, comme un art global où la matière est première et l'être central. Chaque projet est l'occasion de raconter une histoire qui fait sens avec la marque, les matériaux, la forme, qu'elle traduit avec une élégance rare et une conscience aigüe de son environnement. La singularité du travail de Marie Christine Dorner s'inscrit dans l'exigence de la recherche des matières, l'évidence du discours et la sophistication de la réalisation. L'objet devient bijou, qu'il soit en or ou en bambou. De nombreuses marques ont bénéficié de son savoir-faire: Ligne Roset, Baccarat, Bernardaud, Saint-Louis, Idée, Montis, Zeus, en terme d'objets et mobilier - les résidences d'ambassadeurs de France à l'étranger, la Tribune Présidentielle du 14 juillet (créée en 1990 et remontée déjà 23 fois). A travers la commande institutionnelle ou privée, sa recherche personnelle comme la série emblématique « Une Forme, One Shape », de la tradition des matériaux aux nouvelles technologies, Marie Christine Dorner exprime un langage unique où savoir-faire et économie de la forme deviennent luxe remarquable. Grand Prix du design de la Ville de Paris en 1995, elle a été décorée du titre de Chevalier de l'ordre des Arts et Lettres en 2012.

En 1997, Julia Dozsa et Jan van Dalfsen fondent Dozsa & van Dalfsen, un studio de design et d'architecture, basé à Amsterdam. Julia Dozsa a étudié l'architecture pendant 2 ans avant de fréquenter l'Académie Gerrit Rietveld et d'obtenir un diplôme en design industriel. Après avoir obtenu son diplôme à l'Université d'Amsterdam en mathématiques, spécialisation topologie, Jan van Dalfsen a commencé à étudier l'architecture et les techniques de construction à l'École Polytechnique d'Amsterdam tout en travaillant pour un entrepreneur en bâtiment. Ils travaillent ensemble mais aussi séparément pour des entreprises et des particuliers sur des projets de mobilier, produit, architecture et design d’intérieur. Parmi leurs clients figurent Calligaris, Colé Italia, Deknudt Mirrors, Driade, Estinée, Fiam Italia, Glas Italia, Ikea, TAFT Shoes, Tonelli Design. La variété de leurs parcours et la synergie qu'elle peut générer déterminent leurs créations. Aussi la coopération avec d'autres, en particulier avec des artisans qualifiés, est une importante source d'inspiration. Ils créent leurs designs, influencés par des images d'art, de nature, d'architecture et de design, souvent absorbés inconsciemment, respectant le contexte d'un projet et en laissant libre cours à l'intuition tout en essayant de surprendre.

Martin Drechsel. Né en 1980. A grandi en RDA (République Démocratique Allemande) socialiste, ensuite réunifiée formant l’Allemagne. A vécu et travaillé à Londres, Berlin, Milan, Florence, Dresden & Amsterdam. Aujourd’hui à Zurich. Citoyen allemande et Suisse. Il est connu pour ses travaux dans le domaine du branding et de la conception d'identité, de nombreuses marques, organisations et entreprises faisant appel à lui pour ses idées créatives et son langage visuel unique. Il est actif dans la communauté de design depuis 2006 et a travaillé sur des projets pour des clients tels qu'Apple, Amazon, BMW, Google et Microsoft. Il a également collaboré avec certains des plus renommés de l'industrie créative, y compris Peter Saville, Shepard Fairey et Olly Moss. Sa philosophie en tant que designer est de créer des solutions attrayantes et authentiques qui inspirent les gens à s'engager dans l'histoire et la mission d'une marque. Sa passion pour l'art et la technologie lui permet de créer des projets marquants et intemporels.

Blandine Dubos, après un passage à l'école d'architecture de Bordeaux et un diplôme d'études fondamentales en architecture (DEFA), a été diplômée de l'école Camondo, avec félicitations en juin 2003 (certificat d'études supérieures en architecture intérieure et produits d'environnement). Cette jeune basquaise a participé à la réalisation de costumes pour des courts-métrages, des clips, des pièces de théâtre et travaillé sur un projet d'aménagement intérieur pour la boutique de vêtements "Jeanine et Marcelle" à Bayonne. En juin 2002, elle obtient une mention spéciale "Insolite" au concours « Penser/classer... » organisé par l'Agence pour la Promotion de la Création Industrielle (APCI) pour Avery Dennison. Depuis l'édition de « Louis 5D », fantôme de lustre, son projet de fin d'études à Camondo, résultat d'un travail sur la mémoire collective, elle continue aujourd'hui en tant que designer à concevoir des objets qui évoquent des souvenirs, parlent à tout le monde. Elle a réalisé un mur d'ombres, le « Shadowall » dans le magasin TAD à Milan. Le « Shadowall » est une sorte de papier peint virtuel, un décor floral et végétal qui vit grâce à la lumière, sublimé par son ombre. De sa collaboration avec Richard Fard, naît « Joséphine 5D », qui est une ombre portée au plafond, un spectre de moulure ancienne. À travers elle, le passé réapparaît' La moulure n'est plus de plâtre mais d'ombre'À l'origine conçue pour mettre en valeur les lustres bourgeois, la moulure devient lumière et illusion d'optique.

Créateur d'environnement et créateur d'objets, Noé Duchaufour-Lawrance est né à Mende (France) en 1974. Élevé dans un milieu créatif, il définit son propre langage à l'aide de formes naturelles, souples, organiques, fluides et structurées à la fois. Formé à la Sculpture sur Métal (ENSAAMA), il intègre ensuite la section Mobilier des Arts Décoratifs. Noé s'intéresse à des projets insolites : c'est le cas du restaurant Sketch, à Londres, qui propulse sa carrière dès 2002 et lui offre son premier le prix, celui du Best Design décerné par Time Out. Il livre par la suite d’importants chantiers d’architecture intérieur dont le chalet “La Transhumance”, le Business Lounge Air France, ainsi que le restaurant “Ciel de Paris”. Il signe entre autres le nouveau concept d’architecture des boutiques Montblanc, appelé à être appliqué dans le monde entier et participe à la réhabiliation du bâtiment #cloud. paris en concevant le lounge. Noé Duchaufour-Lawrance travaille sur des projets qui varient de la plus petite à la plus grande échelle. Il développe sa première ligne de mobilier pour Ceccotti, et poursuit sa collaboration avec d’autres éditeurs italiens Zanotta, Tacchini. Il rejoint ensuite l’éditeur américain Bernhard Design pour lequel il dessine une collection variée d’assises et tables d’appoint. Les maisons de luxe le courtisent. Hermès enrichit son catalogue du canapé Sellier. Saint Louis décline une collection de meubles, luminaires et arts de la table, la prestigieuse collection Folia. Son nom est associé au succès du parfum One Million pour lequel il créé le flacon. Sa démarche singulière le porte naturellement vers la conception d’objets d’exception présentés et exposés dans des galeries ou des événements de haute facture. Avec la galerie Made in Situ, ouverte en 2020 à Lisbonne où il est installé, il concrétise cette appétance pour la matière et le travail de la main. Voici comme il définit lui-même son travail : " L'objet se doit bien sûr de répondre à un besoin et ne pas en créer d'autres. Au delà de cette nécessité absolue, il doit être vecteur de sens et d'émotions. C'est sous cet angle que j'approche le dessin d'un objet, au travers d'un langage et non d'un style, que je développe au fur et à mesure de mon expérience. Un langage en mouvement permanent exprimé par la forme et la matière et inspiré par mon environnement, naturel, réel ou idéalisé et mes émotions vécues ou rêvées. Car je crois sincèrement aux liens affectifs qui se tissent entre les hommes, l'espace et les objets. Les objets et les espaces que je crée en symbiose tendent vers la même direction, aidés parfois par un zeste de provocation, mais évitent en permanence de tomber dans les avatars de la gratuité et de la séduction ".

Issu d'une famille d'industriels créateurs de mobilier contemporain. Formé à l'Ecole Nationale des Beaux Arts de Lyon. Attaché très tôt à la société Roset alors en rapide développement, il est en contact permanent avec un marketing perspicace et une équipe technique performante. Il a en charge les recherches et les propositions indispensables à la présence toujours plus affirmée de la marque. Il conçoit une ligne de mobilier jeune (chambre DN') ainsi que de nombreux modèles de sièges, canapés et meubles pour équipements collectifs (chauffeuse 459'). Dès l'apparition dans les années 60/70 de nouveaux matériaux : mousses, ouates, plastiques thermoformés, il crée de nombreux sièges de grande diffusion : Adria, Koufra, Kashima, Safi, Kali' 'et le modèleTogo, siège-coussin toujours bien présent au catalogue Ligne Roset.

Né en 1946 à Versailles. Après un parcours scolaire classique, très rapidement, de nombreux voyages à travers le monde m'ouvrent l'esprit. Des expériences professionnelles courtes et variées, puis une dizaine d'années comme acheteur au sein d'une société spécialisée dans « l'artisanat du monde entier ». En 1989, je créais ma société Wood&Cane Company dont le concept « Création / Importation » perdurera activement jusqu'en 2011. Aujourd'hui, 2016, en retraite active, pour quelques « gentils clients », je "sévis" toujours dans la création et le développement produits.

Né en 1968. Tim Brauns et ses deux partenaires ont co-fondé le cabinet de design e27 à Berlin il y a 25 ans. Depuis lors il a créé des objets, enseigné partout dans le monde et a réalisé des projets dans tous les domaines de la création. L'idée du mini-camion Softruck lui est venue après la naissance de son fils. « J'avais acheté un nouveau canapé et j'avais besoin de petites tables. Mon fils aime tout ce qui a quatre roues, donc j'ai simplement mélangé ces éléments. Et le résultat : Softruck. Très utile dans le salon, il n'a pas l'air d'un jouet, mais mon fils aime bien jouer avec lui. »

Colombe Faber, née en 1998 est une architecte d’intérieur et designer française diplômée en 2022. Colombe commence son parcours à l’Académie Charpentier où elle découvrira le dessin et poursuivra son parcours au sein de l’école Camondo à Paris. En 2019, elle part vivre à Buenos Aires dans le cadre d’un échange universitaire. Elle découvre alors, depuis l’Argentine, une partie de l’Amérique du Sud, continent qui l’inspirera beaucoup et qui lui offrira une première liberté créative loin des codes européens. Au cours de son Master, en 2021, elle est invitée à l’exposition universelle de Dubaï, dans le cadre de l’exposition "Art de Vivre à la Française" au sein du Pavillon français. Elle y crée une vitrine dans laquelle trois marques sont mises en lumière : Bernardaud, Christofle et Baccarat. Décidément épanouie quand elle voyage et désireuse de poursuivre ses explorations à la croisée des géographies et des savoir-faire, elle part, tout juste diplômée, pour l’Indonésie. Elle y vit huit mois de nouvelles découvertes, de mixités culturelles et de pratiques plus artisanales, au cœur des biodiversités de l’archipel. Au même moment, la marque Flos lui offre une carte blanche pour la réalisation d’un luminaire : inspiré par la nature de l’île éponyme, "Lombok" est présentée à l’occasion de la Design Week dans les espaces Intramuros. Colombe, rentrée à Paris, conjugue sa pratique de designer free-lance en agence d'architecture et la suite de ses projets de collaboration privilégiant des valeurs de responsabilité éco-responsable, elle signe la lampe "360" réalisée à partir de matériaux de récupération avec Ligne Roset.

Atelier Ferraro est un studio d'architecture et de design basé à Munich, spécialisé dans la création de solutions architecturales et d'objets design pour un mode de vie moderne. Le studio a été fondé par Emanuele Ferraro, un architecte ayant étudié en Italie et en Grèce avant de s'installer en Allemagne. En Allemagne, Atelier Ferraro a collaboré avec plusieurs agences d'architecture renommées, contribuant à la conception de bâtiments d'envergure et d'aménagements intérieurs. Cette expérience a renforcé sa passion pour le design de mobilier et d’objets. Atelier Ferraro travaille en étroite collaboration avec des galeries et des entreprises internationales, développant des concepts innovants dans diverses disciplines du design. Le travail de Ferraro a été largement reconnu. En 2022, son fauteuil lounge MAX 1.5° a reçu une mention spéciale au SaloneSatellite Award et a été sélectionné pour les Dezeen Awards. En 2023, Architectural Digest l’a désigné comme l’un des talents émergents du design italien. En 2024, Atelier Ferraro a été sélectionné parmi les 100 designers présentés dans Italy : A New Collective Landscape, une exposition itinérante produite par l'ADI Design Museum mettant à l'honneur des créateurs qui relèvent les défis du monde contemporain. En 2025, Atelier Ferraro a reçu le prestigieux German Design Award pour sa lampe FROM THE MOON.

Ramy Fischler est un designer contemporain belge, qui vit et travaille à Paris. Il est diplômé de l’École nationale supérieure de création industrielle en 2004. De 2001 à 2010, il collabore avec Patrick Jouin. Lauréat de l’Académie de France à Rome en 2010-2011, il est pensionnaire de la Villa Médicis, où il mène une recherche in situ sur l'accueil des visiteurs et des artistes au sein du lieu, s’intéressant particulièrement à l’histoire du mobilier du pouvoir. Ramy Fischler crée ensuite RF Studio à Paris. En son sein, il conçoit objets et mobilier et crée des espaces de travail, culturels, commerciaux ou résidentiels. Il est rejoint par une dizaine de collaborateurs au fil des années. Depuis 2013, des collaborations avec des personnalités aussi variées que le chef Thierry Marx, le restaurateur Oliver Peyton, le metteur en scène Cyril Teste ou encore le compositeur Jesper Nordin marquent les créations de l’agence. Depuis février 2017, il dirige également la création architecturale de la maison Chanel, fragrance & beauty, watches & fine jewelry. Il est élu créateur 2018 par le salon Maison & Objet.

Née en 1991 Constance à fait ses études à l'école Camondo en architecture d'intérieur et design. Diplômée en 2016, elle collabore avec différents studios de design entre Paris et Milan tel que Arik Levy, Patricia Urquiola ou JouinManku tout en menant en parallèle des projets personnels. Axant son travail sur une recherche d'équilibre entre fonctionnalité et émotion, Constance confère à ses objets une nature poétique et pratique où formes et matières racontent une histoire. Privilégiant les formes simples, elle aime jouer avec les matières et les couleurs pour créer l’émotion. Elle signe en 2017 avec le tapis Mémoire d'une Trame sa première collaboration avec Ligne Roset.

En 2006, l'architecte danoise Stine Gam et l'architecte italien Enrico Fratesi ont fondé leur agence GamFratesi à Copenhague. Stine Gam est née en 1975 à Copenhague et a terminé ses études à l'école d'architecture d'Aarhus, Danemark en 2006. Pendant ses études, elle a étudié et travaillé comme architecte en Italie ainsi qu'à Tokyo. Enrico Fratesi, né en 1978 à Pesaro, a terminé ses études en architecture à l'université de Florence et Ferrara en 2007. Pendant ses études, il a étudié et travaillé comme architecte à Stockholm et au Danemark. Le travail de GamFratesi s'articule autour d'un dialogue constant et curieux et de leurs cultures respectives. Ils favorisent une façon scandinave d'aborder l'artisanat et la simplicité, avec un fort accent sensible sur la recherche conceptuelle derrière leur travail. GamFratesi ont été récompensés de nombreux prix importants tels que le Vico Magistretti Award de DePadova, " best danish designer 2009 " et " Walk the Plank award 2009 ". Leurs créations ont récemment été exposées au musée d'art et design de Copenhague et à l'Artmuseum Trapholt Kolding ainsi qu'au sein d'expositions collectives telles que Mindcraft Milan, l'Ambassade Royale de Danemark à Tokyo et le centre de design danois Copenhagen.

Né le 20 novembre 1969. Vit et travaille à Paris. Après une licence en Lettres et Arts, Alban Gilles poursuit sa formation dans l'atelier mobilier de Jean-Claude Maugirard à l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. En 1998, à sa sortie de l'ENSAD, il rencontre Didier Gomez avec lequel il travaille comme responsable free-lance sur des projets mobiliers haut de gamme et pour de grands éditeurs. Parallèlement, il conçoit des modèles pour des sociétés d'édition comme Cinna et Design Affairs dont le fauteuil Fifty-Fifty a reçu un label des industries de l'ameublement lors de sa présentation au Salon du Meuble de 1997. En 2002, il crée le fauteuil Neo et en 2006 les fauteuils Jul et Jil, édités par Ligne Roset. Il multiplie les rencontres et les expositions, et ouvre en 2004 une agence parisienne pour développer ses travaux en design et architecture intérieure.

Le design en tant que seconde vie. Après des études en Sciences Politiques et en Marketing Management, Alain Gilles a travaillé dans le monde de la finance. Mais chacun doit vivre sa vie. Ainsi, c'est grâce à l'appui moral de son épouse qu'il s'est replongé dans des études de design industriel en France. Il a ouvert son propre studio fin 2007 afin de poursuivre ses propres rêves et de développer son approche personnelle dans la conception de produits, de mobilier, mais également au niveau de la direction artistique et de l'architecture d'intérieur. Depuis, il a commencé à collaborer avec plusieurs entreprises internationales, telles que Qui est Paul ? (FR), Galerie Gosserez Paris (FR), O'Sun (HK), Buzzispace (BE), Design is Wolf (BE), Vincent Sheppard (BE), Varaschin (IT), Verreum (CZ), Casamania (IT), La Chance (FR) et Bonaldo (IT). En 2012, il a été nommé « Designer de l'année » par la prestigieuse Biennale de design « Interieur Courtrai » (BE). Né en 1970 à Bruxelles. Prix et Récompenses: - HENRY VAN DE VELDE LABEL 2015 (BE) pour le canapé Structure dessiné pour Bonaldo (IT). - IMM INNOVATION AWARD (Cologne, DE) pour la table multifonctionnelle BuzziPicnic dessinée pour Buzzispace (BE), 2014. - GOOD DESIGN AWARD (USA) pour la table multifonctionelle BuzziPicnic dessinée pour Buzzispace (BE), 2014. - GOOD DESIGN AWARD (USA) pour la table Tracks créée pour Bonaldo (IT), 2014. - GREEN DOT AWARD 2013 (Los Angeles, USA) pour la lampe solaire « NOMAD » dessinée pour O'SUN. - CONTRACT Magazine EDITOR'S CHOICE AWARD 2014 (USA) dans la section « Collaborative Furniture » pour la BuzziPICNIC Table dessinée pour Buzzispace. - HIP AWARDS Winner 2014 (USA) dans la catégorie « Collaboration / Large » pour la BuzziPICNIC Table dessinée pour Buzzispace. - HIP AWARDS Honoree 2014 (USA) dans la catégorie « Flexible Office Solution » pour le BuzziVILLE conçu pour Buzzispace en collaboration avec le « Buzzispace Design Team ». - ADEX SILVER AWARD FOR DESIGN EXCELENCE 2014 (USA) pour le « BuzziHive » dessiné pour Buzzipsace. - RED DOT DESIGN AWARD 2013 - Best of the best (DE) pour la WELDED Table dessinée pour Bonaldo (IT). - HENRY VAN DE VELDE PRIX DU PUBLIQUE 2012 (BE) pour la lampe solaire portable créée pour O'SUN (HK) - Vote du public. - Designer de l'année, titre attribué par la biennale Interieur Kortrijk (BE), ainsi que par the Design Museum de Gent, le musée du Grand-Hornu, Design September, les magazines Knack Weekend & Le Vif Weekend, 2012. - DESIGN FOR ASIA - GOLDEN AWARD 2012 (HK) attribué par le Hong Kong Design Center pour la lampe Solaire Portable « Nomad » dessinée pour O'Sun. - HENRY VAN DE VELDE LABEL 2012 (BE) pour la lampe Solaire Portable « Nomad » dessinée pour O'Sun (HK). - HENRY VAN DE VELDE LABEL 2011 (BE) pour le « BuzziBooth » dessiné pour Buzziqpace (BE). - GOOD DESIGN AWARD (USA) pour la Big Table dessinée pour Bonaldo (IT), 2009. - HENRY VAN DE VELDE LABEL 2008 pour les Tables « Tectonic » dessinées pour Bonaldo (IT).

Designer depuis 1978, année de présentation de ses premières collections de mobilier, et architecte d'intérieur depuis 1985, il crée des meubles et des espaces (boutiques, grands magasins, appartements, maisons, sièges sociaux) à travers le monde. Parmi ses clients : Yves Saint-Laurent, Pierre Bergé, Jean-Paul Gaultier, Carrousel du Louvre, LVMH, Bernard Arnault, Céline, Louis Vuitton, Galeries Lafayette, Vivendi Universal, Kenzo, Christian Dior, Pomelato, De Beers, L'Oréal, BNP Paribas, Bouygues Telecom, Le Méridien' Didier Gomez a reçu en janvier 2002, conjointement avec Ligne Roset et Cinna, le " Nombre d'or " décerné par le Salon du Meuble de Paris, récompensant sa collaboration exemplaire avec le groupe Roset. Il a été lauréat du Janus de l'industrie 2005 pour la cuisine Atmosphère d'Arthur Bonnet.

Bernard Govin est un designer et architecte d'intérieur français né en 1940. Au cours de sa vie, il a créé diverses pièces dont l’esthétique fluide, tout en courbes audacieuses et futuristes, séduit toujours. Il rejoint le célèbre éditeur Ligne Roset dès la fin des années 60. Après avoir étudié à l'école des arts appliqués Duperré et à l'institut d'esthétique industrielle, il ouvre son agence en 1963. Ses recherches portent sur des nouvelles matières. En 1966 il expose une œuvre emblématique au Salon des Artistes Décorateurs (SAD) : le siège sol Asmara édité par Ligne Roset dès 1967. Il présentera au SAD 1972, toujours chez Ligne Roset le siège Dunes. Ses pièces novatrices surprennent par leur inventivité et leur grande modernité. Bernard Govin verra d'autres modèles édités au travers de collaborations avec plusieurs éditeurs et il s’installera ensuite dans le sud de la France pour y concevoir des aménagements intérieurs.

Diplômée avec félicitations du jury de l'Ecole Camondo en 2013, Lara Grand, architecte d'intérieur et designer, a travaillé pour diverses agences à Paris et à l'étranger. C'est dans ce cadre qu'elle a participé à des chantiers d'appartements privés, à la conception de présentoirs à bijoux, à différents travaux graphiques, à l'aménagement d'un salon de coiffure ou à la mise au point de projets mobilier pour Ligne Roset aux côtés de Marie Christine Dorner, ou encore pour les marques Zeus et Montis. Son projet de fin d'études à Camondo a été la création de la lampe conique Peak up, une lampe de chevet associant éclairage diffus et éclairage directionnel, le passage de l'un à l'autre se faisant par simple basculement de sa partie supérieure. En 2016, Ligne Roset édite son lampadaire Headlight.

Né en 1980, Benjamin Graindorge est l'un des jeunes talents du design français. Diplômé de l'ENSCI - les Ateliers en 2006, son projet de Paysage domestique à fait l'objet d'une aide du VIA. Benjamin est sélectionné deux années consécutives au festival Design Parade et remporte consécutivement le concours Cinna et les Audi Talents Awards dans la catégorie Design. Après être parti en résidence à la villa Kujoyama à Kyoto il revient en France pour collaborer avec François Bauchet sur la scénographie de la Biennale Internationale du Design de Saint-Etienne 2010. En 2011, il s'expose pour la première fois en solo show à la galerie YMER&MALTA où il a présenté cinq objets pensés autour du thème de la rêverie. A présent, Benjamin Graindorge a la chance de travailler à toutes les catégories du design : du design industriel avec Ligne Roset ou Artuce, du design d'édition pour une entreprise comme Moustache et du design de recherche avec la Galerie YMER&MALTA. Une exploration du design à toutes les échelles pour continuer à découvrir de nouveaux paysages et à éviter l'ennui. Benjamin vient de remporter à Milan le prix ELLE deco international design award 2011/2012 dans la section jeune designer.

Denis Guidone est un studio de design et d’architecture basé à Milan et Tokyo. Fasciné par les contrastes entre l’Orient et l’Occident, il rassemble l’esthétique de ces deux extrêmes avec une précision non conventionnelle et stricte en une apparence élégante. Il a remporté des prix internationaux, dont le IDA Design Award à Los Angeles. Il a également reçu le prix Bruno Munari de Gillo Dorfles en 2009 à la Triennale de Milan et a été sélectionné pour l’indice ADI 2010. En 2018 il a été élu par la Triennale de Milan et le ministère des Affaires étrangères comme ambassadeur du design italien dans le monde.

BIOGRAPHIE After product design studies and working for Benjamin Hubert Meike Harde started her business in 2013 with the participation at several design-talent shows. She is inceasingly active for international brands like Freistil Rolf Benz, Bolia, Puplo and many more. The 1987 born Meike Harde works and lives in Cologne. DESIGN APPROACH / INSPIRATION "lamp name" is a result of experimenting with paper models and the variation of cones. Attached to an elegant stand the shade starts linear on the top but ends in a circle. This transition causes soft waves in the outline and generates an overall smooth and friendy feeling.

Sebastian Herkner est né en 1981 à Bad Mergentheim (Allemagne). Il étudie le design à l’université des arts et du design d’Offenbach où il se spécialise dans le design d’objets et d’ameublement. Dans ses créations il alliera influence culturelle, nouvelles technologies et artisanat traditionnel. Son objectif est de mettre en valeur la beauté des matières et d’attirer l’attention sur des détails subtils. En 2006, il crée son propre studio à Offenbach-sur-le-Main. C’est chez la créatrice de mode londonienne Stella McCartney qu’il fait ses armes en 2003-2004. Il y développe son goût pour marier les matières, les couleurs et les textures « pour moi le design c’est comme la cuisine que j’aime faire quand j’en ai le temps : pour un bon repas il faut de bons ingrédients mais aussi des épices, des couleurs, une composition… ». Il est élu « Designer de l’année » pour l’édition 2019 du salon Maison et Objet. Sebastian Herkner a pour Ligne Roset un lien affectif tissé depuis son enfance. La marque incarne à ses yeux le « design à la française », l’artisanat et l’excellence de fabrication. Il apprécie tout particulièrement que la Maison soit restée familiale et de ce fait la collaboration rapprochée qu’il peut avoir avec Michel Roset et son équipe. Sa démarche ne s’inscrit pas dans un effet d’opportunité mais bien dans une optique de collaboration à long terme. Ils ont en particulier en commun cette vision du design qui ne peut s’exprimer qu’en harmonie avec les attentes profondes de la société. "Les savoir-faire artisanaux sont notre héritage culturel et ils recèlent de potentiels inexplorés ». Comme pour les grands crus où il faut que la vigne ait ses racines profondément ancrées dans la terre pour que son raisin puisse s’exprimer, il faut au designer un ancrage artisanal profond pour pouvoir en révéler toutes les subtilités. Sebastian Herkner a trouvé en Ligne Roset avec Taru son terreau d’expression…"

Moisés est un designer mexicain né en 1983, qui vit à Mexico. Sa ville natale, chaotique et surpeuplée, ainsi que les objets mexicains, les traditions, les textures, le contraste social et la diversité chromatique sont des éléments qui influencent le travail de Moisés. Moisés a obtenu un baccalauréat avec mention en design industriel à l'ITESM en 2007. Moisés a toujours été attiré par la simplicité et la fraîcheur des idées et c'est pour cela qu’il a décidé d'étudier à l’Ecal, à Lausanne en Suisse où, pendant l'été 2013, il a obtenu un Master de conception de produits avec une mention spéciale. Moisés a exposé son travail aux États-Unis, en Italie, en France, aux Pays-Bas, en Suisse, en Turquie, à Hong Kong, en Espagne et au Mexique. Son travail a été récompensé par la Biennale mexicaine de design INBA, le Good Design Award par le Chicago Atheneaum parmi d'autres récompenses. En 2013, Moisés crée Diario, une marque qui remodèle les objets mexicains de tous les jours, véritable projet social, culturel et design. Moisés croit au transfert des connaissances en design et c'est pourquoi, de 2014 à 2017, il a rejoint le Centro, l’une des universités de design les plus influentes au Mexique, en tant que professeur. Il y a reçu le prix de meilleur professeur de design industriel. En août 2017, il a été nommé directeur régional du design à l'ITESM, l'université privée la plus importante du Mexique.

Peter Christian Hertel, né en 1968, et Sebastian Klarhoefer, né en 1966, se connaissent depuis l'enfance. Ils ont étudié l'architecture à Berlin et Venise et ont terminé leurs études en 1994 ainsi qu'en 1996 à Berlin. Les premiers projets communs de mobilier furent créés lors de leurs études à l'Institut Universitaire d'Architecture de Venise, proches de Aldo Rossi. En 1999, ils fondent l'agence de création Hertel & Klarhoefer. Depuis 2001, ils travaillent en tant que designers et architectes dans leur agence à Berlin. Des designers, architectes d'intérieurs, modélistes et menuisiers font partie de leur équipe. Les années suivantes, ils ont conçu des meubles et des accessoires pour des marques renommées comme Authentics, ClassiCon, Elmarflötotto, Ligne Roset, Nils Holger Moormann et Zeitraum. Ils se positionnent en tant qu'agence créative 'Full Service', dont le spectre va de la phase de conception à la production technique. Berlin, qui est une ville pleine de potentiel créatif, les a inspirés dès le début. Elle influence jusqu'à ce jour leur travail.

Martin Hirth est né à Horb en Forêt-Noire (Allemagne) en 1987. Il est diplômé en conception produits (Hochschule für Gestaltung Offenbach, 2014). Pendant ses études, il a fondé son propre studio et travaillé en parallèle comme assistant du designer Sebastian Herkner de 2011 à 2014. Ses nombreuses créations récompensées - largement reconnues par la presse internationale spécialisée - ont été exposées à Paris, Milan et Berlin, entre autres.

Eric est né en 1961 à Chatou. Il est diplomé de l'Ecole des Beaux-Arts de Saint Etienne et de L'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris. Il débute une collaboration avec la galerie Neotu et aura en 1991 une exposition personnelle à la fondation Cartier. En 1995 il propose un travail autour du meuble traversant dans le cadre d'une Carte Blanche au VIA. La galerie Gilles Peyroulet et cie présente plusieurs collections de mobilier dessinées par Eric jourdan. Il réalise la signalétique de la cité universitaire internationale de Paris avec Ruedi Baur en 2002. Depuis 2002 il collabore aussi avec Ligne Roset, société avec laquelle il obtient un Red Dot Design Award pour le canapé Snowdonia. Plusieurs de ses modèles de sièges et de mobilier sont apparus depuis dans la collection Ligne Roset, le fauteuil Shaman étant le dernier en date. Cinna lui doit, entre autre, la collection Hyannis Port.

Le cabinet de design kaschkasch a été créé en 2011 par Florian Kallus et Sebastian Schneider. Kaschkasch intervient dans les domaines du mobilier, du luminaire, de la direction artistique pour divers clients internationaux. Ce duo de créateurs tente toujours de tirer le maximum du strict minimum en réduisant toute idée jusqu'à ses éléments essentiels. Chacune de leurs créations propose toujours une petite chose à découvrir qui exprime le goût du détail des deux designers. Kaschkasch recherche l'équilibre entre fonction et élégance. Prix obtenus : - German Design Award, nomination 2015 - Interior Innovation Award - German Design Award, nomination 2013 - Designpreis Deutschland, nomination - Interieur Award winner.

Hiroshi Kawano est né à Kanagawa, au Japon en 1971. Il a étudié l'architecture intérieure à la Tama Art University, à Tokyo. En 2004, il commence à travailler comme designer indépendant. Depuis 2006, il a exposé son travail à Stockholm, Londres, Cologne, Bonn, Munich, Paris et Tokyo.

Michael est né en 1971 à Aachen en Allemagne, près des frontières néerlandaises et belge, d'une mère néerlandaise et d'un père allemand. Ses grands-pères étant des artisans, il a pu découvrir très jeune toutes sortes de matériaux et a pris plaisir à créer toutes sortes de choses. Après le lycée, Michael a suivi une formation d'ébéniste, puis il a étudié le design à Aachen, où il a obtenu une licence avec mention. Un an plus tard, à l'âge de 27 ans, il a commencé à enseigner le développement de produits à l'université de Aachen. Au même moment, Michael à commencé à travailler sur ses propres projets, collaborant avec des petites marques allemandes telles que Details et Freiraum. Après son premier envoi de mailing en 1999 Michael a attiré l'attention de Habitat et de Ligne Roset, qui sont devenus ses premiers clients internationaux importants, et qui lui sont restés fidèles. Michael a depuis quelques années son propre atelier à Hambourg, ville dans laquelle il s'est installé après avoir fondé sa famille avec sa femme d'origine turque. Ils habitent avec leurs deux filles à Hamburg-Nord, un arrondissement au nord de la ville de Hambourg. C'est dans cet atelier que naissent divers projets de design dans les domaines du mobilier, des accessoires, des luminaires et du design d'intérieur, en utilisant beaucoup de matériaux différents et toutes sortes de technologie. Quel est son secret ? La réponse est simple : prendre un objet de tous les jours et lui donner un nouvel aspect en gardant son usage, sa fonctionnalité et sa matière, en y ajoutant parfois un peu d'humour. Michel est depuis 2008 directeur artistique pour la société Flora à Halver, en Allemagne. Ses pricipaux clients : Artepuro, Details, le Consulat du Danemark en Allemagne, Flora, Freiheit, Freiraum, Cinna, Clic, Habitat, Jasmim, Kaether & Weise, Ligne Roset, Louise Poulsen, Magazin, Morfoso et Rapsel.

Andreas Kowalewski est né à Berlin en 1976. Depuis son enfance, il s'intéresse à la création d'objets. Il a commencé à dessiner très tôt, puis est passé à la sculpture, se découvrant enfin une passion pour la création. Après un apprentissage en ébénisterie et ayant terminé ses études (conception de produits) au Carl-Severing-Berufskolleg, il a poursuivi ses études au Folkwang Universität der Künste (Essen, Allemagne) avec un master en design industriel. Pendant et après ses études, il a acquis de l'expérience au sein de plusieurs agences de design à Essen, Berlin et Munich. En outre, il a travaillé pour le Whirlpool Design Centre (Varese, Italie), Audi Design (Ingolstadt, Allemagne) et plus récemment comme directeur artistique pour Philips Design (Amsterdam, Pays-Bas). Son approche étant extrêmement intuitive, ses créations résultent largement de son expérimentation au niveau des matières et technologies de fabrication, dans le cadre d'un processus intégrant le savoir-faire de divers domaines industriels. Les dessins font partie intégrante de son processus de création, donnant naissance à la première expression de ses idées. Il a pour ambition de créer de nouvelles possibilités à travers un design critique, de réinterpréter, d'améliorer mais de ne jamais répéter. Pour lui, il faut que ses créations provoquent des émotions tout en transmettant de la qualité. Ses travaux, récompensés par divers prix de design, ont été exposés à Tokyo, New York, Berlin et Milan. Son agence, basée en Amsterdam, a été fondée en 2011 et est spécialisée en design industriel et création de mobilier.

Le jour où je suis partie pour le Viet Nam, je ne me suis pas rendue compte que j'étais au début d'un nouvelle carrière' J'ai quitté les Etats-Unis à l'âge de 24 ans pour découvrir de nouveaux horizons et, impressionnée par le pays, j'ai décidé de rester au Viet Nam. En 1999 j'ai rencontré Michel Kuehne, un jeune entrepreneur suisse basé à Saigon et le fondateur de Wetter Indochine, une entreprise spécialisée dans la laque. Un lien s'est tissé entre nous grâce à notre amour pour le Viet Nam et pour la création. Nous avons trouvé un moyen intéressant et passionnant de montrer au monde le talent des artisans vietnamiens en combinant couleur, design occidental, et qualité.

Neeru Kumar, conceptrice indienne de textiles, basée à New Delhi, a obtenu son diplôme de la National Institute of Design d'Ahmedabad. Un talent exceptionnel et inspiré qui, au cours des deux dernières décennies, a été pionnier d'une certaine révolution en matière de textiles indiens. Avec son utilisation de techniques artisanales et matières indigènes, et à force de recherches et réflexions, elle a créé un tout nouveau vocabulaire pour le design textile. Cette innovation a été rendue possible par la combinaison de sa sensibilité unique, notamment en matière de tons et textures, et de sa profonde compréhension du tissage et autres techniques textiles ainsi de sa détermination à soutenir l'artisanat. Très productive, elle a créé une palette captivante, originale et très contemporaine, en repoussant les frontières du savoir-faire artisanal sur lequel elle base son travail, souvent décrit comme « classique contemporain ». Son travail a été exposé au Japon, en Europe, aux Etats-Unis et en Australie, dans des magasins et des boutiques prestigieux et dans les boutiques des principaux musées internationaux. Elle compte le Victoria & Albert Museum à Londres et le San Francisco Museum of Modern Art parmi ses plus fidèles clients.

Né en 1982, Pierre Lapeyronnie a grandi entre Paris et le Sud-Ouest, où son grand-père, forgeron et ingénieur autodidacte, possédait une usine d'outillage pour les vignobles. Il a reçu le diplôme des Beaux-Arts de Bordeaux en 2006, pour un travail portant sur les interactions qui pourraient exister entre les paysages sonores et leurs utilisations individuelles. De retour à Paris, il a commencé à exercer en freelance comme chef de projet, travaillant sur de nombreux projets pour diverses agences dont celles de Nathalie Crinière (conception de stands) et de Jean Nouvel (conception de produits). Durant cette période, il a collaboré avec des artisans dans toute la France, leur rendant visite dans leurs ateliers pour apprendre les compétences de base en matière de soufflage du verre, de la ferronnerie, de la céramique, de la coutellerie et de l'ébénisterie. Pierre Lapeyronnie a fondé PLII, son cabinet de design industriel, en mars 2010. Cette agence travaille sur divers projets, aussi bien commandités qu'auto-initiés, se concentrant sur la création de produits de haute qualité, conçus rationnellement, et offrant à chaque projet plusieurs niveaux de lecture. Son approche esthétique est simple, précise et sans compromis. Pierre Lapeyronnie enseigne la conception de produits à l'Ecole de Design du Strate Collège de Sèvres. Son cours sensibilise les étudiants aux réalités industrielles en les guidant à travers le cycle de vie économique d'un produit dans sa totalité, du premier croquis à sa fabrication.

Ce produit a été conçu et développé avec tout notre savoir-faire par notre bureau d’étude situé à Briord dans l’Ain.

L'activité intense de Mauro Lipparini dans le domaine du design industriel comprend le mobilier pour la maison et le bureau, l'industrie textile et d'autres produits créés pour de nombreuses entreprises en Europe et au Japon. Dans le cadre de l'architecture et de l'interior design, il s'est principalement concentré sur le bâtiment résidentiel et commercial tels que corporate headquarters, showrooms, magasins, restaurants et surfaces d'exposition. En outre, il conçoit et réalise des systèmes avancés d'image et de corporate identity, allant du graphisme aux services éditoriaux, en passant par la production. Le style de Lipparini, se basant sur des formes épurées et des lignes claires et énergiques, caractéristiques du minimalisme naturel, s'imprègne d'un esprit gai, d'un sens enivrant du plaisir esthétique et de créativité. A travers la libre utilisation de couleurs, de trames organiques et d'idées visuelles originales, Lipparini élargit la palette du minimalisme, en faisant converger l'instantanéité et la puissance de cette esthétique vers une nouvelle ère à l'enseigne de la maturité et du sens du bien-être. Pour Mauro Lipparini, le design est l'inévitable recherche entre esthétique et fonction, entre art et application. Il permet de rendre un produit agréable et intrigant, pour passer d'un objet fonctionnel ou superflu à un objet chargé de sens esthétique et sémantique, enrichissant ainsi le paysage domestique. Il permet de vivre l'espace ou son ergonomie avec une actualité toujours nouvelle. Le design engendre des désirs qui améliorent la qualité de la vie, il nous permet de percevoir le progrès avec une implication accrue, il rend la lecture de la fonction et donc la perception de l'habitat passionnante et agréable. Le design n'est pas l'application de forme tel du maquillage, il est l'objet en lui-même, il est la tradition, la culture qui permet aux gens d'avoir un contact plus ou moins indirect avec l'avant-garde intellectuelle, en démocratisant l'art. Il peut être plus ou moins poétique, constructif et réfléchi mais il doit toujours se pousser aux limites du risque en oubliant les habitudes. Ces considérations sont à la base de mon travail et, au travers de simples lignes énergiques, d'abstractions graphiques, de compositions et de décompositions purement géométriques, j'essaie de poursuivre le beau et le plaisir pour allier la forme et la fonction. Un minimalisme naturel de formes épurées en prêtant particulièrement attention aux matières, aux couleurs, aux surfaces, aux pleins et aux déliés, aux clairs obscurs.

David Corraux vous invite à pénétrer dans une forêt urbaine et onirique où l’imaginaire s’emballe. A travers un univers singulier et rétro-futuriste, la Maison Le LOUP présente une céramique alternative et artistique, porteuse d’une esthétique renouvelée dans cet art merveilleux à la fois intemporel et en constante évolution. David Corraux s’inscrit dans la vague de créateurs, designers céramistes qui ont une envie contemporaine commune: Rendre les objets de tous les jours, plus singuliers, plus poétiques, en osmose avec notre temps. Revisiter les tendances et s’y inscrire. Proposer une approche, un regard nouveau sur la céramique pour toucher et rencontrer nos contemporains.

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Peter Maly a étudié l'architecture d'intérieur à l'Ecole Supérieure Spécialisée de Detmold jusqu'en 1960. Il a travaillé de 1960 à 1970 comme journaliste et designer d'intérieur pour un magazine de décoration allemand. Il a ouvert son propre studio de design et architecture d'intérieur en 1970. Il travaille depuis de nombreuses années avec les sociétés Anta, Behr, Cinna, Cor, Interlübke, Jab Anstoetz, Ligne Roset, Mauser, Thonet et Tonon. Son oeuvre comprend le design produit, le design textile ainsi que l' "exhibition design" pour certaines manifestations comme les stands de salons professionnels pour Ligne Roset. A ceci s'ajoute l'agencement de magasins pour Ligne Roset (Moscou, New-York, Hambourg, Berlin etc.) Il a obtenu de nombreux Design-Awards pour son travail.

Philippe Moine est emprunt de sincérité et d'humanité. Il est profondément ancré dans une démarche où l'homme est à la fois la source et la finalité de sa créativité. Sensible, amoureux d'art pictural et de sculpture, il se nourrit de l'indicible qui transparaît dans des lignes épurées, des émotions qui émanent d'un mouvement esquissé. Philippe Moine est né dans les années 70 à St Etienne, ville reconnue par l'Unesco depuis le 22 novembre 2010, comme partie du réseau « villes créatives Design ». Déjà un signe ? Enfant du lego, du mécano et de "la mallette du parfait menuisier", il s'oriente très tôt vers un métier où le processus de construction et le travail du bois satisfont son appétit créatif. Ses premiers stages en ébénisterie durant sa formation initiale confortent son attirance particulière vers ce métier où le bois lui permet de mettre en forme ses idées avec beaucoup de facilité. Des idées, il en a plein la tête ! Pour les faire jaillir, Philippe s'inscrit à l'école Boulle à Paris. Il y apprend la maîtrise des gestes et des savoir-faire qui font la qualité et le génie des métiers d'art du bois, du métal et du tissu. Son diplôme en Architecture d'Intérieur en poche, il poursuit et se spécialise à l'École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris en Design Industriel, un cursus dont la mission pédagogique s'articule autour de la formation artistique, scientifique et technique dans tous les domaines des arts décoratifs. Philippe Moine intègre à cette même période le centre de Design du constructeur automobile Renault : cette plongée dans ce vivier créatif est un catalyseur. Les designers, issus des meilleures écoles au monde y sont jeunes comme lui, l'équipe pluri culturelle et les moyens mis à leur disposition leur permettent une production de dessins d'une créativité sans limite. Cette expérience et son talent lui ouvrent les portes de différentes agences de design où il cumule des réalisations marquantes. Philippe Moine crée son studio en 1996 et partage son temps entre Design Industriel qu'il développe largement depuis plusieurs années et Mobilier de création. > Le design Industriel est un terrain sur lequel il maîtrise des réalisations en adéquation avec un cahier des charges scrupuleux défini par une problématique d'entreprise, de marché, de fabrication, d'utilisateur... Son expertise y est reconnue, ses conceptions percutantes. > Le Mobilier de Création est son jardin secret où il dessine des pièces d'exception. Des meubles uniques travaillés dans une seule matière ou dans un mélange d'essences, mariage harmonieux de bois, de métal, ou de verre. > Le Design Graphique et d'Espace sont des exercices où il plonge dans l'ADN de l'entreprise et offre des voyages sensoriels par le biais de formes, d'images, de matières et de couleurs en restant fidèle à une simplicité et à une évidence. Alors que la ville Saint-Etienne fait du design un de ses axes de renouveau économique, Philippe Moine s'associe à deux autres designers stéphanois pour fonder les bases du collectif DESIGNERS+ en 2007. Aujourd'hui ce collectif constitue une véritable plateforme de création et de développement au service des acteurs économiques, pour faire du design un levier d'innovation pour le territoire. Philippe y siège aujourd'hui en tant que membre du comité directeur et membre de la commission Design & Industries.

Né le 1er février 1985. Établi en 2013, Simon Morasi Piperčić est un bureau d'études basé à Zagreb qui travaille sur divers projets allant du mobilier et de la conception dans l’espace aux installations spécifiques sur site, en passant par la direction artistique et le conseil en design. L'identité distinctive du studio réside dans l'espace interculturel entre élitisme et égalitarisme, exclusivité et inclusivité, expérimentations avant-gardistes et produits hautement commercial : cela a permis à l'équipe Simon Morasi Popercic de construire avec succès une position spécifique facilement reconnaissable dans le contexte professionnel mondial. Le bureau a été récompensé par des prix parmi les plus prestigieux - German Design Award en 2017, Red Dot en 2013 et 2015 et Interior Innovation Award en 2015. En 2014, ils faisaient partie de l'équipe qui a conçu le pavillon croate à la Biennale ‘architecture’ de Venise. Leur travail a été publié dans plusieurs magazines de renom (Dezeen, Domus, Frame, Designboom, etc.) et exposé dans le monde entier.

Née en 1973 à Belgrade, diplômée en 2000 de l’Ecole d’architecture Paris la Villette, Ana Moussinet travaille au sein de son studio ANA MOUSSINET INTERIOR DESIGN depuis 2012. Libre et inspirée, Ana Moussinet doit son expertise à son diplôme d’architecture aux Beaux-Arts de Paris et à son parcours professionnel. La création comme un art, la technique comme fondation, le volume est pour elle un matériau à sculpter, à parer avant de l’habiter. Ses origines slaves l’inspirent au quotidien et donnent à sa démarche une tournure sensible et vivante. Architecte, elle sculpte les espaces de toutes dimensions. D’un hôtel 5 étoiles de 180 chambres à l’autre bout du monde, à l’identité d’une boutique située à deux pas de son studio dans le Marais, en passant par le dessin d’un luminaire façon bijoux, Ana se consacre à chaque projet avec le même enthousiasme, le même savoir-faire. Un vocabulaire stylistique qui entremêle élégance à la française, design contemporain et joie de vivre slave où Ana puise son inspiration pour tracer le trait de chaque intérieur comme une pièce unique au service de des commanditaires et utilisateurs.

Etudie les Arts Appliqués (bac F12, BTS Design industriel à La Martinière - Lyon, DSAA Design produit & mobilier - école Boulle), période où il réalise avec C. Gardet le jardin "Ailleurs" à Chaumont-sur-Loire et la lampe Flac primée lors d'un concours Habitat. Depuis 1999 est designer free-lance et également collaborateur du studio De Lucchi à Milan où il participe à de nombreux projets de design produit, mobilier, luminaires, architecture intérieure, événementiel, scénographie, pour les sociétés Olivetti, Poltrona Frau, Artemide, Alias, Caimi, Interni, Feg, Listone Giordano... Parallèlement développe des projets pour Nube Italia, Felicerossi, NavaDesign. En 2008, remporte le 2ème prix du concours des restaurants "Autogrill", avec M. Biffi. Depuis 2005, des projets prospectifs de mobilier sont soutenus par le VIA grâce auquel il réalise l'étagère Spiral, le caisson Storage-Unit, les divans Intersection et en janvier 2009 les chaises Twin-Chairs et le piétement de table universel Tréteau. Certains de ces projets sont édités tel que Cross-Unit par Sintesi ou Intersection qui donne naissance à la grande famille de divans Confluences éditée par Ligne Roset.

Issu d'une famille d'architectes passionnés de design et de créations contemporaines, Jean-Philippe NUEL décroche son diplôme d'architecte aux Beaux-Arts de Paris et accède rapidement à la reconnaissance en remportant un concours international présidé par Kenzo TANGE. Très vite, il réalise un hôtel parisien en maîtrise d'oeuvre globale : architecture et décoration. Après cette première réalisation, les projets de boutique hôtels s'enchaînent à Paris et en province : LE VICTOIRE OPERA, LA VILLA SAINT GERMAIN, L'HOTEL THERESE, LE GENERAL, LE DUO, le REGENT PETITE FRANCE à Strasbourg, le JIVA HILL PARK HOTEL proche de Genève et bientôt le LE GRAND BALCON à Toulouse... Dès lors, les grandes chaînes hôtelières font appel à lui : SOFITEL (Budapest et Paris la Défense Centre), HILTON (Evian, Malte), le CLUB MEDITERRANEE (Peisey Vallandry) et d'autres projets sont en cours avec LE MERIDIEN (Paris Etoile, Bruxelles, Dubaï), RADISSON (Nantes), WESTIN (Aqaba en Jordanie) ou encore TAJ HOTEL (Inde), MARRIOTT (Marrakech) et deux bateaux de croisière pour la Compagnie des Iles du Ponant. Aujourd'hui l'agence travaille au Japon, au Moyen Orient et bien sûr en Europe avec des projets d'hôtels mais aussi des résidences privées, des spas, des concepts stores, et des restaurants.

Numéro111 se compose de trois individualités, Sophie Françon, Jennifer Julien et Grégory Peyrache. Amis d'enfance, le trio stéphanois suit ses études séparément - Ecole supérieure d'Art et de Design de Saint-Etienne, Ecole nationale supérieure d'Architecture de Saint-Etienne - et commence un apprentissage en solo avant de se retrouver en 2010 pour fonder Numéro111. Ils revendiquent une démarche globale établie sur le dialogue, ne se limitant pas à une échelle ou une discipline. L'équipe se réunit autour de projets divers, dans le domaine de l'objet, du mobilier, de l'architecture, de l'aménagement d'espace ou de la scénographie. Sensible aux formes et aux matières, Numéro111 interroge et propose à travers ses créations une réflexion sur l'usage, résultant du regard transversal des trois personnalités sur notre quotidien.

Tobias Nickerl - Né en 1987 à Taunusstein en Allemagne. Zifan Wang - Né en 1988 à Sichuan en Chine. Obvision est un studio de design et de recherche proposant un service multidisciplinaire qui s'étend du design produit, au design d'espace jusqu'à la recherche et l'expérimentation. Le studio s'oriente vers l'exploration des nouveaux usages et experiences pour une société en mutation à travers de la conception de produits innovants. L'équipe germano-chinois est constitué de Tobias Nickerl et Zifan Wang, tous les deux diplômés de l'ENSCI-les ateliers : complémentaires par la mixité de leurs approches culturelles, ils le sont également dans leurs parcours et dans l’alliance de leurs compétences respectives. Après avoir collaboré avec des agences de design et travaillé pour des clients variés (Montale, EDF R&D, Jean-Marie Massaud, Fabernovel) ils fondent en 2020 le studio de création : Obvision.

Kensaku Oshiro est né sur l'île d'Okinawa, Japon en 1977. Après avoir obtenu un master en design industriel au sein de la Scuola Politecnica di Design, Milan (1999), il a commencé à travailler avec divers studios, jusqu'à ce qu'il rejoigne l'équipe design de Lissoni Associati, au sein de laquelle il a travaillé jusqu'à mi-2012. En juin 2012, Kensaku déménage à Londres pour rejoindre l'agence BarberOsgerby. En juin 2015, il fonde son propre studio à Milan. Il a participé à plusieurs concours et expositions et a remporté divers prix internationaux renommés. Kensaku Oshiro collabore avec Boffi, De Padova, Gan, Glas Italia, Kristalia, Ligne Roset, Poltrona Frau, Viccarbe et Zanotta.

1977 : diplômés des Arts Décoratifs 1978 : création de la section mobilier à l'Ensad 1979 : création de Pagnon & Pelhaitre design 1981 : Amarante, Dariosecq 1982 : Sara, tables basses Habitat 1983 : First, Cinna 1984 : mobilier pour l'émission " Formule 1 de France Gall " 1985 : Straty, Cinna 1986 : collection Artelano 1987 : collection Domus, Ligne Roset 1988 : bureaux Atal 1989 : Scoop, Drimmer 1990 : Gong bureaux, Frezza Italie 1991 : Dune chambre & séjour, Cinna 1992 : Mobile, Cinna 1993 : centre de recherches Treves, groupe Treves 1994 : usines Trevest, groupe Treves 1995 : programme de meubles Square, Ligne Roset 1996 : centre de formation Treves, groupe Treves 1997 : tables basses Yoyo, Ligne Roset. Macé bureau 1998 : siège social Treves, groupe Treves 1999 : Ipso Facto, Cinna 2000 : Playtime, Espace Privé, Ligne Roset 2001 : restaurant Zinc Zinc. Familia, Mobalpa 2002 : P&P900, Ligne Roset. showroom Addform 2003 : Travel, Ligne Roset. usine Trémois, groupe Treves 2004 : Cineline, Cinna 2005 : professeurs en mobilier Ensad. Strates, Ligne Roset 2006 : cuisine Schmidt 2007 : QM, Chine

Né en 1927 à Paris, débute dans les années 50, remarqué par ses créations et installations (TV, Thonet, Bertrand Faure, Disderot et Artifort), il fait entrer la modernité à l'Elysée en 1972 pour le Président Pompidou, il crée tous les meubles du bureau officiel de F. Mitterrand, il rénove la salle à manger pour J. Chirac. En parallèle, il crée ADSA avec deux associés, et travaille à des projets industriels (Calor, Allibert, Stamp), des images d'entreprise (Air France) et aménage des gares (Gare de Lyon, Gare de Versailles Rive Gauche). Ses meubles sont présents dans de nombreux musées dans le monde, et en 2007/2008 plusieurs expositions lui sont consacrées. Le MOMA à New York a agrandi sa collection de meubles Paulin.

Hélène Poiraud est designer textile, matière et couleur. Née en 1992, d’origine franco-autrichienne, elle grandit entourée d’une famille de collectionneurs d’art passionnés. Après une formation textile à l’ENSAAMA Olivier-de-Serres à Paris, Hélène sera diplômée de l’École nationale supérieure des Arts Décoratifs de Paris en 2018. Tout au long de son cursus, elle explore divers univers du textile tels que la mode, l’automobile ou l’ameublement. C’est à travers le dessin, le tissage ou encore le travail de la couleur qu’elle va s’enrichir pour s’exprimer librement. C’est après avoir travaillé chez un tisserand dans le nord de la France où elle conçoit les collections de tissus pour l’ameublement, qu’elle choisira de s’orienter vers l’univers de la décoration d’intérieur. En effet, Hélène s’attache au savoir-faire pour donner du sens et de l’émotion à ses créations. Aujourd’hui elle travaille à Paris au sein d’un Studio d’architecture d’intérieur où elle développe les textiles et matériaux pour concevoir des lieux d’art de vivre uniques. À travers son approche créative, Hélène veut avant tout nous raconter une histoire. S’inspirant de l’artisanat, de l’environnement urbain et de la nature, elle conçoit des dessins et motifs uniques.

Amaury Poudray est né à Cholet en 1985. Il est diplômé de l'Ecole Supérieure d'Art et de Design de Saint-Etienne en 2009, il a étudié un an aux Etats-Unis à la Rhode Island School of Design et résidé un an au sein de l'équipe de design de Fabrica, centre de recherche et de communication du groupe Benetton en Italie. Amaury Poudray dirige aujourd'hui son propre studio situé à Lyon « Amaury Poudray Networks ». Il est spécialisé dans le design de mobilier, l'aménagement intérieur et la direction artistique. Son travail se construit autour d'un réseau de compétences diverses basé sur l'humain et constitué d'entreprises innovantes aux savoir-faire spécifiques. L'innovation et les connexions global/local sont centrales dans les productions du studio. Ses travaux incluent des collaborations avec des éditeurs et fabricants de mobilier, des petites entreprises visionnaires, des grands groupes, des galeries d'art et des écoles. Amaury Poudray est actuellement professeur et coordinateur de la Coursive à l'ESAD de Saint-Etienne, une mise à niveau pour étudiants étrangers.

Born in Russia (1986), Oleg Pugachev studied product design at the Weissensee Academy of Art Berlin, the city he has called home for more than half of his life. While working for internationally active design and architecture offices, he has pursued his own projects with a focus on furniture design ever since.

Manuela Simonelli 1971 Andrea Quaglio 1965 Quaglio Simonelli naît de la rencontre de Andrea Quaglio et Manuela Simonelli, designers issus de l'Università del Progetto de Reggio Emilia, en Italie. Après leurs débuts en 1994 aux côtés de Philippe Starck, avec qui ils collaborent deux ans, ils créent leur studio de design et développent une activité qui s'étend aux différents domaines de la création, croyant fermement que la diversification est une source de richesse créative. Ils dessinent des produits technologiques, créent mobilier et luminaires, conçoivent l'identité et le design pour des marques de cosmétiques, alternant logique industrielle et approche artisanale. Ils travaillent pour l'industrie alimentaire avec Barilla, créent des concepts design pour le bureau pour Mandarina Duck, dessinent des lampes pour Artemide et Ligne Roset, des flacons pour L'Oréal, des assises pour Amura, Infiniti et Debi, des objets de décoration pour Ichendorf, des produits technologiques pour Thomson, Acoustic Research, Alessi, TCL et My Fox. Des nombreux prix récompensent leurs créations : Red Dot Product Design Award, 2015, 2007 IF Product Design Award, 2015, 2008, 2007 CES Innovation Award, 2015 HKDA Award, Kapok Prize, 2007 Étoile de l'Observeur, 2001 Janus de l'Industrie, 2001 Plusieurs de leurs produits font désormais partie de la collection du Fonds national d'art contemporain, Paris.

Pendant ses études de design au sein de la Hochschule für Gestaltung Offenbach, Michael Raasch se concentrait déjà sur la création de luminaires, mobilier et accessoires. Sa façon d'aborder son travail était déjà globale et ses créations ont été éditées - pendant ses études - par des sociétés renommées telles que serien.lighting et Anta. Au fil des années, d'autres créations ont été éditées par des fabricants réputés. Michael Raasch a reçu plusieurs prix internationaux de design et ses oeuvres font partie de la collection permanente du Chicago Athenaeum Museum.

Née en 1987. Etudes : BTS design produits, Lycée Jacques Duhamel, Dole (39). Mention complémentaire Maquettes & Prototypes, Lycée Léonard de Vinci, Villefontaine (38). Licence professionnelle éco-design, Faculté Sciences et Techniques, Besançon (25). J'ai travaillé dans plusieurs secteurs d'activités (ameublement, textile, aménagement intérieur). Je m'installe en janvier 2012 pour répondre à des demandes particulières liées à l'habitat. J'apporte des conseils concernant l'agencement, les couleurs. Je crée du mobilier sur-mesure. Je suis sensible aux problèmes environnementaux, et j'intègre ce paramètre à chacune de mes démarches. Très contemplative, je puise dans la nature les idées pour donner de l'équilibre à mes projets. J'aime l'objet-poésie, j'attache beaucoup d'importance à l'affect que nous développons avec les choses qui nous entourent. J'essaie d'aller à l'essentiel, et pour cela je laisse souvent, dans un premier temps, ma mine glisser sur le papier, avec une thématique en tête, mais l'esprit vagabond. Parfois, je saisis une idée. Dès lors, je réfléchis aux solutions techniques.

Niels (né en 1975 à Berlin, en Allemagne) a achevé ses études de design à l’Ecole des Beaux-Arts de Hambourg, en Allemagne, en obtenant son diplôme de design en 2006. Par la suite, et depuis 2008, il travaille en freelance pour plusieurs agences de design depuis son propre studio basé à Hambourg. Le studio est situé dans une ancienne cordonnerie, à Ottensen, près de l’Elbe.

Née à Paris en 2000, Juliette Rougier a suivi une formation en design global (design produit, architecture intérieure, design graphique) à L'Ecole Bleue, après un bac STDAA. Aujourd'hui étudiante en master à l’École Supérieure d’Art & de Design Marseille-Méditerranée, ses projets se situent à la lisière entre design industriel, art et artisanat. Avec le matériau comme première source d'inspiration, elle explore des formes et des usages où se mêlent fonctionnalité et poésie, avec un souci d'économie de moyens. Les formes naissent de la recherche d'équilibre entre spontanéité et fonction. En 2021 elle est finaliste du Concours du Mobilier National pour une gamme de mobilier scolaire et reçoit le Prix Coup de coeur du jury lors de la 14e édition du concours Cinna Révélateurs de Talents. Elle sera également finaliste au Concours Massilia Design avec un ensemble d'accessoires de table. Elle signe en 2022 sa première collaboration avec Ligne Roset avec la collection Naïf et exposera au Musée d'Histoire de Marseille une ligne de mobilier réalisé en canne de Provence à partir des chutes d'une entreprise de la région.

Architecte, Frédéric Ruyant développe des produits en matière de design depuis 1996. Il crée, invente, imagine pour Ligne Roset, Carita, Issey Miyaké, La Croix Rouge, L'Oréal, Le Mobilier National, La Poste, Lancôme, Toulemonde Bochart, Baccarat, Biotherm, Sentou, Azzaro, Tools Galerie, Jean-Paul Gaultier, Moët et Chandon, LVMH, Jennifer Lopez, Diesel, Galeries Lafayette, Cinna, Sephora ... Son travail l'amène à concevoir des espaces et des mises en scène. Il s'intéresse au paysage urbain et expose internationalement. Il vit et travaille à Paris et séjourne régulièrement dans sa tanière en Dordogne.

Date de Naissance : 28.04.1990 à Arnsberg, Allemagne A étudié le Design Produit de 2010 à 2017, à Hambourg et Göteborg. Travaille en tant que designer freelance depuis 2013 à Hambourg et depuis 2022 à Berlin. Je dispose d’une grande expérience dans le travail du métal : de la soudure à la construction de mobilier, en passant par l’usinage, les architectures d’exposition et la production artistique. Je suis spécialisé dans le domaine du design d’éclairage depuis 2016, j’ai exposé à Milan, Francfort et Hambourg, et j’ai déjà remporté quelques distinctions pour mon travail. Je travaille pour divers clients en Italie, en France, en Espagne, aux Etats-Unis et en Australie.

Inga Sempé est née en 1968 à Paris. Diplômée en 1993 de l'ENSCI-les Ateliers, (Ecole Nationale Supérieure de Création Industrielle) à Paris. Pensionnaire de la Villa Medicis (Académie de France) à Rome de 2000 à 2001. Elle ouvre son agence en 2000. Grand Prix de la Création en design de la Ville de Paris en 2003. Elle collabore avec Cappellini, Edra, Ligne Roset, Magis, Baccarat, Pallucco, David Design... Elle vit et travaille à Paris.

Kfir Schwalb, né en 1974, et Orit Magia, née en 1976, ont étudié le design industriel à l’Académie Bezalel de design et d’arts de Jérusalem. En 2005, ils ont fondé leur propre studio qui va de la conception de produits, des intérieurs, du branding au design graphique. Orit apporte son expérience du monde de l’art, de l’illustration et du graphisme, tandis que Kfir apporte son expérience du design industriel et de la technique, en essayant toujours de gommer la frontière entre les deux mondes. Shulab est un studio de design de renommée internationale avec un travail largement publié et la participation à plusieurs expositions internationales. Orit est également engagée dans l’illustration pour la presse et la littérature jeunesse.

Paola Cerdá (née en 1983) et Berta Recatalá (née en 1984) ont créé leur studio de design en 2010 à Valence (Espagne). Ces deux créatrices ont pour but la recherche d'excellence dans toutes leurs créations et l'analyse des besoins des consommateurs et des entreprises. Lors du développement d'un projet, elles appliquent des méthodologies créatives d'enquête en prêtant attention aux aspects affectifs des gens. Elles ont comme devise : « Le design, c'est découvrir comment les objets veulent paraître. » Pendant leur parcours, elles ont remporté le Premio Injuve de Diseño (2010) pour leur projet d'ameublement Desapercibido (inaperçu), qui a été exposé lors de salons internationaux tels que le Salone Satellite à Milan, ainsi qu'au sein d'expositions itinérantes en Turquie et en Égypte. En 2016 elles ont été finalistes aux Delta Awards, le concours de l'ADI-FAD, pour leur projet de luminaire 2Sides, édité par Lluria. Envolée - patères modulaires Patères qui gardent vos vêtements jusqu'à ce que vous soyez envolés. Deux versions qui s'adaptent à vos besoins, soit la suspension confortable d'une veste soit la suspension de divers objets sur la même patère. En forme d'oiseau en vol, elles sont le parfait décor inspiré pour la maison ou bien pour un espace de travail, permettant à l'imagination de l'utilisateur de s'envoler.

Née à Paris, le 15 mars 1981, elle est diplômée de l'ENSCI-Les Ateliers depuis décembre 2007. Elle a entrepris cette formation de designer après quatre années d'études supérieures en philosophie dont une à l'université d'Urbino en Italie. Durant sa scolarité à l'ENSCI, elle a obtenu une aide à projet du VIA pour développer sa chaise " La Pliée ", maintenant éditée par Ligne Roset. Elle a été lauréate avec Felipe Ribon du concours L'eau à la bouche organisé par Veolia Eau. Son mémoire de fin d'études, suivi par Philippe Louguet traitait des " paradoxes de la discrétion ". Son projet de diplôme suivi par Erwan Bouroullec explorait des " techniques domestiques " (couture, broderie, dentelle, macramé, tissage, tressage) pour créer du mobilier (des rangements, une chauffeuse, une lampe) aux structures en bois découpé numériquement et aux surfaces textiles.

En 2009, Marco Maturo et Alessio Roscini ont fondé Studio Klass, une agence de design industriel basée à Milan. Le studio opère dans plusieurs domaines, du mobilier au design de produits et, au fil des années, a travaillé avec des entreprises italiennes et internationales telles que FontanaArte, FIAM, Normann Copenhague, Lavazza, Ligne Roset, Azzurra Ceramica. Le travail de Studio Klass vise à innover la fonction et la manière d'utiliser les produits, avec une attention particulière à la combinaison de couleurs et de matériaux. Depuis 2009, Marco Maturo et Alessio Roscini sont tous deux professeurs à l'Istituto Europeo di Design de Milan.

Tamaki Design Studio est fondé en 2013 par Junpei Tamaki (né au Japon en 1986), et par la suite rejoint par Iori Tamaki (née à Taiwan en 1983) comme partenaire de vie et de design. Pendant leur travail de création, ils sont toujours conscients du contraste, pensant à la fois à la simplicité et à la complexité, soit de l’individu soit du monde, pour faire en sorte que leur design devienne plus profond et plus attirant. Leurs produits sont fabriqués par des entreprises internationales renommées telles que Cappellini, Ligne Roset, Living Divani et Panasonic. Ils ont récemment été élus Young Japanese Design Talent par Elle Decoration Japan.

Vincent Tordjman est designer, scénographe et musicien. Il a été formé au Conservatoire de Metz, aux Arts Déco de Paris en design mobilier sous la direction de Jean-Claude Maugirard, et à la Sorbonne en philosophie. De 1996 à 1998, il a été collaborateur du designer Didier Gomez. Depuis les années 2000, il entretient une approche et une pratique ouverte et éclectique des projets, entre arts de la scène et design. Il conçoit des scénographies de théâtre, d'opéra et d'expositions, des décors de théâtre, des projets d'architecture intérieure et du mobilier. Il produit aussi de la musique et du design sonore. Dans ses projets, il se concentre sur une économie de moyens et une évocation ouverte qui laisse la place à l'imaginaire tout en faisant résonner des références. Il construit sur les scènes de théâtre et d'opéra, des univers où la lumière et le son jouent une place essentielle au service du sens et de l'imaginaire. Ses décors ont accueilli de grands acteurs français comme Pierre Arditi, Romane Bohringer, Dominique Pinon ..., et ont tourné dans de nombreux pays et jusqu'en Chine où il a créé l'opéra « Flowers in the Mirror » en 2010, qui lie techniques d'acteurs et d'acrobaties traditionnelles et nouvelles technologies. Il joue avec la technologie pour lui faire prendre une tournure drôle ou poétique, comme dans les musiques électroniques qu'il crée pour la scène ou pour son projet solo "Vicnet". Depuis 2001, il explore suite à de premières expériences au Japon, l'intégration de technologies dans le mobilier, en particulier l'audio. Ces recherches ont donné lieu en 2013 au projet de mobilier sonorisé Wide soutenu par le VIA, avec la société française la Boîte Concept qui a étudié son acoustique en réflexion innovante. Le bridge Psi joue à la fois avec des évocations futuristes et des notes vintage. Son pied central atypique rappelle le dessin de la lettre grecque Psi, ?, symbole qui signifie âme, psyché. Le bridge Psi est né à l'origine sur une scène de théâtre, pour la scénographie d'un spectacle sur la psychanalyse, « Divans » de Michel Didym : les spectateurs y étaient en position d'analystes et les acteurs allongés sur des divans !

Notre agence de design produit est composée d'un designer Juan Lozano (formation Beaux Arts et Ecole d'architecture Jean Cottin), de Florent Zandrini (licence technico designer) et d'Hannelore Meyer Gallay (école de gestion) chargée du développement. Nous avons eu le plaisir de collaborer avec : Lesage Editions (éditeur de tapis et objets pour la salle de bains, Lille), Antésite (boissons rafraîchissantes sans alcool, Voiron), la FCP (distributeur de cosmétiques Rodier, Ventillo, Lyon), Moulin de Valdonne (sirops, Grenoble), Cinna et Ligne Roset (habitat, Briord), Mobalpa (cuisine et salle de bains, Thônes), BSN (verrier, Lyon), Cuisinox (accessoires cuisine, Paris), Mingori (robinetterie, Mâcon), Laboratoires Boiron (pharmacie, Ste Foy les Lyon), Calor (petit électroménager, Lyon), Rowenta (petit électroménager, Solenget), Panzani (alimentation, Lyon), Lexon (objets design, Paris), Couzon (couverts, Courpière), Revol (porcelaine, St Uze), Quiksilver (secteur de la montre, St Jean de Luz), Teisseire (sirops, Grenoble), Sifas (mobilier de jardin, Mougins), EDF (mobilier urbain, Lyon), Aubecq (ustensibles de cuisine, Paris), des restaurants gastronomiques (Le Jardin des Sens, Troisgros, Dekarmeliet, Charlie Trotter, Le Clos des Sens, Le Flocon de sel...)."

James Van Vossel (1977) est un designer polyvalent qui a un besoin constant d'innovation et une volonté inflexible pour atteindre son objectif. Sa motivation n'est pas simplement de proposer un autre objet sur le marché, mais de réformer les archétypes et de les remettre en question avec un flux constant de nouvelles idées. Diplômé avec distinction en tant que designer de meubles à l'Université VOMO/Thomas More de Malines (BE), il a créé la marque JAMES˙˙˙˙ en 2006. De la conception de jouets à l'univers de la mode, de la conception de produits pour Modular Lighting Instruments (BE) et Theo Eyewear (BE) à la conception de meubles pour Drisag (BE), cette large gamme de produits reflète sa quête de proposer des objets évidents, équilibrés et fonctionnels. Les créations uniques, limitées et produites industriellement sont toutes issues de croquis, traduits en modèles réels dans son modeste studio de designer. Le plus souvent, il trouve des solutions grâce à des interventions manuelles. Pour élargir son horizon et son esprit, James participe souvent à des concours et collabore avec d'autres designers. Dans le passé, cela a conduit à des coopérations créatives telles que Fox & Freeze. Il s'associe également à des entreprises d'horizons divers telles que la jeune entreprise coopérative sociale 37 Graden (BE) ou la célèbre entreprise de meubles Thonet (DE). James respire la passion et provoque un état d'esprit inspirant. Il cherche, investigue puis se lance avec le même enthousiasme et la même vigueur dans un projet pour chacun de ses clients. Car c'est ce qu'il préfère : agir sur le terrain. Ceux qui ont déjà assisté à l'une de ses conférences comprennent que James traduit ses paroles en actes : « Je ne peux pas m'asseoir sur un dessin ! … PRIX Prix de l'innovation intérieure Cologne (DE) Prix INTERIEUR biennale ’08 (BE) Prix du jeune professionnel pour l'Europe '09 (IT) Argent V.Award '13 (CN) iF DESIGN AWARD ’20 (DE)

Née en 1989. Laura Väre est une designer basée à Helsinki. Elle a suivie une formation en ferronnerie et possède un diplôme en design de mobilier du Lahti Institute of Design, ainsi qu’un diplôme de Master en design de la faculté des Arts Appliqués de l’Aalto University School of Art, Design and Architecture. A l’automne 2019, Laura a reçu le titre de Jeune Designer de l’Année par Design Forum Finland. Le travail de Laura concerne aussi bien du mobilier, des lampes que divers projets de design de produits. Elle trouve son inspiration dans tout ce qui nous entoure au quotidien : une lumière, une forme, une couleur, un matériau intéressant ou une vue, quoi que ce soit qui éveille un sentiment en elle. Parfois, Laura peut commencer à concevoir un produit en se basant uniquement sur son utilisation prévue, avant de se rendre compte qu’il lui manque quelque chose d’indispensable. La créativité vient souvent en créant et l’inspiration peut naitre pendant le projet. En tant que designer, Laura aspire à créer des produits à la fois beaux, pratiques, fonctionnels et intemporels, en répondant à des défis quotidiens et en apportant une touche unique. Dans son travail, les détails de finition sont toujours combinés à une style minimaliste marqué. Son travail a été présenté dans le cadre de salons du design internationaux, en Europe et au Japon. Laura fait partie du collectif Luomo, qui s’est vu remettre un prix Promise pour design d’excellence lors du Gala Muoto. Au printemps 2017, son travail a été sélectionné pour faire partie de la collection Jeunes Créatifs des Grafia Awards. Ses créations ont été exposées dans le cadre de salons du design et de salons du meuble, comme Habitare, Stockholm Furniture Fair et Salone Satellite in Milan, et sont apparues dans plusieurs grandes publications, notamment AD-magazine, Dezeen, Domus, Sight Unseen, Wallpaper et bien d’autres encore.

Evangelos Vasileiou est né en 1976 à Athènes. Après avoir obtenu son diplôme en architecture intérieure et design de produit à l'école Camondo, il continue ses études d'architecture à l'école de Paris-Malaquais où il obtient son DPLG. En 2001, il reçoit un appel permanent du VIA et par la suite il travaille dans l'architecture, le design et l'enseignement. Enseignant invité à plusieurs reprises, il est actuellement professeur vacataire en première année de master à l'école d'architecture de Paris-Malaquais. Il collabore avec diverses sociétés en matière de design et parallèlement, il réalise des projets de réaménagement et de scénographie. Ses travaux sont présentés dans des expositions et dans des galeries en France et à l'étranger. Basé à Paris, il ouvre en juin 2007 une deuxième agence à Athènes afin de gérer essentiellement des projets d'architecture et d'aménagement intérieur.

Benjamin Voisin est un jeune designer français né en 1991 à Toulouse. À la suite d'une formation Arts Appliqués à l'université Jean Jaurès de Toulouse, il rejoint l'IUP Couleur, Image et Design de Montauban qui propose une formation sur la couleur alors unique en France. Lors de ces années, il réalise plusieurs stages notamment chez Reine Mère Edition ou encore avec Samuel Accoceberry. Durant sa dernière année de Master, il crée le mobilier hybride Majordome, en collaboration avec Pauline Pinto et Cédric Guillemin. Ce projet reçoit le Prix du Public lors du 7ème concours Révélateur de Talents Cinna et est désormais édité. Benjamin apporte une grande importance aux détails lors de la création, à l'aspect graphique et au rythme qui se dégage de l'objet. Ces créations s'inspirent d'histoires du quotidien, avec un travail rigoureux sur la couleur et les matériaux tout en proposant des lignes contemporaines et élégantes. Il travaille aujourd'hui à Paris en tant que designer indépendant.

Né à Berlin en 1959, j'habite à Hambourg depuis 1984. J'ai suivi des études de design industriel à Berlin et à Hambourg. Je possède depuis 1992 mon propre studio de création de produits et architecture intérieure. Je réalise des meubles pour des fabricants internationaux renommés et divers projets pour des stands, restaurants, agences de publicité, magasins, franchises, etc... Je travaille également pour des sociétés internationales telles que Authentics, Carpet Concept, Cinna, Club Med, JAB-Anstoetz, Kabel New Media, Ligne Roset, Thonet, Tonon.

Designer anglais né le 26 Octobre 1976. 1995-1999 : diplômé Product Design au Ravensbourne College of Design and Communication de Londres. 1999 : primé par le journal « Times » comme " Meilleur jeune designer anglais de l'année " pour une collection de projets exposés à « New Designers 99 » à Londres. 2000 : arrive à Paris. 2000-2003 : designer à l'agence « Cent degrés », travaillant sur de nombreux projets tels que des flacons de parfum, du mobilier d'extérieur, des objets pour la maison ou des ordinateurs concepts. 2001 : la lampe en tissu souple Toggle est son premier projet industrialisé et édité par Cinna. 2002 : le miroir panoramique Clip en inox poli, contenant une étagère et un vase est édité par Cinna. 2004 : la série de lampes Bud en borosilicate blanc est éditée par Ligne Roset tandis que Supernova, une lampe en verre blanc soufflé à poser au sol est éditée par Cinna. Actuellement : designer indépendant.

Patrick Nicole Zulauf est né en 1974 en Langenthal (Suisse). Il a passé une grande partie de son enfance dans l'atelier de son père, un restaurateur d'avions. Parmi les rebuts de l'atelier, il récupérait divers éléments afin de les transformer en nouveaux objets utiles. Après une formation d'ingénieur concepteur et fondeur au sein de la société JRG dans un petit village près de Bâle, il a continué à suivre son parcours créatif dans l'atelier de design de Hans Zaugg à Solothurn : il y a travaillé comme dessinateur entre 1995 et 1997, concevant des meubles, luminaires, téléphones… En 2000, Patrick Zulauf a approfondi ses compétences en poursuivant des études en architecture d'intérieur et conception de produits à l'école d'art de Bâle (HGK FHNW FFI IN3). Il a ensuite collaboré sur des projets pour les pavillons du salon Swiss Expo.02 à Neuchâtel et a travaillé comme adjoint à Christophe Marchand et Patrick Reymond (Atelier Oï) dans le Département de design industriel de l'ECAL de Lausanne. En 2003, en travaillant en tant que concepteur d'exposition pour l'Art Fair Basel, Patrick a fait la connaissance du fondateur de Belux. Il a ensuite commencé à travailler comme designer industriel et ingénieur produits pour Belux, qui a plus tard été reprise par la société Vitra. Au cours des années qui ont suivi, il s'est plutôt concentré sur la lumière et la conception de luminaires, et a développé divers systèmes d'éclairage novateurs tant dans le domaine de l'objet que celui des espaces de vie en collaboration avec certains des plus grands noms du design tels que Frank Gehry, Herzog & DeMeuron, Hella Jongerius, Naoto Fukasawa ou Antonio Citterio. En 2013, Patrick Zulauf a fondé son propre atelier à Bâle, travaillant en tant que designer et ingénieur produits sur des projets de façon pluridisciplinaire, ainsi que des pièces unique et/ou en série. En parallèle, il conçoit des luminaires pour la société suisse GO4LIGHT AG à Liestal depuis mars 2015.